Hugo – Mot à mot

Expiation : la bataille de Waterloo vue par Hugo

03. mai 2018 · Commentaires fermés · Catégories: Première · Tags: Hugo

Waterloo, morne plaine ..ce vers célèbre l’un des plus hauts faits d’arme de l’armée française sous la conduite du général Bonaparte … Dans le cadre de cette séquence qui évoque l’image des hommes confrontés à la guerre ,nous verrons comment Hugo retrace, à sa manière, épique et hyperbolique, le récit d’une des plus cuisantes défaites de la France : la déroute de Waterloo . Comment le poète matérialise-t-il le combat et de quelle manière représente-il ces soldats de la vieille garde napoléonienne dont , dans la légende, le nom suffisait à faire trembler leurs ennemis? Quelques précisions d’abord sur le cadre historique des événements et le contexte d’écriture des Châtiments . Napoléon revient au pouvoir le 1er mars 1815 après une marche à travers la France qui s’acheva triomphalement à Paris. Aussitôt, Louis XVIII s’étant enfui à Gand, les puissances européennes, Angleterre, Prusse, Autriche, relancèrent la guerre contre l’Empereur, considéré comme un usurpateur. Napoléon rassembla une nouvelle armée et gagne la Belgique.
Après quelques succès – à Ligny où il parvint à vaincre les Prussiens, aux Quatre-Bras où Ney remporta une demi-victoire contre les Anglais (16 juin) –, il affronta les Britanniques du duc de Wellington à Waterloo le 18 juin 1815. C’était la première fois qu’il se trouvait en face de son grand adversaire : jamais encore il n’avait combattu directement les Anglais.

Reprenant sa tactique habituelle, Napoléon confie une partie des troupes au général Grouchy, créé maréchal pour l’occasion, afin d’empêcher le feld-maréchal Blücher de rallier le champ de bataille. Il espérait ainsi remporter une victoire décisive face aux Anglais. En effet, la bataille ayant commencé à 11 heures en raison du terrain détrempé par les pluies, il eut l’initiative toute la journée malgré la belle résistance britannique.
Malheureusement, Grouchy ne rallia pas le lieu du combat comme il l’aurait dû pour prendre les Anglais en tenaille, bien que poussé par le général Vandamme, jaloux de son maréchalat. Ce furent les Prussiens qui arrivèrent sur la droite française. La jeune garde fit des prouesses pour les contenir pendant que Ney cherchait à percer les lignes anglaises au centre. À 7 heures, Napoléon envoya sa vieille garde dans un suprême sursaut. Mais Blücher et Wellington firent leur jonction. La bataille était perdue. Avec elle s’envolait l’espoir d’une restauration impériale durable.

Le poète montre d’emblée le champ de bataille comme un véritable enfer à travers notamment les transformations du cadre naturel .

I Un décor apocalyptique

a) un cadre infernal

La plaine du vers 1 se transforme en un gouffre qui s’apprête à engloutir les hommes à l’image de la terre qui s’ouvre sous les pieds des pêcheurs pour leur infliger un châtiment divin; Le poète présente d’emblée cette défaite comme une sorte de punition divine ; c’est pourquoi il utilise des références bibliques comme le gouffre flamboyant au vers 3 ou l’horrible gouffre au vers 27 dans lequel vont fondre les régiments . Le poète se sert également des images de lieux souterrains souvent associés à l’enfer : la comparaison du vers 3 rouge comme une forge peut évoquer la demeure du Dieu vulcain, le forgeron auquel les Dieux commandaient leurs armes ; Située sous un volcan, sa forge est associée à un contexte épique; Les notations auditives rappellent au lecteur le bruit des armes et ces bruits sont évidemment amplifiés : ils deviennent des tonnerres et se mêlent aux cris des mourants ; ce qui forme ainsi un vacarme infernal .

b) Un cataclysme “naturel “

Le poète utilise également des références aux éléments naturels : la guerre est ainsi vu comme un cataclysme ; les canons sont comparés au tonnerre qui gronde au vers 15; L’empereur lui-même veille à rester debout dans la “tempête” au vers 19 .Et les hommes fauchés par les boulets de canons sont comparés à des épis mûrs au vers 5 qui se couchent sous l’effet d’un vent violent. L’épi symbolise peut être ici la mort comme une sorte de moisson funèbre ; Pour évoquer l’ampleur de la catastrophe le poète utilise la force des éléments déchaînés ; Hugo compare aussi les soldats qui tombent à la chute de véritables pans de mur au vers 4 . Cette image donne une idée du bruit de leur effondrement. Ces références font partie des clichés qui servent à peindre la guerre . Nombreux sont les auteurs à insister sur le bruit infernal qui provient du champ de bataille : cri des mourants, des blessés, chocs des corps , crépitement des armes, hurlements des troupes qui donnent l’assaut .

c) la souffrance

Beaucoup d’écrivains cherchent aussi à montrer les souffrances des hommes sur le champ de bataille et le poète insiste particulièrement sur l’atmosphère de désolation qui règne: au vers 1, les drapeaux déchirés sont la métonymie qui marque la violence des affrontements et elle suggère les blessures des hommes aussitôt attestées par le vers suivant : “les cris des mourants qu’on égorge ” Les notations se font réalistes avec , par exemple, les blessures difformes du vers 7 ; la bataille dans son ensemble est désignée comme un affreux carnage et un moment fatal; Le terme carnage connote les dégâts physiques , les blessures mortelles de la chair alors que le second groupe nominal marque davantage l’approche de la mort ; en effet, l’adjectif fatal a le sens ici de qui est mortel et le champ lexical de la mort est extrêmement présent dans le poème tout entier . Cependant , pour dire la mort, Hugo a recours à différents procédés qui tendent parfois à la rendre plus acceptable . Le lecteur ne peut que partager les souffrances de ces soldats qu’ils soient héroïques ou de simples hommes désireux de sauver leur vie et le poète nous présente la situation sous un aspect pathétique

II Dire la mort et la tragédie

a) le registre pathétique

La bataille est une catastrophe sur le plan humain et les nombreuses précisions nous font vivre les événements avec beaucoup d’émotion. Hugo montre d’abord les soldats prêts à se sacrifier, dignes et fiers: “comprenant qu’il allaient mourir dans cette fête /saluèrent leur Dieu debout dans la tempête . ” Le terme fête peut sembler ici inapproprié pour désigner le combat mais il peut traduire une sorte de célébration de la guerre comme une divinité à laquelle on offre des vies humaines . De même l’adjectif tranquille au vers 22 et la précision sans fureur accentuent la dimension pathétique de la mort de ces soldats, victimes consentantes, expiatoires. Le poète nous fait partager sa tristesse avec hélas au vers 24 qui est placé , en tête de vers. Le poète prend fait et cause pour les soldats et les transforme en héros Le second hémistiche du vers 31 illustre leur mort glorieuse : “Dormez ,morts héroïques “ et la présente comme une sorte d’accomplissement naturel . La souffrance du combat est ici remplacée par l’apaisement du trépas. Mais le tournant de la bataille marque véritablement le moment le plus pathétique : en effet, le sacrifice de la garde aura été totalement inutile dans la mesure où derrière eux, les soldats sont pris de panique et s’enfuient

b) un retournement de situation tragique : l’apparition de la Déroute

Le poète construit un retournement de situation qui correspond à l‘arrivée de l’allégorie de la Déroute; telle une femme fatale, elle fait son apparition au vers 40 comme un spectre effrayant ; Le terme spectre au vers 38 marque sa dimension surnaturelle;elle est décrite comme une créature infernale qui terrorise les soldats et les rend fous de peur; elle les épouvante littéralement comme le précise le poète au vers 36 ; Il la décrit également sous les traits d’une “géante à la face effarée ” et montre les fumées qui l’entourent et rendent son surgissement évanescent ; On retrouve, très présentes à cet endroit du poème , les allitérations en f qui marquaient le caractère infernal de ce spectacle terrible. L’harmonie imitative se poursuivra avec des mots tels que affront vers 42, farouche 43, souffle 44 fourgons 45 , fossé 46 , fusils 47. Le poète tente de restituer la panique qui s’empare des bataillons dont on peut suivre l’éparpillement ;

c) une fuite éperdue

Le passage que nous étudions se clôt sur des images de fuite éperdue : les soldats cèdent à la panique et ne pensent plus qu’égoïstement , à sauver leur vie; D’ailleurs la formule Sauve qui peut qui traduit ce branle- bas de combat est répétée aux vers 41 et 42 ; Le rythme du poème s’accélère avec de nombreuses énumérations qui produisent un effet saccadé comme aux vers 42, 47 et 50 avec la litanie des verbes d’action: “tremblaient,hurlaient,pleuraient, couraient ” ! Le bel ordonnancement des troupes est brisé et le spectacle n’en est que plus effrayant ; Les hommes sont comparés à de vulgaires fétus de paille pour montrer ici leur fragilité et l’expression du vers 50 ” en un clin d’oeil ” traduit la rapidité avec laquelle se déroule cette fulgurante catastrophe . Au vers 52, le verbe s’évanouit atteste de la disparition brutale de la grande armée et le chiasme achève le tableau : “vit fuir ceux devant qui l’univers avait fui.” On revient alors à la plaine nue désormais caractérisée par l’adjectif “funèbre ” au vers 55 qui rappelle les nombreuses pertes humaines.

III Célébrer la guerre ?

a) le grandissement épique

Hugo ne fait jamais dans la demi-mesure et avec lui,nous passons souvent instantanément de l’ombre à la lumière ; Poète animé par un souffle épique, il transforme ce combat en affrontement mythologique . Les comparaisons et les métaphores donnent à cet affrontement historique devenu légendaire, l’image d’une sorte de choc des titans avec des forces surhumaines qui s’affrontent : tout est plus grand que nature dans la description ; Les panaches des tambours-majors sont énormes au vers 6; les soldats semblent tout droit sortis des légions de Rome au vers 14; Tout est amplifié : le bruit des canons est semblable aux tonnerres; ici le pluriel poétique leur confère une force supplémentaire; Napoléon lui-même est devenu un Dieu cruel au vers 19 et la garde est avalée par une fournaise qui rappelle l'Enfer , au vers 23. Les régiments fondent, tombent mais ne reculent pas . Du moins une partie d'entre eux: les plus braves.

b) des braves ou des lâches ?

Hugo admirait Napoléon et écrit ici une partie de la légende de ce chef de guerre en montrant notamment à quel point ses hommes sont déterminés à mourir pour lui. Ces braves sont présentés comme ne formant plus qu’un seul corps, parlant d’une seule et même voix ; Le vers 20 évoque leur cri à l’unisson et ils meurent sachant ce qui les attend avec le sourire aux lèvres. Leur bravoure contraste avec l’épouvante qui règne ensuite et qui souffle un vent de panique sur le reste des soldats ; ces derniers tentent de fuir et même de se cacher, de se jeter dans les fossés; Leur défaite tourne à l’humiliation ; elle est également marquée de manière symbolique au vers 48 par la chute des aigles, symboles des légions romaines et emblème repris par Napoléon qui périssent sous les sabres prussiens. Ce n’est pas tant la défaite en elle même qui semble faire souffrir le poète mais plutôt l’humiliation subie avec cette débandade des “vétérans ” Ainsi le poème se conclut par la terrible image de la fuite des géants . et cette défaite semble orchestrée par une intervention divine comme le suggère le vers 56 : Dieu mêla tant de néants ; On peut rapprocher cette mention du titre même Expiation qui désignerait une forme de vengeance divine pour punir l’orgueil de l’Aiglon.

Erreur de stratégie pour les historiens, punition divine pour le poète, la défaite de Waterloo restera un événement marquant au siècle suivant . Elle aurait du servir le dessein de l’empereur de reconquérir durablement son pouvoir et son prestige, et elle se transformera en camouflet qui mènera à l’abdication de l’Empereur désormais déchu; Hugo reconstitue d’abord l’ambiance du champ de bataille et le déroulement précis des événements historiques avant de montrer le sacrifice des braves et la panique qui s’empare du reste des troupes ; Il fait ressortir son admiration pour ces nobles soldats et sa tristesse devant les dégâts provoqués ; La bataille est aussi l’occasion d’un grandissement épique qui montre l’énormité des forces en présence . Le poète y célèbre à la fois la grandeur des héros et la petitesse des hommes quand la peur s’empare d’eux et les rend pathétiques .

Vous trouverez en pièce jointe un commentaire composé rédigé de cet extrait d’Expiation …

Ruy Blas : une scène d’aveu

04. mars 2018 · Commentaires fermés · Catégories: Commentaires littéraires, Première · Tags: drame romantique, Hugo

Cet extrait de l’acte I du drame romantique de Hugo avait été retenu pour servir de base au commentaire littéraire de ce bac blanc; Le héros y avoue à son ami et aristocrate qu’il est amoureux de la reine et jaloux du roi d’Espagne alors qu’il n’est qu’un laquais. La question de corpus vous a mis sur la piste de la scène d’aveu et la gent edu la pièce pouvait également vous donner des indications sur la position du personnage et les points communs entre la tragédie ; si les introductions en général montrent bien que vous avez identifié le drame romantique , l’une des difficultés principales consiste à trouver une problématique qui permette d’étudier les thèmes essentiels de ce passage. Certains d’entre vous sot partis sur une lecture politique critique : en effet, Hugo a chois dans cette pièce qui se déroule en Espagne de critiquer la monarchie espagnole mais le public de son époque perçoit , au delà du jeu des acteurs et du cadre de la fiction, la satire du gouvernement de Napoléon III . Voyons quels étaient les axes à privilégier !

Il s’agira d’étudier en quoi cette scène d’aveu remplit sa fonction dramaturgique (poursuivre l’exposition de la pièce) tout en annonçant déjà la fatalité qui pèse sur la destinée du héros.

La dramatisation de l’aveu

1. Une scène de confidence : un aveu surprenant

Le rôle de Don César est ici proche de celui du confident des tragédies classiques : sa présence justifie la prise de parole de RB (de façon plus vraisemblable que s’il s’était agi d’un monologue) et les révélations qui vont suivre.
En effet, cette scène tirée du premier acte de la pièce constitue un prolongement de l’exposition : le dialogue entre le héros et son confident permet par le biais de la double énonciation de délivrer au lecteur/spectateur des informations essentielles et de mettre en place l’intrigue tout en suscitant son intérêt.
Les réactions de Don César (interrogations et exclamations) sont d’ailleurs le miroir de celles que peut avoir le public face à l’aveu surprenant de RB. Ces interventions sont réduites à quelques syllabes, mais leur expressivité (interrogations et exclamations) participe à la dramatisation du passage.

2. Une libération progressive de la parole: des révélations successives

Les brèves interventions de Don César divisent la prise de parole de RB en quatre répliques. Chacune d’elle constitue une étape et un nouvel aveu : l’aveu par RB de sa condition de laquais / l’aveu d’une passion dévorante / l’aveu de l’identité de la femme aimée / l’aveu de sa jalousie envers le roi.
La parole de RB semble se libérer au fil du passage : ses quatre répliques sont de longueurs croissantes (5 vers / 8 vers / 10 vers / 14 vers).
Cependant, ce qui caractérise le passage et crée sa tension dramatique, c’est plutôt l’hésitation entre libération et rétention de la parole : l’aveu ne se fait pas sans détours et retardements.

3. L’amplification de la gravité de l’aveu

Un effet d’attente est créé par la construction des répliques de RB qui prennent l’apparence d’énigmes : la seconde s’achève par une question (v. 13) à laquelle il répond immédiatement, mais cette réponse suscite plus d’interrogations encore ; la troisième se présente explicitement comme une devinette soumise à Don César et au public (« Tu ne devines pas ? » v. 21) et s’achève par l’aveu de l’amour éprouvé pour la reine ; la quatrième commence par le présentatif « il est… » (v. 25) relancé par « il est un homme » (v. 26), mais la solution n’arrivera qu’au vers 37 : il est question du roi.
Chacun de ces aveux est précédé par des images, des hyperboles qui amplifient son caractère insensé.On y retrouve l’image du feu amoureux mortel , autre ressemblance avec l’univers de la tragédie classique et ses passions funestes.
Des effets liés à la versification renforcent les effets d’attente et d’amplification, par exemple l’enjambement des vers 22 – 23 qui retarde la révélation de l’identité de la femme aimée

Ces détours, ces effets d’attente qui captent l’attention du lecteur/spectateur, mettent aussi en évidence la difficulté du personnage à avouer son amour insensé et douloureux pour la reine.

II. L’expression d’un amour impossible et douloureux

1. Un lyrisme exalté : le héros romantique sur scène

L’amplification progressive des répliques évoquée plus haut traduit l’exaltation qui saisit peu à peu le héros.
Cette montée de l’exaltation est également retranscrite par les redoublements de termes (« être esclave, être vil » v. 9) ou les gradations (« quelque chose / D’étrange, d’insensé, d’horrible et d’inouï » v. 15 – 16).
Le lyrisme passionné de RB s’exprime par un rythme saccadé que soulignent les nombreux tirets, l’emploi fréquent de la modalité exclamative, les interjections qui viennent entrecouper le propos ainsi que la succession parfois heurtée (v. 14) des verbes à l’impératif.

2. La puissance de la passion amoureuse

La violence de l’amour est suggérée par des images terrifiantes :

La métaphore de l’«hydre aux dents de flamme » (v.11) exprime la souffrance intérieure du héros.
Elle est reprise au vers suivant par l’adjectif « ardent » (v.12) qui évoque une sensation de brûlure. L’idée d’étouffement est présente à travers l’expression « serre le coeur » (v.12).
L’amour provoque une véritable douleur physique, un mal qui ronge la « poitrine », le « coeur ».

3. La conscience de la fatalité

L’amour impossible de RB pour la reine est associé à un « poison affreux » (v. 18), ce qui semble prémonitoire : RB mourra en effet en s’empoisonnant pour sauver la reine du déshonneur.
L’annonce d’un destin tragique est explicitement présente dans la troisième réplique de RB avec l’expression antithétique « une fatalité dont on soit ébloui » (v. 17) qui retrouvera dans l’expression soleil noir,chères à Hugo, son pendant poétique
L’image du « gouffre où [s]on destin [l’] entraîne» (v. 22), omniprésente dans l’ensemble de la pièce, représente métaphoriquement cette fatalité qui pèse sur lui. D’autres termes (« creuse », « abîme », «noir ») font également écho à cette métaphore.

L’amour impossible de Ruy Blas pour la reine est donc l’un des aspects que prend la fatalité qui pèse sur sa destinée. Cette fatalité est étroitement liée à la condition sociale du personnage.

III. Ruy Blas, une incarnation de la fatalité sociale

Une reconstitution historique

Les toponymes « Aranjuez » et « L’Escurial » ainsi que les noms des personnages aux sonorités hispaniques (nom de César précédé de Don) créent ce qu’on appelle la couleur locale, le cadre exotique souvent présent dans les oeuvres romantiques. Le drame se déroule en effet dans l’Espagne du XVIIe siècle.
Les v. 30-31 évoquent un usage particulier à la cour d’Espagne.
Il est sans doute possible de voir dans le tableau que brosse Victor Hugo de l’Espagne de la fin du XVIIe siècle dans la pièce un reflet de la France des années 1830 (époque de composition de la pièce). Hugo utilise ainsi le principe de distanciation que reprendra , par exemple, Anouilh en utilisant le mythe d’Antigone pour faire réfléchir le public de 1944 sur la politique de collaboration de la France occupée par les allemands .

2. La vision du roi par Ruy Blas, entre fascination et terreur

Le champ lexical de l’effroi (« terreur », « tremblant », « redoutable ») est très présent dans la longue tirade de RB sur le roi, un être redouté.
La toute-puissance royale est exprimée par la comparaison avec Dieu (v. 28) et par le rappel de son pouvoir de vie et de mort sur ses sujets (v. 31).
Le terme « fantaisie » évoque de façon péjorative le caractère arbitraire de ses décisions.
Le roi est également présenté comme un être inaccessible et isolé.
Cependant, et même si la pièce reflète la réflexion politique et sociale de son auteur, le roi dont RB fait le portrait ne saurait être assimilé au monarque français contemporain de Victor Hugo, Louis-Philippe. La figure du roi sert surtout à mettre en évidence, par contraste, la position de RB et le caractère insensé, et par conséquent tragique, de son amour pour la reine.

3. Ruy Blas, un être déclassé

Ruy Blas est un homme du peuple, mais l’éducation de qualité qu’il a reçue lui a permis de s’élever au-dessus de sa condition. C’est pourquoi il souffre de son statut de laquais. Son nom qui associe le patronyme aristocratique Ruy et le nom populaire Blas reflète ce déchirement.
La « livrée » désignée par la périphrase dégradante de « habit qui souille et déshonore », qualifiée d’ « infâme », représente la condition servile de RB, qui souffre de son déclassement.
Cet abaissement social est sans rapport avec les qualités de RB, homme d’honneur comme le montrera la suite de la pièce. C’est pourquoi Don César entretient une relation d’égalité avec lui comme le montrent la didascalie « lui serrant la main » ou l’apostrophe «Frère ! » par laquelle RB s’adresse à lui.
Il n’en reste pas moins que l’amour de RB pour la reine relève d’une incongruité sociale insurmontable, ce que met en évidence la jalousie du héros envers le roi, sentiment présenté comme grotesque au v. 37. Le caractère grotesque de la situation est renforcé par le prosaïsme des expressions employées par RB : au v. 39, la reine est rabaissée par la trivialité de l’appellation « femme du roi ».

Ainsi, cette scène d’aveu est essentielle à la pièce puisqu’elle prolonge l’exposition en mettant en place l’intrigue. La révélation par Ruy Blas de sa passion insensée pour la reine est également l’occasion pour Victor Hugo de nouer étroitement deux thèmes essentiels du drame, celui d’un amour exacerbé par la conscience tragique de son impossibilité et celui de la fatalité sociale qui pèse sur le héros.

Les ouvertures possibles : la fatalité amoureuse au théâtre ( comparaison avec Phèdre ou d’autres tragédies qui reposent sur une passion funeste ou un amour impossible ); un amour condamné par la différence de statut sociale des amants .

Autour de la peine de mort : analyse de Dead man walking..

27. mars 2017 · Commentaires fermés · Catégories: Seconde · Tags: cinéma, Hugo

En 1995, Tim Robbins décide d’écrire un scénario à partir d’un synopsis qui provient d’un livre rédigé par une religieuse Soeur Héléne Préjean qui retrace son expérience d’accompagnement d’un prisonnier condamné pour le viol et le meurtre de deux adolescents et condamné à mort par l’état de Louisiane. Le titre fait référence aux paroles du gardien lorsque Matthew Poncelet se dirige vers la chambre d’exécution: il annonce officiellement “c’est la marche du mort” ; Auparavant soeur Hélène, qui était devenue sa conseillère spirituelle et qui demeura avec lui le dernier jour de sa vie, lui avait interprété un cantique (chant religieux ) où il est également question de marcher vers la mort sans avoir peur . Ce film n’est pas un simple plaidoyer contre la peine de mort: il enseigne aussi la valeur de l’amour et du pardon.

Le film débute par un portrait en actions du personnage de soeur Hélène Préjean: on la voit souriante et occupée à aider les enfants et les femmes de la communauté noire de son quartier alors qu’elle-même est issue, comme on le verra au cours d’un repas de famille, d’un milieu social beaucoup plus favorisé. Cette femme se caractérise par une bonté et un dévouement hors du commun et un désir très marqué d’aider son prochain et particulièrement les plus démunis; C’est sous cet angle que le spectateur comprend son engagement aux côtés du condamné Matthew Poncelet, accusé d’avoir sauvagement violé et tué un couple d’adolescents sans histoire, deux enfants qui faisaient la joie et la fierté de leurs parents et qui étaient promis à un bel avenir. Leur mort atroce paraît d’autant plus injuste et les images que le réalisateur choisit de montrer en montage alterné au moment où Porcelet va être exécuté , tendent à superposer les destins des victimes et celui du tueur; Il a certes ôté la vie et s’est montré inhumain mais sa mort décidée par la société le met dans la même position que les victimes ; la caméra filme ici en plongée les corps des adolescents qui forment une croix et celui du condamné sanglé sur la table .

.Le spectateur s’attache rapidement au personnage d’Hélène incarné par l’actrice Susan Sarandon et il la découvre , au début du film,malmenée par l’aumônier principal de la maison d’arrêt qui lui reproche de ne pas porter l’habit religieux; A travers ce personnage sévère , le réalisateur montre deux conceptions de la religion chrétienne qui s’affrontent : l’une, rigoriste et intransigeante , est basée sur la loi de l’Ancien Testament qui préconise la vengeance et la châtiment pour les fautes alors que soeur Hélène défend plutôt les principes du Nouveau Testament fondés sur le pardon des fautes . L’exemple de Jésus est souvent cité : on rappelle qu”il est mort pour nous sauver et on retrouve des images dans le film qui évoquent la crucifixion du Christ notamment quand le condamné est basculé sur la table d’exécution. On notera aussi que les religieux ne sont pas tous d’accord sur ce que leur foi leur enseigne : les parents de Hope ont perdu leur foi et ne pensent qu’à se venger alors que le père de Percy, Monsieur Delacroix, finit par retrouver le chemin de l’église et de la prière en rejoignant soeur Hélène à la fin du film.A travers cette confrontation des personnages, le cinéaste nous fait prendre conscience que la religion propose plusieurs idéologies qui se retrouvent en concurrence.

Une autre opposition qui traverse le film , c’est la réflexion sur l’existence et la pratique de la peine de mort et son application légale ; Certains américains comme l’avocat de Matthew Poncelet ou soeur Hélène, se battent pour son abolition alors que les parents des victimes dans le scénario ainsi que beaucoup d’autres (on peut penser à la femme médecin en prison qui pratique l’injection et qui a un rôle ambigu), s’y montrent favorables comme dans les Etats qui la pratiquent sous différentes formes (chaise électrique, pendaison, injection léthale) . L’habileté du film consiste à établir une évolution dans la relation du spectateur avec les deux principaux protagonistes; Le condamné se montre parfois totalement antipathique et parfois très émouvant .Depuis des dizaines d’années les arguments des abolitionistes reposent sur l’idée qu’en tuant un homme quand bien même il se serait rendu coupable des pires atrocités, on devient soi même, collectivement, des assassins. C’est la thèse à laquelle le réalisateur semble se rallier .

Le personnage du condamné est construit sur plusieurs ambivalences : incarné par l’acteur Sean Penn , il représente à la fois le mauvais garçon (bad boy ) et la victime de la société; Le spectateur le voit tour à tour comme un sale raciste , un fils qui cherche à protéger sa mère, un homme manipulateur, un “pauvre” victime de son incapacité à se défendre avec un bon avocat, un tueur cynique et sauvage. Soeur Hélène entretient avec lui, au cours de ses visites au parloir, une relation faite à la fois de fascination et de compassion. D’ailleurs cette question est posée à plusieurs reprises dans le film, qu’est-ce qui l’attire chez cet homme : est-ce son désir de sauver les plus faibles, ceux que tout le monde rejette ou sa fascination morbide pour le Mal ? C’est en effet une idée qui traverse également le film : comment devient-on un tueur ? Est-on prédestiné à fair tel Mal ?

Lors de ses échanges avec soeur Hélène, Matthew raconte l’alcoolisme partagé avec son père, la pauvreté mais le film montre aussi la haine cultivée dè l’enfance, le poids des préjugés et les difficultés de cette famille ; On sera sensible à la dernière visite en prison des trois jeunes frères du condamné qui ont l’air très mal à l’aise et pourtant, on sent que des sentiments existent entre eux , qu’ils ne parvient pas à exprimer; la peine de la mère du tueur est également un moyen que Tim Robbins utilise pour nous faire prendre le condamné en pitié parce que cette femme éprouve réellement du chagrin de perdre son fils .

Le film ne se contente pas de montrer les conséquences d’un meurtre : il révèle les bouleversements de ce geste meurtrier dans les familles des victimes et du tueur ; on retrouve ainsi des idées que Hugo a envisagées dans son roman Le dernier jour d’un condamné en montrant, la visite de Marie , la fillette du prisonnier qui comme Matthew, s’inquiète de la survie des siens : comment vont-ils s’en sortir sans l’argent qu’il ramenait de son travail ? Les spectateurs envisagent alors le condamné sous un autre angle ne dépit de ce qu’il a commis.

Autre idée clé du scénario : dresser un parallèle entre les souffrances subies par les noirs autrefois esclaves dans les plantations et les souffrances de ces deux jeunes gens victimes d’un duo de malfaiteurs ivres et drogués. On pense notamment à la scène où soeur Hélène, en voiture, regarde les ouvriers noirs travailler dans les champs et imagine , en même temps, la scène du meurtre où elle veut croire à l’innocence de Matthew. L’action de soeur Hélène apparait ainsi sous cet angle comme un moyen d’apaiser les souffrances humaines , passées et présentes. Ce personnage est totalement convaincant dans son interprétation . L’actrice a d’ailleurs reçu un oscar pour sa prestation.

Le dernier jour d’un condamné : pourquoi écrire ?

12. mars 2017 · Commentaires fermés · Catégories: Seconde · Tags: Hugo, prison

Exemple d’introduction : Le premier roman de Victor Hugo écrit à l’âge de 27 ans témoigne de son engagement contre la peine de mort : il imagine un personnage de condamné à mort qui a pour fonction de sensibiliser les lecteurs sur la souffrance morale des prisonniers dès lors qu’il savent qu’ils vont être exécutés. Au chapitre 5, le romancier justifie l’écriture même du prisonnier . Ce dernier ,en effet , se demande à quoi bon écrire . Tout d’abord, nous verrons que l’écriture lui permet de lutter contre l’ennui. Ensuite, nous montrerons que le journal du condamné a pour but de lutter our l’abolition de la peine capitale. Nous démontrerons enfin qu’écrire lui permet de mieux se comprendre.

Le prisonnier se trouve “pris entre quatre murailles de pierre nue”: il n’a que très peu d’espace et ses déplacements sont limités ; sa seule distraction consiste comme il le précise l 280, à suivre la progression des ombres au fur et à mesure que le jour s’écoule; Pour lutter conter ce désoeuvrement, l’écriture apparaît comme un dérivatif; mais il doute de pouvoir trouver quelque chose qui vaille la peine d’être écrit (287). Il a alors l’idée de noter les mouvements qui se font en lui : cette tempête, cette lutte, cette tragédie ( 290) . Vue sous cet angle, la matière lui parait riche : il a trouvé un sujet d’inspiration et peindre ses états d’âme le “distraira ” et lui permettra d’ailleurs “d’en moins souffrir” . L’écriture va ainsi lui permettre d’oublier que tout autour de lui est “monotone et décoloré” ( 289 ) ; Se consacrer à son monde intérieur semble alléger quelque peu ses souffrances et lui donne ainsi “de quoi user cette plume et tarir cet encrier “

De plus, le condamné envisage que cette autopsie intellectuelle qu’il s’apprête à pratiquer “ne sera peut être pas inutile” : en effet, il pense que le journal de ses souffrances et l’histoire de ses sensations portera avec elle “un grand et profond enseignement ” ( l 307) Ainsi , en prenant connaissance de sa souffrance morale et des tortures liées à son arrêt de mort , ceux qui condamnent auront peut être la main moins légère (ligne 312 ) . Ils pourront se rendre compte qu dans l’homme qui va mourir, il y a une intelligence et surtout “une âme qui n s’est point disposée pour la mort ( l 319 ) . En fait, le prisonnier espère que ses quelques lignes vont servir la cause des abolitionnistes et le romancier plaide , à travers ce personnage, contre la peine de mort qu’il juge inhumaine . Il compte sur sa fiction pour convaincre ses lecteurs du caractère atroce d’une sentence ; Il compte sur l’avenir : ” un jour viendra, et peut -être ces mémoires, derniers confidents d’un misérable, y auront-ils contribué.. ( l 330 )

L’écriture du prisonnier peut également avoir une autre fonction : thérapeutique elle l’aide à moins s’ennuyer, didactique , elle délivre un enseignement et enfin, elle lui permet de mieux se comprendre; elle a ainsi une fonction d’ expliquer ce qu’il ressent; L’écriture intime fixe ainsi les changements qui se font en lui : il s’observe et note ce qu”il “éprouve de violent et d’inconnu” (295) L’écriture donne ainsi un nom à des sentiments confus, les démêle et valide leurs transformations. Ses pensées, en effet, se présentent à lui “à chaque heure, à chaque instant, sous une nouvelle forme ” ( 291). Ecrire donne une forme à des pensées mouvantes .

Voilà un exemple de conclusion : En nous plongeant au coeur des réflexions imaginaires d’un prisonnier condamné à mort, le romancier lui donne ici la possibilité de s’interroger sur le bien- fondé de l’écriture et par là-même, il rappelle l’intérêt et l’utilité de cette opération; Se pencher sur soi-même permet d’y voir plus clair; écrire délivre de l’ennui et permet momentanément d’oublier l’enfermement et enfin , les questions du condamné servent ici la cause de Hugo, fervent défenseur de la suppression de la peine de mort. Il espère toucher un large public et le rallier à sa cause grâce à cette fiction.

Le dernier jour d’un condamné : un plaidoyer contre la peine de mort et une préface importante.

16. février 2017 · Commentaires fermés · Catégories: Seconde · Tags: Hugo

Victor Hugo est âgé de 27 ans lorsqu’il écrit ce court roman, construit comme une nouvelle autour du personnage anonyme du condamné à mort. Conçu sous la forme d’un journal intime , cette histoire a pour but de susciter un débat autour de la peine de mort; Hugo militera, en effet, dès les années 1830, pour son abolition et son opinion est loin d’être majoritaire à son époque. Notons qu’il faudra attendre 1981 en France pour que François Mitterand, alors nouveau président de la République, fasse abolir la peine de mort par son ministre de la justice : Robert Badinter qui prononça , à cette occasion un discours demeuré célèbre.

Le lecteur ne peut s’empêcher de s’identifier à ce narrateur anonyme et de s’apitoyer sur son sort. L’auteur s’attache à susciter l’émotion en jouant sur le registre pathétique plus souvent et tragique parfois. Les passages argumentatifs sont nombreux et défendent la thèse de l’existence pour chaque homme d’un droit inaliénable à la vie; A sa parution, en 1829, le roman a déclenche un scandale et Hugo a été jugé subversif. Il le sera encore plus dans ses romans à venir en défendant les droits de ceux qui souffrent sans pouvoir s’exprimer : les enfants, les pauvres , les illettrés .

Ecrite en 1832, trois ans après la première parution du récit, la Préface justifie et précise le projet hugolien de plaidoyer contre la peine de mort. “Ce livre, écrit-il, est adressé à quiconque juge “; Du coup, l’auteur a gommé volontairement tous les indices qui pourraient permettre de rendre cette histoire individuelle; Ce criminel anonyme représente l’ensemble de ceux qui ont été jugés, déclarés coupables et vont être exécutés. L’idée d’écrire ce livre lui est venue des exécutions auxquelles il a pu assister place de Grève à Paris, et il espère ainsi pouvoir “empêcher le sang de couler ” En 1830, lors de la Révolution de Juillet, une première fois la Chambre des députés proposa de voter l’abolition de la peine de mort pour sauver quatre ministres condamnés pour avoir comploté contre l’Etat mais Hugo s’il était bien sûr d’accord pour les épargner, aurait préféré qu’on abolisse la peine de mort pour sauver tous “ces pauvres diables que la faim pousse au vol et le vol au reste; enfants déshérités d’une société marâtre que la maison de force prend à 12 ans, le bagne à 18 et l’échafaud à 40. ” Hugo raconte ensuite toutes les exécutions qui se sont mal déroulées avec des condamnés en sang épargnés par la guillotine défectueuse et qu’on achève devant la foule ; le romancier termine ensuite par un passage en revue des principaux arguments employés par les partisans de la peine de mort ;

ils la jugent nécessaire pour retrancher de la communauté un membre qui pourrait encore lui nuire mais Hugo rétorqué que l’isolement en prison suffit à protéger la communauté : ” pas de bourreau où le geôlier suffit ” écrit-il.
ils la jugent indispensable pour punir et se venger mais Hugo affirme que Dieu seul a la droit de punir et de décider qui doit vivre et qui doit mourir. La société selon lui doit “corriger pour améliorer ”
ils la jugent importante pour faire des exemples et dissuader ainsi les futurs criminels de passer à l’acte : toutefois Hugo précise que depuis un certain temps,la plupart des exécutions à Paris ne sont plus vraiment publiques et ont lieu discrètement, tôt le matin , de peur des émeutes et des mouvements de foule coutumiers en place de Grève . ” sous la patte de velours du juge, on sent les ongles du bourreau ” Pour le futur député républicain, la décision de justice masque en réalité la cruauté de la nature humaine . Hugo se moque ensuite de la rhétorique des procureurs qui parviennent à dissimuler, en choisissant leur mots avec soin, l’horreur de la mort . Il argumente point par point et construit un véritable réquisitoire contre la peine de mort en prenant soin de ménager des transitions : ” la raison est pour nous, le sentiment est pour nous, l’expérience est aussi pour nous ” écrit-il avant de commencer à évoquer les pays qui ont déjà aboli la peine capitale et qui voient,paradoxalement, leur taux de criminalité baisser .

En réalité, Victor Hugo ne veut pas seulement faire disparaître la peine de mort: il souhaite réformer le système judiciaire dans son ensemble en séparant , par exemple, les crimes par intérêt des crimes passionnels , qui selon, lui devraient être jugés avec moins de sévérité. Pour rassurer ceux qui craignent que l’abolition de la peine de mort sème l’anarchie, Hugo fait remarquer que ” l’ordre ne disparaîtra pas avec le bourreau.”

Que pensez-vous des arguments rencontrés dans cette préface ? Lesquels vous semblent les plus convaincants ? et Pourquoi ?

Panorama des critiques autour de Ruy Blas

23. janvier 2017 · Commentaires fermés · Catégories: Seconde · Tags: Hugo, théâtre

De nombreux reproches ont été adressés au drame romantique , particulièrement à ses débuts (Souvenez-vous de la célèbre bataille d’Hernani ) et la pièce de Hugo , jouée pour la première fois en 1838, n’a pas été épargnée. En 1880, Zola se montrait particulièrement sévère dans son jugement et reprochait notamment à Hugo d’avoir falsifié la vérité et imaginé un conte de fées abracadabrant. Les lecteurs actuels n’apprécient pas toujours la beauté de ce drame et peuvent eux aussi se montrer de vigoureux critiques.

Votre sujet d’invention consistait , dans les deux cas, à imaginer la défense de Victor Hugo: ce dernier devait répondre à ses détracteurs sous la forme d’une lettre qui contient ses arguments; les critères d’évaluation sont au nombre de 4

la qualité de votre écriture 4 pts
la prise en compte de la nature des critiques 4 pts
l’invention d’arguments variés et pertinents 4 pts
l’utilisation de l ‘oeuvre en elle-même dont certains passages précis illustrent les arguments théoriques 4 pts

Polémique autour de Ruy Blas

21. janvier 2017 · Commentaires fermés · Catégories: Seconde · Tags: Hugo, théâtre

Emile Zola admire en Victor Hugo le poète lyrique mais il critique sa prétention à vouloir , à travers son drame romantique, représenter les ambitions du Peuple; On peut d’abord se demander si les critiques de Zola paraissent fondées et s’il a raison de reprocher à Hugo ses contre-sens historiques . On peut également émettre l’hypothèse que les deux auteurs n’ont pas la même conception du rôle du théâtre en particulier et de la littérature ,en général.N’oublions pas que cette lettre de Zola est publiée en 1880 soit presque 50 ans après la parution de la pièce.

Comment répondre aux critiques de Zola ? Une première étape consistait à prolonger les analyses du cours et à formuler clairement ce qui est critiqué par le romancier naturaliste en reprenant point par point les accusations formulées.

Vous trouverez en rouge dans le document les principaux reproches de Zola, en jaune les éléments qu’il admire dans l’oeuvre; en vert apparaît la conception de l’écriture et de l’oeuvre artistique et en bleu les interprétations de Zola qui sont discutables.

Et nous venons bien de le voir, à cette représentation de Ruy Blas, qui a soulevé un si grand enthousiasme.

C’était le poète, le rhétoricien superbe qu’on applaudissait. Il a renouvelé la langue, il a écrit des vers qui ont l’éclat de l’or et la sonorité du bronze. Dans aucune littérature, je ne connais une poésie plus large ni plus savante, d’un souffle plus lyrique, d’une vie plus intense.
Mais personne, à coup sûr, n’acclamait la philosophie, la vérité de l’œuvre. Si l’on met à part le clan des admirateurs farouches […] tout le monde hausse les épaules aujourd’hui devant les invraisemblances de Ruy Blas. On est obligé de prendre ce drame comme un conte de fée sur lequel l’auteur a brodé une merveilleuse poésie. Dès qu’on l’examine au point de vue de l’histoire et de la logique humaine, dès qu’on tâche d’en tirer des vérités pratiques, des faits, des documents, on entre dans un chaos stupéfiant d’erreurs et de mensonges, on tombe dans le vide de la démence lyrique.

Le plus singulier c’est que Victor Hugo a eu la prétention de cacher un symbole sous le lyrisme de Ruy Blas. Il faut lire la préface et voir comment, dans l’esprit de l’auteur, ce laquais amoureux d’une reine personnifie le peuple tendant vers la liberté, tandis que don Salluste et don César représentent la noblesse d’une monarchie agonisante. On sait combien les symboles sont complaisants […] Seulement celui-ci, en vérité, se moque par trop du monde.

Voyez-vous le peuple dans Ruy Blas, dans ce laquais de fantaisie qui a été au collège, qui rimait des odes avant de porter la livrée, qui n’a jamais touché un outil et qui, au lieu d’apprendre un métier, se chauffe au soleil et tombe amoureux des duchesses et des reines ! Ruy Blas est un bohème, un déclassé, un inutile : il n’a jamais été le peuple. D’ailleurs admettons un instant qu’il soit le peuple, examinons comment il se comporte, tâchons de savoir où il va. Ici, tout se détraque. Le peuple poussé par la noblesse à aimer une reine, le peuple devenu grand ministre et perdant son temps à faire des discours, le peuple tuant la noblesse et s’empoisonnant ensuite : quel est ce galimatias ? Que devient le fameux symbole ? Si le peuple se tue sottement, sans cause aucune, après avoir supprimé la noblesse, la société est finie.
On sent ici la misère de cette intrigue extravagante, qui devient absolument folle, dès que le poète s’avise de vouloir lui faire signifier quelque chose de sérieux. Je n’insisterai pas davantage sur les énormités de Ruy Blas, au point de vue du bon sens et de la simple logique.

Comme poème lyrique, je le répète, l’œuvre est d’une facture merveilleuse ; mais il ne faut pas une minute vouloir y chercher autre chose, des documents humains des idées nettes, une méthode analytique, un système philosophique précis. C’est de la musique et rien autre chose.

J’arrive à un second point. Ruy Blas, dit-on, est un envolement dans l’idéal ; de là, toutes sortes de précieux effets : il agrandit les âmes, il pousse aux belles actions, il rafraîchit et réconforte. Qu’importe si ce n’est qu’un mensonge ! il nous enlève à notre vie vulgaire et nous mène sur les sommets. On respire, loin des œuvres immondes du naturalisme. Nous touchons ici le point le plus délicat de la querelle.

Sans le traiter encore à fond, voyons donc ce que Ruy Blas contient de vertu et d’honneur. Il faut d’abord écarter don Salluste et don César. Le premier est Satan, comme dit Victor Hugo ; quant au second, malgré son respect chevaleresque de la femme, il montre une moralité douteuse. Passons à la reine. Cette reine se conduit fort mal en prenant un amant ; je sais bien qu’elle s’ennuie et que son mari a le tort de beaucoup chasser : mais, en vérité, si toutes les femmes qui s’ennuient prenaient des amants, cela ferait pousser des adultères dans chaque famille. Enfin, voilà Ruy Blas, et celui-là n’est qu’un chevalier d’industrie, qui, dans la vie réelle, passerait en cour d’assises. Eh quoi ! ce laquais a accepté la reine des mains de don Salluste ; il consent à entrer dans cette tromperie, qui devrait paraître au spectateur d’autant plus lâche que don César, le gueux, l’ami des voleurs, vient de la flétrir dans deux superbes tirades ; il fait plus, il vole un nom qui n’est pas le sien. Puis, il porte ce nom pendant un an, il trompe une reine, une cour entière, tout un peuple et ces vilenies, il s’en rend coupable pour consommer un adultère ; et il comprend si bien la traîtrise, l’ordure de sa conduite, qu’il finit par s’empoisonner ! Mais cet homme n’est qu’un débauché et un filou !Mon âme ne s’agrandit pas du tout en sa compagnie. Je dirai même que mon âme s’emplit de dégoût car je vais malgré moi au-delà des vers du poète, dès que je veux rétablir les faits et me rendre compte de ce qu’il ne montre pas ; je vois alors ce laquais dans les bras de cette reine, et cela n’est pas propre.

Au fond Ruy Blas n’est qu’une monstrueuse aventure qui sent le boudoir et la cuisine. Victor Hugo a beau emporter son drame dans le bleu du lyrisme, la réalité qui se trouve par-dessous est infâme. Malgré le coup d’aile des vers, les faits s’imposent, cette histoire n’est pas seulement folle, elle est ordurière ; elle ne pousse pas aux belles actions, puisque les personnages ne commettent que des saletés ou des gredineries, elle ne rafraîchit pas et ne réconforte pas, puisqu’elle commence dans la boue et finit dans le sang. Tels sont les faits.

Maintenant si nous passons aux vers, il est très vrai qu’ils expriment souvent les plus beaux sentiments du monde. Don César fait des phrases sur le respect qu’on doit aux femmes ; la reine fait des phrases sur les sublimités de l’amour ; Ruy Blas fait des phrases sur les ministres qui volent l’État. Toujours des phrases, oh ! des phrases tant qu’on veut !
Est-ce que par hasard les vers seuls seraient chargés de l’agrandissement des âmes ? Mon Dieu ! oui, et voilà où je voulais en arriver : il s’agit simplement ici d’une vertu et d’un honneur de rhétorique. Le romantisme, le lyrisme met tout dans les mots. Ce sont les mots gonflés, hypertrophiés, éclatant sous l’exagération baroque de l’idée. L’exemple n’est-il pas frappant : dans les faits, de la démence et de l’ordure ; dans les mots, de la passion noble, de la vertu fière de l’honnêteté supérieure. Tout cela ne repose plus sur rien : c’est une construction de langue bâtie en l’air. Voilà le romantisme. […]

Victor Hugo reste un grand poète, le plus grand des poètes lyriques. Mais le siècle s’est dégagé de lui, l’idée scientifique s’impose. Dans Ruy Blas, c’est le rhétoricien que nous applaudissons. Le philosophe et le moraliste nous font sourire.

Émile Zola, Lettre à la jeunesse (fragments).
À propos de l’entrée de Ruy Blas à la Comédie-Française, en août 1880

RUY Blas et Hugo face à la critique : imagine que le dramaturge se défende …

13. décembre 2016 · Commentaires fermés · Catégories: Seconde · Tags: Hugo, théâtre

Tout auteur , un jour, doit faire face à la critique; Certains s’agacent de voir leur talent contesté; d’autres comme Molière ,s’en remettent au public; d’autres encore comme Corneille passent leur temps à se justifier dans leur préfaces ou leurs postfaces; Respect des règles, innovation, modes ou imitation des Anciens, chaque point a son importance et les artistes peuvent parfois se montrer indifférents ou au contraire , extrêmement chatouilleux. Hugo n’a pas eu en tant que dramaturge le succès escompté et nombreux sont ceux, à son époque, mai également aujourd’hui , qui l’ont critiqué; Passons- en revue les principaux points sur lesquels il a été jugé..voici un petit florilège critique ..

Commençons tout d’abord par les deux sujets d’invention au choix :

Imaginez la réponse que Victor Hugo aurait pu écrire à Emile Zola après avoir lu sa lettre (document 4 )

Imaginez que Hugo aujourd’hui lise les critiques du site Babelio consacré à Ruy Blas (document 3) : il décide de répondre en écrivant un article où il prend la défense de sa pièce en tentant de comprendre le point de vue d’un lecteur d’aujourd’hui

Liste des documents

Document 1 : un article critique d’un spécialiste du théâtre hugolien

Document 2 : un rappel de sa position de chef de file du drame romantique

Document 3 : des articles de lecteurs tirés du site Babelio

Document 4 : la lettre d’Emile Zola à propos de la représentation de Ruy Blas en 1880

Document 1 : extrait d’un article publié dans la revue de l’ENS à propos des critiques du théâtre hugolien

Historiquement et essentiellement, le théâtre est un genre agonistique, pour ne pas dire polémique. Le conflit engendre le théâtre et, en retour, le théâtre provoque le conflit. Les nombreuses querelles et batailles qui jalonnent l’histoire du théâtre – Le Cid et Hernani, pour ne citer que les plus connues sinon les plus violentes – prouvent que le combat est infectieux et qu’il ne reste pas enclos dans le seul espace scénique. Parmi les confrontations que le théâtre appelle, qu’il nourrit et dont il profite, celle qui l’oppose à la critique que l’on appellera, faute de mieux, journalistique est haute en couleurs et en enseignements. Naguère, en effet, le théâtre vivait et mourait par la critique que dispensaient les journaux et leurs censeurs redoutés. Puisqu’il est un art de société, le théâtre s’expose plus qu’aucun autre genre littéraire et les dramaturges sont davantage aux prises avec les critiques que leurs (con)frères romanciers ou poètes. Plus attaqués que les autres, ils ont dû développer davantage leurs systèmes de défense et apprendre à répondre.

En tant que dramaturge, Hugo a rarement trouvé grâce aux yeux de la critique. Contre ce théâtre trop poétique, trop épique, trop sublime et trop grotesque – trop hugolien, en somme –, celle-ci fait rage et reproche à l’auteur tout ce qui fait son génie .Chacun de ses drames a été l’occasion d’un combat ; la publication en volume lui permet de se justifier et de riposter en cuirassant ses pièces d’un paratexte abondant, varié et destiné à anéantir les critiques qui ont été émises et prévenir celles qui viendront. La dimension agonistique perdure donc, quelle que soit la durée écoulée depuis le tumulte des représentations.

Hugo ne cite jamais les noms de ses détracteurs et ne relaie presque jamais les propos déplaisants qu’il a dû essuyer lors de la création des pièces : inutile d’élever la querelle en débat. Souvent il donne littéralement son congé à la critique : « L’auteur pourrait […] examiner une à une avec la critique toutes les pièces de la charpente de son ouvrage ; mais, il a plus de plaisir à remercier la critique qu’à la contredire »

Le vrai jugement est celui de la postérité. « Si son drame est mauvais, que sert de le soutenir ? S’il est bon, pourquoi le défendre ? Le temps fera justice du livre, ou la lui rendra. Le succès du moment n’est que l’affaire du libraire » écrit-il par exemple à la sortie de Cromwell.

Que lui a-t-on reproché ?

Hugo est fréquemment accusé de produire sur la scène des pièces immorales. Dans la préface de Lucrèce Borgia, il réplique et se défend.

On lui reproche également la dimension grotesque ;

En 1882, si le grotesque dérange toujours, Hugo est devenu une telle idole qu’on lui passerait la plupart de ses excès. La finalité de ces variantes n’est pas pratique mais polémique : montrer à quel point les versions finalement choisies par Hugo sont supérieures en raison même de ce que l’on considère encore comme une faute de goût.

Une autre critique fréquemment adressée à Hugo, comme à tous les forgeurs de fiction, est celle de maltraiter l’histoire dans ses drames. Sur ce point, sa défense ne variera jamais : tout en plaidant sans cesse pour la liberté du créateur, Hugo multiplie les preuves de bonne foi et d’érudition

Hugo, l’homme-océan, ne peut se contenir dans les limites usuelles qu’on impose aux dramaturges. S’il sait faire parler des personnages, il veut également prendre la parole lui-même jusqu’à l’extrême limite. Il entend montrer qu’il est le maître du jeu dramatique et éditorial, l’énonciateur tutélaire caché derrière tous les personnages, présent d’un bout à l’autre du volume et qui étouffe toute autre voix, fût-elle celle de la critique. Il prouve à nouveau qu’il est bien le « génie sans frontières » dont parlait Baudelaire. La mainmise qu’il voulait sur le théâtre comme art vivant, Hugo la réalise lorsqu’il imprime ses drames.

Document 2 : un rappel de sa position de chef de file du drame romantique

Chef de file du Romantisme : Le créateur du drame romantique

En 1827, la préface que Victor Hugo rédigea à sa tragédie, Cromwell – sa première œuvre dramatique -, devint immédiatement le manifeste du théâtre romantique. Ce traité se divisait en trois parties : la première, à finalité destructrice, condamnait les règles aristotéliciennes de l’unité de lieu et de temps (deux des règles appliquées dans le théâtre classique), la deuxième partie recommandait en revanche de conserver la seule règle aristotélicienne acceptable, celle qui concernait l’unité d’action, tandis que la troisième partie affirmait le droit et le devoir, pour l’art, de représenter la réalité sous tous ses aspects. Hugo définissait ainsi, contre l’esthétique du théâtre classique, les règles d’un nouveau genre théâtral, le drame romantique.

Le drame romantique né des théories de Hugo se caractérise par l’introduction du laid et du grotesque sur la scène théâtrale, par un plus grand souci de la couleur locale et surtout par le mélange des genres – puisqu’au sein d’un même drame figurent des éléments tragiques et comiques.

Le 25 février 1830, la représentation de la pièce Hernani, qui donne à Hugo l’occasion de mettre lui-même en pratique ses principes, se déroula dans une atmosphère surchauffée par les polémiques entre défenseurs de la tradition et tenants des nouvelles doctrines. C’est cette soirée mouvementée, restée dans l’histoire littéraire sous le nom de « bataille d’Hernani », qui fit officiellement de Hugo le chef de file du Romantisme français. Hugo illustra encore ses théories au théâtre, notamment avec des drames passionnés comme Le roi s’amuse (1832), interdit par la censure, Lucrèce Borgia (1833) ou Ruy Blas (1838), un de ses drames les plus connus.

L’homme de génie s’inquiète peu des diatribes, des harangues et des clameurs de ses ennemis; il sait qu’il aura la parole après eux. (Faits et croyances)

· Le beau n’a qu’un type; le laid en a mille. (Cromwell, préface)

Les grandes révolutions naissent des petites misères comme les grands fleuves des petits ruisseaux.

Document 3 : des articles de lecteurs tirés du site Babelio

Quand un auteur est convaincu de l’enjeu politique et social de la littérature, il est inévitablement porté à s’intéresser au théâtre, art bien plus populaire que celui de la littérature, surtout au XIXe siècle, quand le théâtre était le seul moyen de transmettre une oeuvre écrite inaccessible à la majorité analphabète d’une population.
Victor Hugo étant un auteur ayant toujours cherché à créer pour ceux qui n’en n’ont pas les moyens et en ont le plus besoin, il était logique qu’il lance définitivement sa carrière littéraire par le théâtre, et pas n’importe quel théâtre, un théâtre débarrassé des restrictions classiques, un théâtre romantique, exalté, lyrique et emporté, cherchant à satisfaire autant l’intellectuel porté sur l’exactitude historique et le caractère des personnages que le sentimental adepte des intenses peintures des passions.
Lancé par “Cromwell” et surtout par “Hernani” , le drame romantique hugolien atteint son apogée avec “Ruy Blas“. Bien que ce texte puisse heurter, et même faire sourire, les professionnels de notre théâtre contemporain, il n’en garde pas moins une grande fraîcheur par la beauté et la vigueur de ses vers, la force de ses images et son indéniable caractère populaire. Il est vrai qu’aujourd’hui, les auteurs cherchent avant tout à ne pas être populaire et à créer, non pas pour tous, mais pour certains. le théâtre perd ainsi (peut-être au profit de la télévision et du cinéma ?) ce qui fit sa grandeur et lui donnait tout son sens : être l’élément déclencheur d’un engouement populaire, être créateur de lien social. Ce que Victor Hugo réussit à faire par son théâtre, par ce fameux drame éminemment politique d’un valet épris de la reine d’Espagne, d’un homme du peuple ayant des velléités d’insoumission, d’égalité et de liberté, dans un temps où les incompétences de l’aristocratie commençait à faire de l’ombre aux nouvelles forces et aux volontés aiguisées d’une classe bourgeoise désirant tenir, elle aussi, les rênes de son destin.

J’adore cette pièce. Une histoire d’amour flamboyante, une imposture, l’arrière-plan du peuple en marche hugolien, un vilain digne de Frollo (Don Salluste) et une fin shakespearienne dans le sang. Je vénère Shakespeare, adore Hugo, et lorsque le second est le plus proche du premier, son maître, je ne peux qu’applaudir. Il déverse dans cette pièce toute sa passion, conjuguée à un décor espagnol qui s’y prête tellement
Assez déçu par cette pièce de théâtre de Victor Hugo (je préfère ses romans et ses poésies à ses pièces de théâtre !). Ma déception est due au célèbre film “la folie des grandeurs” (avec Montand et de Funès) tiré de cette pièce et que j’ai vu et adoré. Dans cette pièce, les passages comiques n’apparaissent pas (ça je m’en doutais un peu, j’imagine mal Victor Hugo écrire le passage comique du chien qui baise la main à Alice Sapritch !!!). La pièce est plus dramatique car Don Salust surprend Ruy Blas avec la Reine et essaie de les faire chanter. Ruy Blas tuera Don Salust et se tuera en avalant du poison, c’est effectivement moins gai que le film !
J’ai trouvé le thème de cette pièce très actuel, même si les hommes de pouvoir dont elle parle sont des aristocrates de l’Espagne du 17ème siècle… C’est son intérêt principal, sans compter, bien sûr, la belle écriture de Victor Hugo ! Mais à mon goût, l’intrigue est trop rocambolesque, l’histoire d’amour trop romantique. Finalement, ce que j’ai préféré, c’est la préface écrite par Victor Hugo ! Je pense que j’aurais plus apprécié cette pièce si je l’avais vue au theâtre, car elle pleine de rebondissements, de portes qui claquent, et il faut que ça aille vite, il faut du spectacle…
Ne criez pas, madame! Je m’appelle Ruy Blas et ne suis qu’un navet!
Je n’ai pas un grand goût décidément pour le drame hugolien, même si Ruy Blas a des accents légèrement plus convaincants que ceux d’Hernani, tout m’y semble forcé, empesé, ampoulé, téléphoné- pour tout dire vaguement ridicule – alors que l’esthétique du drame devrait être celle d’une fertile liberté de ton, d’un créatif mélange des genres…
Si je suis tétanisée d’effroi, pétrifiée par la beauté des tragédies classiques, raciniennes ou sophocléennes, le drame hugolien, lui, me laisse de marbre et m’ennuie même énormément…
Je vais même vous faire une confidence, que je ne me risquerais jamais à faire sur un réseau de doctes lettrés comme celui de Babelio, mais nous sommes entre nous, pas vrai? Ruy Blas ne m’a vraiment transportée d’aise que quand j’ai vu, au cinéma, sa parodie, La Folie des Grandeurs, avec l’inénarrable de Funès dans le rôle de Don Salluste!!

Le théâtre de Victor Hugo – soyons cruel, pour une fois, envers cet immense auteur -, c’est un peu du sous-Shakespeare: ça mélange le tragique et le comique; ça parle beaucoup, dans des vers grandiloquents; ça passe de la perfidie la plus noire à la noblesse (forcément chez le serviteur, Hugo renverse toujours tout) la plus honorable. Un valet aime une reine, un perfide se venge, un voleur se fait voler, et tout cela s’exalte à foison, pousse de hauts cris, se veut grandiose. Bref, nous ne sommes plus des romantiques. Ruy Blas, pour les cyniques du vingt-et-unième siècle, n’est plus que le prélude à La Folie des Grandeurs, dont Hugo, à coup sûr, était atteint.

C’est toujours pareil avec moi et les écrits d’Hugo : je trouve son style puissant, ses vers sublimes, et je déteste ses histoires. Je dois même avouer que j’ai éclaté de rire à la réplique finale !

Je me suis pressé à lire Ruy Blas, je n’ai pas réellement pu apprécier la complexité de la pièce. Malgré tout j’ai particulièrement aimé. Je ne connaissais pas Victor Hugo en tant que dramaturge, et pourtant il y a du talent. J’ai vraiment pénétré dans le Royaume espagnol de l’époque. J’ai adoré découvrir l’aristocratie, j’ai adoré la tirade de Ruy Blas au gouvernement, j’ai adoré la politique du personnage.

Document 4 : la lettre d’Emile Zola à propos de la représentation de Ruy Blas en 1880

ZOLA CONTRE RUY BLAS

Zola rend d’abord hommage à Hugo en tant que poète, mais critique sa philosophie “conduisant la jeunesse à tous les mensonges du lyrisme, aux détraquements cérébraux de l’exaltation romantique “. Il poursuit ainsi :

        […] Et nous venons bien de le voir, à cette représentation de Ruy Blas, qui a soulevé un si grand enthousiasme.
        C’était le poète, le rhétoricien superbe qu’on applaudissait. Il a renouvelé la langue, il a écrit des vers qui ont l’éclat de l’or et la sonorité du bronze. Dans aucune littérature, je ne connais une poésie plus large ni plus savante, d’un souffle plus lyrique, d’une vie plus intense.
        Mais personne, à coup sûr, n’acclamait la philosophie, la vérité de l’œuvre. Si l’on met à part le clan des admirateurs farouches […] tout le monde hausse les épaules aujourd’hui devant les invraisemblances de Ruy Blas. On est obligé de prendre ce drame comme un conte de fée sur lequel l’auteur a brodé une merveilleuse poésie. Dès qu’on l’examine au point de vue de l’histoire et de la logique humaine, dès qu’on tâche d’en tirer des vérités pratiques, des faits, des documents, on entre dans un chaos stupéfiant d’erreurs et de mensonges, on tombe dans le vide de la démence lyrique.

J’arrive à un second point. Ruy Blas, dit-on, est un envolement dans l’idéal ; de là, toutes sortes de précieux effets : il agrandit les âmes, il pousse aux belles actions…(la suite sur votre document polycopié..)

À propos de l’entrée de Ruy Blas à la Comédie-Française, en août 1880

RUY BLAS m’a tué : le meurtre de Salluste sur scène

08. décembre 2016 · Commentaires fermés · Catégories: Première · Tags: Hugo

Le spectateur a vu progressivement la relation se dégrader entre le maître et son valet qui a pris goût à la liberté et qui a également pris de l’assurance grâce à son déguisement de ministre et à l’amour partagé de la reine d’ Espagne ; Il pressent donc que l’issue sera fatale d’autant qu’avec le retour de Salluste, le piège se referme sur les deux amants . Hugo va-t-il aller jusqu’à faire mourir le méchant sur scène , en rupture avec la tradition du théâtre classique ?

Tout d’abord , précisons le contexte et la situation exacte. Il s’agit de montrer sur scène la vengeance de Salluste comme l’indique le dramaturge : “ma vengeance est assez complète de la sorte” ; Ce point est à mettre en relation avec le début de la pièce; le spectateur assiste à une partie du dénouement qui voit la victoire de Salluste dont le plan a fonctionné.

Le personnage est présenté sous un jour particulièrement sarcastique et il se moque de la naïveté du héros tout en se montrant irrespectueux envers la souveraine; les anaphores révèlent , à la fois , le passé et les sentiments du personnage qui met en relation ce qu’on a lui a fait avec ce qui s’accomplit sous les yeux du spectateur : “Vous m’avez cassé ! je vous détrône; Vous m’avez banni, je vous chasse” On note que dans le premier hémistiche, on trouve une action mise en relation avec les agissements de Salluste qui sont ainsi présentés comme les conséquences logiques de ce qu’a fait la reine; Mais la faute initiale a été commise par le marquis de Finlas et les deux vers suivants , construits à la fois sur des antithèses et sur un chiasme, donnent à lire la nature de cette vengeance : “vous m’avez pour femme offert votre suivante /” moi je vous ai donné mon laquais pour amant.”

Ruy Blas a donc été l’instrument de la vengeance de ce grand d’Espagne dont le mépris est affiché ainsi que les préjugés de classe : la didascalie “éclate de rire ” montre que pour Salluste il est inconcevable qu’une telle union entre deux personnes de rang social différent, soit réalisée; l’amour tiendrait donc compte de la position sociale de la personne aimée; le marquis es montre clairement menaçant à la fin de sa réplique et la gradation qu’il emploie traduit sa fureur : “vous m’aviez brisé, flétri, mis sous vos pieds” ; il termine en traitant la reine de folle "vous dormiez en paix, folle que vous étiez ” ; Folle ici est à prendre au sens d’insensée ; Salluste veut dire que la reine ne s’est pas suffisamment méfiée de lui et qu’elle a sous-estimée l’offense qu’elle lui avait faite en lui ordonnant de s’exiler .

Ruy Blas va réagir violemment après cette insulte qui déclenche sa propre colère; les didascalies nous montrent les préparatifs de ce qui s’apparente à un meurtre prémédité: il a condamné la porte en poussant le verrou et s’avance l’épée à la main “terrible ” ; cette indication fait de lui un héros de tragédie. Sous l’effet de cette colère, on sent le personnage capable de tout: c’est à son tour de se montrer menaçant et de justifier ce qu’il s’apprête à faire; Hugo multiplie les analogies avec le Diable et Salluste devient une incarnation diabolique : ” Satan te protégea, on écrase un serpent ou même “personne n’entrera ni tes gens ni l’enfer.” Le héros doit faire en sorte que le public le soutienne et qu’aux yeux de la reine, il passe pour un protecteur ou un justicier et pas pour un vulgaire assassin.

Ruy Blas se livre alors à un portrait charge de Salluste pour rappeler le danger qu’il représente pour la jeune femme : “c’est un monstre..il n’a point d’âme ” ou bien , “il m’étouffait ” et il m’a broyé le coeur” ; Ici les métaphores renvoient d’une part, à l’image diabolique du serpent ou à une figure surhumaine à la force herculéenne, et d’autre part, à la capacité de destruction du personnage. Mais on sent bien que le valet n’agit pas seulement pour protéger la reine du danger de la calomnie, il agit également pour se venger des offense subies qu’il rappelle, quelques vers plus bas : “il m’a fait fermer une fenêtre et j’étais au martyre. ” Hugo fait ici référence au retour de Salluste à la scène 5 de l’acte III.

La détermination du valet est marquée par des images telles que “talon de fer” ou un peu plus loin, il mentionne que le marquis vit ses derniers moments. Pourtant Ruy Blas semble conscient qu’il risque de franchir une frontière déterminante et Hugo rappelle les règles en vigueur par l’intermédiaire du valet qui déclare “je me blâme d’accomplir devant vous ma fonction Madame ” En assimilant le meurtre à une chose à faire de manière obligatoire, Ruy Blas se place en défenseur de la reine outragée. De plus, il affirme qu’il ne discutera pas ni n’argumentera avec Salluste ; Il se contentera de l’exécuter .

Pourtant Hugo débute un plaidoyer en faveur du fait de se rendre justice soi-même et les mots employés donnent une forme de légitimité au meurtre : ” noble ou manant, écrit-il, tout homme a droit..de venir lui cracher sa sentence au visage ” De plus, comme pour mieux se convaincre que le meurtre est nécessaire, il rappelle les méfaits du marquis : vous osez l’outrager ” “Misérable ” L’assassinat découle donc , selon la manière dont il est justifié, des insultes de Salluste envers la reine . Mais Ruy Blas semble déplorer de devoir en arriver à une telle extrémité et c’est sous cet angle qu’on peut lire la sentence suivante : “Pardieu, j’étais laquais! quand je serais bourreau ? On peut y voir en effet, le rapprochement entre le statut d’opprimé et le meurtre qui figure une forme de libération; En effet, Ruy Blas représente symboliquement le personnage du peuple et Salluste incarne l’aristocratie ; La suite de la scène prend des allures de règlement de comptes.

Le face à face entre le maître et le valet tourne à l’avantage cette fois du second et le motif du meurtre s’apparente plutôt à une vengeance personnelle.

Le théâtre comme tribune : l’exemple de Ruy Blas et des ministres III, 1

25. novembre 2016 · Commentaires fermés · Catégories: Première · Tags: Hugo

Lorsqu’il compose son drame romantique en 1838, Hugo n’a pas seulement comme objectif d’évoquer la situation politique de la France mais il utilise la dimension historique de son intrigue afin de reprendre un certain nombre d’arguments au moyen desquels sil vise le mode de gouverment de la France sous la Restauration et la monarchie de Charles X ; les personnages qui s’affrontent sur scène, au cours de l’acte III, représentent les aristocrates et leurs privilèges et d’autre part, le peuple qui entend prendre part aux débats publics. Voyons quels arguments s’opposent dans cet acte central qui voit Ruy Blas, sous l’identité de Don césar, interrompre le conseil privé du roi ? Quelle image des courtisans Hugo dépeint-il ici et quels défauts critique -t-il au cours de cette première scène ?

Un portrait peu flatteur des courtisans : Hugo les montre tout d’abord médisants ; ils ne cessent de se jalouser les uns les autres et de dire du mal des absents, de soupçonner des secrets inavouables et des complots : Ainsi ils admettent mal être dirigés par une femme (la reine ) et soupçonnent cette dernière d'être sous la coupe de Don César. Ils font de César un portrait caricatural : ce dernier serait un être singulier qui vit dans le noir, entouré de serviteurs muets et qui a la réputation d’avoir été “le plus grand fou que la lune eût vu naître ” ; les ministres rappellent alors sa vie dissolue “il changeait tous les jours de femmes, de carrosses” et imaginent des secrets peu avouables qui pourraient justifier sa fortune ; ils sont en réalité extrêmement jaloux de son ascension fulgurante car il est devenu leur maître :” le voilà secrétaire universel, ministre et puis duc D’olmedo“: on mesure ici toute la rancoeur des propos tenus par le Comte de Camporeal . Pour le public qui connaît les origines du personnage de Ruy Blas devenu Duc, les soupçons des conseillers créent un effet dramatique car le secret de ce dernier risque d’être découvert; On obtient même un effet comique quand il est question de sa “grande race ” selon l’intervention de Don Ubilla . Les spectateurs mesurent alors l’erreur commise par les conseillers et réfléchissent aux compétences de Ruy Blas ainsi qu’à son rang social ; Quelles sont les qualités indispensables pour bien gouverner ?

Tel est l’enjeu de ce passage de la pièce . Pour les ministres, la réussite de ce récent Duc d’Olmedo serait liée à la préférence que la reine lui accorderait et l’expression “on le sert derrière le rideau ” au début du passage, sous- entend qu’il obtient des faveurs intimes de la part de la souveraine. De plus, lorsque Ubilla prend sa défense pour expliquer qu’il le croit “homme probe” ; les autres conseillers se moquent de lui et de sa naïveté ; la cour apparaît alors comme un lieu où règne la médisance et les courtisans ne sont pas de modèles d’honnêteté : loin de là !

Entre eux, ils se querellent et se jalousent et s’invectivent à plusieurs reprises ; Les didascalies externes indiquent clairement que le ton monte par moments : les groupes d’hommes causent “à voix basse ” , signe qu’ils ne veulent pas être entendus par tous; les apartés sont fréquents comme l’indique bas; Covadenga est montré "s’échauffant” et Montazgo “se récriant ” ; les rires moqueurs entrecoupent les prises de paroles à trois reprises : ” éclatant de rire ” par exemple pour marquer l’intervention du Comte de Caporeal; la scène se termine par une sorte de brouhaha où note le dramaturge: “tous se lèvent et parlent à la fois, se querellant”

Le conseil privé du roi prend alors des allures de marché, une véritable foire d’empoigne et les tractations entre les ministres nous paraissent sordides : l’Espagne est alors comme un gâteau dont chacun chercherait à se tailler la meilleure part.

La cupidité des conseillers est mise en évidence par de nombreux indices et il est en effet, beaucoup question d’argent dans cette scène; nous notons d’abord que ,des sommes précises sont rappelées comme par exemple le coût de l’entretien des gens au service de la reine : “six cent soixant quatre mille soixante -six ducats ” et ce montant est prononcé “en appuyant sur les chiffres “; ce pactole est considéré comme une proie dont on chercherait à s’emparer; la métaphore “jeter le filet à coup sûr “désigne l’idée selon laquelle Ruy Blas serait intéressé par la fortune de la souveraine; le Comte du Caporeal poursuit sa réplique en ajoutant une sorte de maxime : “eau trouble, pêche claire ” qui discrédite les intentions du Duc d’Olmedo, qualifié implicitement ici d’homme vénal; ce type de commentaire traduit, en fait , pour les spectateurs, la cupidité des ministres qui sont présentés comme avides d’accroître leurs richesses personnelles au détriment de l’intérêt public; Tous les moyens leur semblent indiqués pour augmenter leurs privilèges : le népotisme est mentionné . Montazgo cherche à placer son neveu à un poste d’alcade et il a payé pour cela Ubilla , ou plutôt ce dernier a détourné de l’argent public à des fins personnelles. La corruption est pratiquée à tous les échelons du royaume : Ubilla, en échange attend en retour la nomination de son cousin, à un poste de bailli. Ces emplois publics étaient rémunérés grassement et ne pouvaient s’exercer sans l’intervention d’un parent , d’une personne ami haut placée.

Le lecteur a l’impression d’assister à la mise à sac du royaume d’Espagne comme si ce dernier était totalement morcelé; les hommes se déchirent pour obtenir la plus grosse part ; les énumérations vous indiquent déjà clairement l’importance des biens possédés : ” Camporeal reçoit l’impôt des huit mille hommes, l”almojarifazgo, le sel, mille autres sommes; le quint du cent de l’or, de l’ambre et du jayet. ” Lorsque Covadenga se plaint de ne rien avoir, il est aussitôt traité de “vieux diable ” par le Comte de Camporeal , celui là même qui possède de très nombreux biens et qui l’accuse de prendre “les profits les plus clairs” ; Chacun jalouse donc la fortune de ses concurrents et s’estime lésé, à tort; Le dramaturge montre par ces énumérations et ces disputes la grande cupidité des conseillers et leurs tractations s’achèvent symboliquement par le poison (celui là même qui va tuer Ruy Blas ) et les esclaves considérés comme de vulgaires marchandises : ” Donnez-moi l’arsenic, je vous cède les nègres. ” C’est à ce moment que Ruy Blas va intervenir pour fustiger l’attitude des courtisans.

Hugo fait donc ici un portrait critique des ministres qui n’ont aucun sens de l’intérêt collectif et mettent à sac les richesses du royaume en cherchant uniquement à placer les membres de leur famille à des postes clés; montrés comme cupides, oisifs et querelleurs, ils représentent un danger pour le peuple ; Hugo rejoint ainsi la tradition du portrait critique des courtisans et l’intervention de Ruy Blas va représenter l’introduction du peuple en politique; en effet, ce dernier qui n’est pas né noble , va prendre la défense des classes laborieuse qui sont écrasés par les impôts et dont la sueur enrichit les Grands.

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