Mot à mot

Dans la Préface de Cromwell, Hugo prétend que le drame romantique parvient à toucher trois types de public et à leur plaire ; les femmes parce qu’il leur donne de l’émotion, le peuple parce qu’il lui fournit de l’action, des rebondissements et enfin les penseurs, les intellectuels parce qu’il leur donne matière à réfléchir. Le point commun des passages que nous avons étudié, c’est justement leur dimension politique et leur critique d’une société inégalitaire dominée par une poignée de nantis. Voyons cela plus en détails …

Dans notre premier extrait situé à l’acte III, scène 1 , le spectateur assiste à la mise à sac du royaume d’Espagne déliquescent par une bande de conseillers malhonnêtes qui ne songent qu’à comploter, qu’à s’enrichir à titre personnel, à profiter des avantages liés à leur fonction sans jamais se soucier du bien public ou des intérêts collectifs; Hugo fait donc la satire d’un mode de gouvernance fondé sur l’ambition . Les Grands y sont dépeint issu un jour critique : ils complotent, se déchirent et se jalousent les uns les autres. Leurs marchandages nous paraissent abjects et leur âme vile. le plan d’étude peut se fonder sur la dimension critique avec une question du type : quelle est la visée critique de cette scène ? il s’agit alors de répondre en proposant une organisation qui montre les différents aspects de la critique : critique des courtisans, leurs complots, leurs marchandages, leur appât du gain et leur pouvoir de nuisance sur le royaume : découpé, affaibli et qui leur appartient totalement : ils sont présentés comme des prédateurs avides et la scène se termine par une querelle qui les divise ; 

C’est alors qu’intervient le héros et son entrée en scène constitue l’un des sommets du drame : sa longue tirade fustige les Grands et se présente comme un réquisitoire (acte d’accusation) contre leur vilenie; Le héros , sous l’habit de Don César de Bazan, fustige les vices dépeint et dresse un tableau pathétique du déclin du pays moribond, sous les coups portés par les ministres; Hugo y dévoile également sa critique du gouvernement de la Restauration. le plan d’étude de l’extrait qui va du début jusqu’à “L’Espagne est un égout où vient l’impureté de tout nation ”  peut se fonder sur les différents aspects de la critique ; Voilà quelques titres possibles de parties : une accusation véhémente ou éloquente avec le relevé des procédés oratoires et de la violence des accusations proférées par Ruy Blas , un tableau pathétique de la situation avec la diminution du territoire, son affaiblissement provoqué par les décisions politiques les guerres incessantes (L’Etat est épuisé de troupes et d’argent ou notre église en ruines est pleine de couleuvres” et les risques encourus notamment pour le peuple ( le peuple misérable et qu’on pressure, suant sang et eau ) ; Une troisième partie peut porter sur la décadence , l’idée d’une dégenérescence et reprendre les thèses historiques en vogue (rois incompétents et monarchie héréditaire condamnable ).

Notre troisième lecture analytique reprend la fin de cette tirade éloquente et peut être étudiée selon les mêmes axes d’étude : des accusations véhémentes, des critiques ciblées, un royaume sur le déclin ou en danger . Le héros s’y adresse sous la forme d’une prosopopée à l’ancien chef légendaire de l’Espagne glorieuse , le roi Charles -Quint,  et il prend à témoin les Espagnols présentés comme les anciens vainqueurs du monde . L’extrait commence d’ailleurs par cette adresse aux Espagnols, procédé oratoire qui consiste à s’allier son auditoire. Le héros poursuit par une série de questions oratoires dites questions rhétoriques , procédé qui permet justement la réflexion ou qui la suscite artificiellement . Le tableau de la situation présente se dresse en opposition avec la grandeur passée ; ce contraste est résumé , par exemple, avec la double métonymie “Ce pays qui fut pourpre n’est plus que haillon. ” La pourpre est le symbole de la gloire et le haillon décrit l’état actuel de délabrement du pay qui est ainsi personnifié avec cette image. Les descriptions de la décrépitude actuelle du pays se basent sur des constats historiques comme la diminution du nombre de soldats et leur transformation en bandits de grand chemin (soldat douteux- vont pieds nus) ; Hugo insiste sur la ruine  du pays et ses causes : "siècle funeste ” souvent associées à des défaites militaires ou à des guerres de conquêtes coûteuses et inutiles. Le champ lexical de la mort est très présent. L’Etat prend alors l’apparence d’un lion agonisant; Ici le dramaturge emprunte l’image et le symbole du lion qui représente la royauté pour rendre concret le déclin de l’Espagne: ce lion ‘couché dans l’ombre ” “expire dans cet antre où son sort se termine “; Par analogie, dans ce système comparatif, les conseillers devient la “vermine ” qui le dévore . Pour donner de la force à ses accusations, le personnage s’exprime au moyen d’images et de répétitions : l’Espagne se meurt, l’Espagne s’éteint et multiplie les exclamations “hélas,(deux fois )  O géant, Oh lève toi, Voilà ; la fin de la tirade est saisissante avec la transformation ridicule de l’aigle impérial, symbole de la gloire passée et étendard de Napoléon Premier, grand chef de guerre admiré par Hugo,  en “pauvre oiseau plumé”; La dislocation de l’alexandrin permet également de donner au discours une force oratoire peu commune :  Penche est rejeté au début du vers suivant provoquant ainsi un effet d’enjambement ; ainsi que On les souille . qui répond au terme splendeurs du vers précédent; Tout ce qui peut rappeler ou évoquer la gloire de la grande Espagne est ridiculisé, mis à sac: ainsi le manteau royal est découpé par “des nains difformes ”  et le “soleil éblouissant ” autre symbole qu’on retrouve pour désigner l’éclat du pouvoir absolu est devenu un “astre mort, une lune aux trois quart rongée et qui décroît ” ; Cette tirade est donc construite pour avoir un effet sur le public, susciter la réflexion grâce au tableau du déclin de l’Espagne et faire du personnage de Ruy Blas , un justicier vertueux prêt à agir au nom de l’intérêt collectif ; on imagine bien l’acteur indigné prononcer sur un ton grave les accusations contre les Grands et émouvoir aussi avec ses accents pathétiques .

Notre quatrième extrait se situe un peu plu loin au cours de ce troisième acte (III, 5 de D’ailleurs regarde-t-on le profil d’un valet …fait sortir tout le vent de ces billevesées ) : il ne s’agit plus cette fois d’une tirade mais plutôt d’un face à face entre Salluste et son ancien valet qu’il va chercher à humilier ; au cours de ce duel , Hugo reprend les thèmes abordés dans les scènes précédentes ; Ruy Blas continue à dresser les listes d’accusations contre les Grands   (Monsieur de Priego a grand tort d’aggraver les charges..et propose des solutions politiques ( mettre une armée en campagne..probités ) mais , en face de lui, son maître cherche à le faire sortir de ce rôle pour lui faire comprendre qu’il demeure un valet . Ce qu’il est intéressant d’étudier dans cet affrontement c’est la manière dont le dramaturge illustre l’oppression du maître sur le valet ; on peut par exemple expliquer dans une première partie comment Salluste cherche à humilier Ruy  Blas en étudiant les demandes du Marquis de Finlas , les didascalies mises en place par le dramaturge et surtout la visée politique de la tirade de Salluste qui raille les prétentions de son valet , sur un ton sarcastique . En effet, il semble considérer que toutes les accusations légitimes proférées par Ruy Blas à l’encontre des Grands d’Espagne, ne valent rien et se moque des prétentions de ce dernier à vouloir sauver le Peuple; On retrouve bien ici, mis en scène par Hugo, l’affrontement symbolique entr elle Peuple te les Grands qui le méprisent et ne le considèrent pas encore comme un acteur politique.  Salluste fait ici de l’humour au détriment de son valet qu’il cherche à ridiculiser : “pousser des cris sinistres..bouffi d’orgueil et rouge de colère ..gaillard populaire ” Il multiplie les attaques contre sa personne et dresse de lui un portrait extrêmement dévalorisant . La morgue du personnage le rend ici détestable aux yeux du public qui prend le parti du héros, malmené au cours de cette scène et qui se soumet encore à son ancien maître. De plus son discours idéologique en fait le méchant de l’Histoire : “vertu ? foi ? probité ? c’est du clinquant déteint. ” Il semble se placer au-dessus des valeurs  communes admises comme des qualités incontestables ; Le public prend fait et cause pour Ruy Blas et condamne à l’avance Salluste; Ce qui permet à Hugo de préparer le meurtre de ce dernier qui va, ainsi, aux yeux du spectateur,paraître justifié et vraisemblable. 

Ces quatre extraits explosent donc sur scène des affrontements politiques et idéologiques qui font du valet un héros populaire et du maître un méchant homme, l’homme à abattre pour restaurer la justice.  

 Poétesse novatrice qui a choisi le vers libre, Marie Krysinska compose un hymne mélancolique  aux souvenirs qui a des accents tristes :  on ne parvient pas vraiment à savoir s’il célèbre les joies du passé amoureux, ces beaux souvenirs qui forment pour le poète un rempart ou un refuge contre le présent menaçant  ou  le désir de l’oubli , une figure de la mort salvatrice comme une sorte de doux sommeil. Nous étudierons d’abord le déclenchement des souvenirs qui forment ensuite un tableau animé où parfums , couleurs et mouvements se mêlent harmonieusement avant de rendre compte de l’emprise de la mort et de l’évanescence  des réminiscences qui laissent place à un  terrible spleen. 

Pour construire vos introductions, se souvenir des différentes problématiques ainsi que des idées de  plans sur vos fiches, reportez- vous au polycopié donné en correction (en pièce jointe de cet article ) N’oubliez pas sur votre fiche texte de bien notre les numéro sise vers pour les citations (en rouge) et de faire apparaître titres des parties et de sous-parties...

 Pour construire le plan du commentaire , on pouvait partir de ses impressions de lecture : une tonalité  mélancolique, un poème qui évoque la résurgence des souvenirs et la présence du  spleen  ainsi que les nombreuses images de la mort ; Ce sont évidemment les thèmes essentiels mais un plan bien organisé les met en relation les uns avec les autres et répond à la problématique choisie : comment les souvenirs ressurgissent -ils ici ? 

 Mon plan répond à la question posée  : les souvenirs  sont déclenchés par les parfums (étape1) et font renaitre le passé (étape 2) pour lutter contre la menace du présent et la présence  de la mort ( étape 3) 

En effet, cette symphonie est avant tout un ballet de senteurs et c’est l’odorat qui déclenche la remontée des souvenirs : le mot parfum sert de point de départ à cette brusque remontée du passé; ce sont des parfums forts comme l’encens ou le jasmin , la violette ou le lilas; D'autres évoquent l'Orient ou l'exotisme  comme le musc, l’ambre et la vanille; D’autres évoquent un climat mystique, une sorte de climat d’adoration des divinités , une ambiance sacrée comme la myrrhe et le santal et bien évidemment les encens “lointains et oubliés”. Ces sensations olfactives nous font voyager  et transportent  nos sens  pour faire renaître des moments du passé heureux comme l’odeur du foin coupé qui grâce à la comparaison ” sereine et splendide comme un soleil couchant ” dessine un tableau romantique , vision idyllique d’un bonheur passé. 

Chaque parfum est associé à une fleur qui est personnifiée dans le poème et  chacune des fleurs se transforme en une jeune femme qui incarne un type d’amoureuse : ainsi la violette par sa couleur foncée est associée à la tristesse du veuvage et à  la solitude : ces chères douleurs à jamais ignorées ” ; les roses, symboles de l’amour sont certes fanées mais par une métonymie, leur couleur fait allusion aux lèvres rouges des femmes qui se font belles pour aller danser et rencontrer leurs amoureux ; l’héliotrope fait renaitre “les belles dames poudrées ” qui évoquent un tableau du dix-huitième siècle avec ces bals , lieu des rencontres amoureuses et associés à la sensualité 

A ces associations parfums et fleurs- femmes , il faut ajouter le mouvement des danses et la présence de la musique dans cette orchestration ; Les souvenirs se transforment ainsi en un ballet multicolore et sonore. On y entend différents instruments comme les orgues et les violons, le piano de Chopin et ses valses romantiques, et ces différents rythmes forment des accords à la fois grondants et berceurs. Cette  antithèse nous montre bien l’ambivalence ici du ressurgissement des souvenirs qui font du mal et du bien en même temps dans la mesure où ils réveillent des douleurs et des joies passées.  

Ces accord musicaux sont également obtenus par le biais des rimes intérieures et des répétitions qui scandent le poème : on y entend un refrain spleenétique d’une part avec l’image de l’hiver    et les nombreuses allitérations forment la musique du texte lui même : Ainsi les souvenirs doux, par opposition avec ce froid mortel sont  sont associés à des chuintantes qui marquent la chaleur et la douceur comme par exemple, chers et charmeurs, chanteront,chantant, chansons, Chopin, couchant , chaud et sachets . 

Quant au mouvement, il est obtenu par les danses : les fleurs s’enlacent comme des amoureux et forment des figures comme des arabesques; la valse est évoquée ainsi que les rondes des jeunes filles et les mouvements lents et gracieux des héliotropes. Le poème est formé de cette symphonie à la fois colorée et parfumée et la synesthésie ; c'est à dire le mélange des sensations, parcourt l'ensemble du poème.

Dès le début du poème, il est bien question de se laisser bercer par les souvenirs et d’y trouver un apaisement  sans réveiller les regrets mais est-ce bien le cas ? En effet, on peut se demander si les réminiscences ne provoquent pas , à leur tour , une forme de  mélancolie. Tout d’abord , on note la présence d’objets qui évoquent l’approche de la  mort comme la fleur fanée, le sachet vieilli; les adjectifs ont des connotations péjoratives parfois comme l’héliotrope avec son parfum vieillot et sa couleur défraîchie et on entend des pleurs à la fin du tableau des souvenirs :  une fleur est qualifiée de reine des tristesses et l’oponax est “dépravé” 

Ce tableau qui pouvait , dans un premier temps, paraître joyeux et réconfortant, finit par laisser place à des visions “cruelles et douces ” et le poème se clôt sur le retour du refrain ; la vision semble s’achever avec une disparition totale des différents objets ; les extases sont désormais évanouies ; les valses, mortes et les cassolettes éteintes, les lunes disparues. La magie a, semble -t-il, cessé pour faire place au néant : cette énumération marque la fin du souvenir et chaque sensation est “morte” :  le tableau qui s’était animé sous nos yeux s’est désormais décomposé et chaque symbole fait allusion à une parti edu cet ensemble ; ainsi extase évoque le plaisir amoureux, la valse la danse et la musique, les cassolettes, la présence des parfums et des fleurs, et les lunes disparues : le temps qui a passé et qui ne reviendra plus ;la fin d’une lune marquant la fin d’un cycle saisonnier . Les Anciens comptaient le temps en lunes: c’était l’unité de mesure principale du temps qui passe  et cela le demeur encore lorsque nous sommes privés d’instrument de mesure plus précis .

La poétesse utilise le langage des symboles pour traduire sa mélancolie et sa difficulté à maintenir vivace cette plongée dans les souvenirs réconfortants; le caractère éphémère du souvenir est bien marqué avec cet effacement du tableau coloré ; de plus, si on examine attentivement les éléments qui composent ces visions, on note dès le début la présence d’éléments peu réconfortants en lien avec les sentiments amoureux ; en effet, si chaque fleur peut symboliquement suggérer un type de relation amoureuse ou un souvenir amoureux, on aperçoit très tôt de la tristesse et des regrets ; si, au départ les roses sont superbes et éclatantes, comme si elles retrouvaient leur beauté passée et leur fraîcheur qui indiquerait la force de la jeunesse , on constate que les chansons ,elles, demeurent vieilles ; quant aux  voluptés, qui désignent le plaisir amoureux, elles sont qualifiées de  mortelles ; cependant, par une sort ed mouvement inverse, lorsque le mot  douleurs apparait, il est aussitôt atténué par la présence de l’adjectif chères; point d'amour triomphant ici mais des souvenirs amoureux où on devine encore la douleur tapie dans l'ombre du souvenir ;  il s'avère donc impossible de ne pas réveiller ces regrets en même temps qu'on réveille les souvenirs; Ce qui voudrait dire que nous ne pouvons entièrement contrôler nos réminiscences, ni filtrer notre passé. Comment ces instants morts car passés peuvent-ils encore éveiller en nous des sentiments ? C'est justement  la magie des souvenirs qui nous permet presque de revivre à l'identique les émotions qui appartiennent à notre passé. 

Peut être qu’aimer ne se fait pas sans une certaine douleur  ? C’est ce qu’évoquerait le poème en ressuscitant ces sentiments amers à l’image des parfums des liserons et les pleurs des iris suggèreraient que les chagrins amoureux demeurent encore vivants; Toutefois,  si la mélodie  demeure mélancolique et nostalgique, elle constitue malgré tout  une forme d’apaisement qui peut être interprété comme une préparation au long sommeil ; Il s’agirait d’apprivoiser , en quelque sorte, l’approche de la mort et  d’amortir sa violence, marquée symboliquement dans le texte par les images de dévastation du refrain.

La douleur de ce refrain semble émaner de la terre elle-même te de chacun de ces éléments personnifiés  : tout d’abord, l’hiver pleure le vent hurle comme un fou et les arbres avec leurs membres nous font penser à des corps suppliciés sous l’effet de la torture; l’adjectif grêle marque leur fragilité et leur faiblesse et le verbe tordre traduit cette force destructrice des éléments déchaînés; De plus, la conjonction tandis que peut marquer un effet durable : on a la sensation que cette saison est rendue éternelle . Cet univers cauchemardesque entoure la poétesse à l’image de sa place dans le poème, au début et à la fin et pour y échapper, elle tente de se plonger dans les souvenirs heureux de son passé qui entrainent à leur tour d’autres souvenirs .

Antidote au présent mortifère, le ballet des souvenirs déploie ici toutes les couleurs de sa séduction pour nous faire oublier que nous sommes soumis au cours inexorable du temps dévastateur mai cec visions finissent par disparaître , par s’évanouir à nouveau pour rejoindre les ombres de notre passé et nous devons recommencer indéfiniment cette opération de réminiscence qui , en dépit de nos efforts, ne nous permet pas toujours de séparer les visions cruelles des plus douces , nous remontons donc le cours du temps, par le biais du souvenir,  pour  retrouver dans notre passé nos joies disparues.  A nos risques et périls . 

Poétesse belge née en 1927 et survivante de l’holocauste, Esther Granek est partie vivre en Israel où elle a exercé le métier de secrétaire comptable à l’ambassade  de Belgique;  elle a composé 5 recueils poétiques qui ont ét publiés à partir des années 1980 et elle est décédée au mois de mai dernier en 2016. Son recueil Je cours après mon ombre  est paru aux éditions Jean -Louis Curtis en 1981. Elle compose une poésie personnelle et intimiste très musicale et parcourt des thèmes universels comme l’amour, le temps , la place de l’homme .

Saisir l’instant se présente comme une belle tentative de briser la linéarité du temps afin d’en extraire de merveilleux moments. Le poème se présente sous la forme de quatre quintils aux vers irréguliers et d’un quatrain : cette composition symbolique rappelle les 24 heures d’une journée. On remarque l’anaphore en début et en fin de strophe de l’expression saisir l’instant qui est répétée 9 fois au cours du poème; On pourrait penser que la poétesse cherche effectivement à extraite l’essence d’un instant . 

Pour approcher cet instant et en isoler la quintessence , elle cherche à lui donner une forme , une contenance; le premier quintil propose ainsi l’analogie avec une fleur “qu’on insère entre deux feuillets ” ; on peut penser au herbiers qui permettent de conserver la beauté des fleurs séchées entre deux feuilles mais on peut également penser à l’écriture du poème , des mots qu’on insère sur des feuillets ;

L’oxymore avant après  nous frappe d’abord par sa construction par juxtaposition et contraste avec la suite infinie des heures que rien ne semble pouvoir briser; En fait la signification du poème joue sur la possibilité d’interrompre la linéarité du temps et d’en isoler des fragments. par une sort d’opération magique, l’instant ainsi isolé se dilate est devient un refuge pour l’lhomme; on retrouve ainsi dans la seconde strophe, le champ lexical du sauvetage; l’homme vogue sur la mer de la vie tel un navire fragile et les instants représentent des planches de salut, une épave pour s’y accrocher;  l’instant salvateur évite la noyade au sein de cette métaphore;  Un autre oxymore  termine le quintil avec le paradoxe que forme l’ expression l’éternel présent car le présent par définition est  très limité, encadré par le  passé et l’avenir. 

Le trois!ème quintil met l’instant au centre du monde  comme un point de départ; le verbe construire indique ici qu’il sert de fondement , de base, à la fois aux rêves et au monde dans son quotidien; l’homme  se nourrit alors de cet instant ce qui inverse l’image commune  selon laquelle c’est le temps qui dévore notre vie; la poétesse ici renverse le cliché du temps en monstre dévorateur pour montrer,au contraire, que notre vie est tissée d’instants , que le temps sert de trame à notre vie (nous avions déjà vu cette idée avec le poème Fata temporum de Sicard qui mettait en place le champ lexical de la couture pour désigner l’action du temps . La fréquence des tournures pronominales: “s’en saisir, s’en nourrir, s’en repaître ” peut laisser penser à une action autocentreé, tournée vers le sujet ; 

On constate également la présence d’un champ lexical de la nourriture avec même un excès mentionné: l’homme semble vouloir absorber le temps, l’ingérer comme on se nourrit de ce qui nous fortifie; d’abord il  tente de le saisir  et s’en repait ; le verbe se repaître indique l'action de ne plus pouvoir absorber de nourriture comme si l'homme était repu , avait assez mangé ; dans la strophe suivante, l'expression s’en nourrir inlassablement traduit un peu la même idée d’une absorption en continu comme si l’homme tentait de conserver actif le lien vital qui le relie eau temps: on retrouve une variante de cette même idée avec le verbe s’imprégner qui ajoute à l’idée d’une absorption physique celle d’une imprégnation mentale; en effet, s’imprégner de quelque chose signifie le garder toujours présent à l’esprit, ne jamais s’en détacher, le conserver éternellement présent en mémoire , ne pas pouvoir l’oublier; On retrouve ainsi dans ce poème l’idée qu’il faut lutter contre l’oubli qui efface la trame de nos vies en faisant disparaître nos souvenirs .  Le dernier verbe se gaver complète le champ lexical et intensifie cette idée d’absorption . 

Les instants dérobés constituent d’abord une nourriture, un matériau mais également une richesse pour l’homme qui doit se fixer comme objectif de les saisir ; la difficulté d’une telle opération apparait , à plusieurs reprises, dans le poème et notamment dans la dernière strophe; l’exclamative de l’avant -dernière strophe laissait deviner le regret , la nostalgie de l’état passé mais les interrogatives finales contribuent à éclairer la quasi- impossibilité de saisir ces instants fugaces ; la comparaison avec un nouveau-né a pour but de nous convaincre de la fragilité de ces instants qui peuvent nous filer entre les doigts; il faut donc les rassurer, les “bercer “pour les retenir comme on endort et rassure un enfant ; Les deux questions qui terminent le poème semblent ainsi nous renvoyer à son début : pourquoi ne puis-je ..saisir l’instant a envie d’ajouter le lecteur . Du coup le poème se termine sur cette difficulté laquelle nous nous heurtons tous : isoler un segment du temps et le garder avec nous sans qu’il puisse nous échapper . Les allitérations en s peuvent traduire cette menace de laisser les instants s’enfuir sans pouvoir les rattraper ..

L’originalité de ce poème consiste donc à nous donner du temps une image positive: il est la nourriture de notre vie et nous avons le devoir de nous en emparer afin d’en conserver la quintessence : chaque étapee de notre vie baigne dans un espace temporel,de notre naissance à notre mort qu’on peut lire à travers l’expression “pourquoi ai-je cessé ” et nous devons en fixer les formes et les couleurs afin de garder vivants à jamais ces instants .

Lorsque les poètes abordent le topos de la fuite du temps, ils le font le plus souvent dans un registre mélancolique et Théophile Gautier n’échappe qu’en partie à cette tendance . Toutefois, à la différence des poètes romantiques qui expriment très souvent des sentiments exacerbés, on sent dans ce poème l’influence du Parnasse et de l’art pour l’Art qui fait la part belle à la beauté formelle et tend à restreindre le lyrisme personnel. Voyons de plus près comment le poète exprime ce qu’il ressent face au temps qui passe. 

La montre est  un poème composé de 10  quatrains d’octosyllabes aux rimes croisées qui égrènent les instruments de mesure du temps ; Comme le titre l’indique la montre va nous permettre de prendre la mesure du temps et de réaliser que nul ne peut en arrêter la course;  Comment le Tems est-il représenté dans ce poème ?  Par un système de personnifications et grâce à un réseau de métaphores, Théophile Gautier nous fait prendre conscience de cette course folle des heures. Nous examinerons tout d’abord les différents instruments utilisés par le poète pour rendre compte de la mesure du temps avant d’aborder l’histoire racontée par cette montre en panne et nous terminerons l’étude du texte poétique en tentant d’analyser les sentiments éprouvés par le poète . 

Plan détaillé : (attention il ne figurera pas sur votre copie rédigée, uniquement sur votre brouillon ) 

I  Les instruments de mesure du temps : des symboles du temps qui passe

a) des instruments variés et nombreux

Le poète évoque tout d’abord cette montre aux aiguilles immobiles avant de passer à la pendule qu’il personnifie  et transforme en un personnage moqueur “la figure de la pendule “ peut-on lire au vers 5 ; cette pendule rit de lui et lorsqu’elle  sonne son “timbre d’argent module /deux coups vibrant comme un tocsin” ; cette mention fait référence à un alerte, une sorte d’ alarme car le tocsin sonne en cas de danger. Après viendront le cadran solaire, l’église et son clocher qui rythme les journées . Le poète fait ainsi référence à la variété des instruments qui permettent à l’homme , depuis l’Antiquité , de chercher à rendre compte de l’écoulement du temps . Il semble cerné de toutes parts par tout ce qui lui rappelle que le temps ne s’arrêt jamais. 

b) le poète victime  d’une illusion

L’idée de moquerie est reprise dans le quatrain suivant par le verbe railler et le poète est la victime du cadran solaire, lui aussi personnifié avec “son long doigt” ; cet instrument de mesure ancien semble montrer au poète au moyen de son ombre qui s'allonge, que le temps ne peut jamais s'arrêter.  Après la pendule, le cadran solaire , on passe cette fois à l'échelle supérieure avec le clocher et  le beffroi qui domine la ville; Le cloches ne mentent pas et le poète est , une fois de plus, désigné comme la victime d'une illusion. L'ironie du clocher personnifie lui aussi appelle la "bêtise "du poète qui  a oublié de remonter sa montre . C'est en effet ce que nous comprenons très vite avec le vers 3 "l’aiguille au même endroit se montre ” 

II la montre arrêtée au coeur de l’histoire 

a) la montre 

En effet, ce poème semble raconter une anecdote : le poète a tout simplement oublié de remonter le mécanisme de sa montre et cette dernière a cessé de marcher . Cette erreur est soulignée dès les premier vers par une formule énigmatique : “il est une heure..une heure après” ; la reprise des mêmes groupes de mots matérialise cette confusion et cet arrêt des aiguilles de la montre. Le quatrain central nous apprend que le poète a oublié de remonter sa montre la veille : la périphrase "au trou de rubis la clef d’or ” évoque le mécanisme d’horlogerie  et le transforme en un objet précieux et merveilleux et l’expression “la petite bête est morte” au vers 17 peut faire sourire car elle transforme l’objet en animal. On retrouve d’ailleurs cette même idée qui peut faire sourire  avec le  balancier  métamorphosé en “papillon d’acier “

b) un poète rêveur 

La distraction du poète est mentionnée à plusieurs reprises dans le poème comme étant un défaut important  : au vers 2 où ce sont ses yeux qui sont qualifiés de distraits ; au vers 19 où il est question d'une forte rêverie qui l’a empêché de penser à remonter sa montre; Au vers 25, ce trait de caractère semble même le caractériser quand il écrit “c’est bien de moi.;quand je chevauche /l’hippogriffe au pays du Bleu /mon corps sans âme se débauche..” perdu dans se rêves, le poète perd ainsi la notion du temps en même temps qu celle du devoir; Le pays des songes est désigné par la métaphore Pays du Bleu, sans doute pour évoquer le ciel et l’image chevaucher l’hippogriffe rappelle le caractère irréel des rêveries ; Un hippogriffe étant un animal mythique et dangereux , être capable de le chevaucher signifie croire à des chimères ,à des mondes oniriques; le poète trouve ici refuge dans se songes et perd contact avec la réalité à tel point qu’il en perd son âme. Gautier joue également avec l’idée qu’on se fait habituellement d’un poète: un rêveur toujours la tête dans les nuages. 

III Le coeur du poète 

a) Plus le poème avance et plus le ton devient mélancolique : ce qui n’était au départ qu’une anecdote plaisante devient peu à peu une plainte sur la fuite du temps; la montre devient alors l’image d’un coeur qui bat avec le tic tac de son horlogerie; l’enfant d’ailleurs s’y laisse piéger et devient lui aussi la victime d’une illusion : il croit que la montre vit ; l’objet se transforme en coeur humain et désigne l’approche de la mort; par un subtil glissement métaphorique qui s’opère dans les deux derniers quatrains, la montre et le coeur du poète se confondent; le terme pulsation qui devrait plutôt être employé pour indiquer l’activité cardiaque est remplacé par le terme vibration qui lui rappelle davantage l’activité d’une sonnerie ; le coeur du poète est alors désigné comme le grand frère de celui de sa montre et cette fois c’est le verbe palpiter qui indique la présence de la vie en lui. Dieu est désigné par la périphrase : ” celui que rien ne peut distraire ” par opposition au poète distrait . 

b) les images de la mort

En y regardant d’un peu plus près, nous trouvons en effet des références à la mort ; tout d’abord, autrefois , quand quelqu’un mourait, on arrêtait la pendule dans sa demeure pour marquer l’arrêt de sa vie ; cette montre silencieuse est devenue un “cadran muet ”  et le temps apparaît alors comme une sorte de rôdeur avec cette image de “l’oreille collée au couvercle”; le verbe chercher lui -même est inquiétant ; on peut penser qu'il désigne la mort qui vient chercher une vie au vers 32; Et le verbe remuer pour indiquer l’action du coeur qui bat rappelle la présence de la vie comme celle d’un animal pris au piège; Dieu fait deux apparitions dans le poème : la première sous la forme d’une boutade ” comme il plait à Dieu” ; cette phrase sonne un peu comme le rappel mais sur un ton amusé, de la toute puissance divine; l’homme ne doit pas craindre la mort s’il remet sa vie entre les mains de Dieu 

A partir d’une anecdote plaisante, Théophile Gautier construit une réflexion sur la mort et le temps qui passe; le tic tac de la montre devient le coeur qui bat dans  la poitrine du poète et qui pourrait s’arrêter à chaque instant. Le ton léger employé par Gautier s’accorde bien dans avec les préceptes du Parnasse qui recommande , à cette époque, l’abandon du lyrisme pour un langage plus symbolique et contraste ainsi avec les effusions romantiques baignées de mélancolie; Toutefois , cette réflexion amusée sur le temps n’échappe pas à une forme de fatalité.

Du côté de sa biographie : Francis Etienne Sicard est un poète contemporain né en 1952; il  se passionne, dès l’adolescence, pour la littérature, et en particulier pour Marivaux et Marcel Proust. Des études de lettres classiques le conduisent à Lyon, où il complète sa formation d’enseignant avant de  rejoindre, en 1977, Berlin, où il choisit de résider pendant plusieurs années, pour écrire son premier texte en prose Le Voyage Bleu, qu’il ne publiera cependant qu’en 1986 .Il voyage  ensuite en Europe, en Asie et aux Etats Unis et commence  une importante correspondance.En 1983, il s’installe à Londres, d’où il publie trois recueils de poèmes, Contrepoint, Ecritoire Vécue, et Ariane, En 1998, il se retire dans le Languedoc, et publie quelques textes dans la presse.

Fata Temporum (la fée du temps )  est un sonnet qui nous confronte à différentes représentations du Temps; certaines peuvent nous sembler courantes mais la modernité du poème est à rechercher essentiellement dans l’utilisation du langage poétique et la création, à la manière surréaliste, de certaines associations d’idées qui renouvellent le matériau poétique classique. Commençons par tirer quelques fils d’interprétation à partir de repérages simples dans le texte poétique .

La figure du Monstre : le Temps apparait d’abord comme une sorte de rôdeur inquiétant qui “coule lentement le long des cimetières”  : on repère bien le champ lexical de la mort  qu’on retrouve avec  la métaphore ” éteint la flamme” et la cloche des morts : le glas dans le premier tercet. Ce monstre est doté de griffes qui au lieu d’être aiguisées , aiguisent le silence;   la transformation ici du qualificatif en verbe d’action est surprenante. Cette figure démoniaque ronge la peau de la bouche des rois et celle des lèvres des meufnières; on peut sans doute ici retrouver une variante de la figure vampirique de la goule qui entre dans la bouche et dans l’âme de se victimes pour les aspirer, les vider de leur substance vitale. Ce Temps a des allures de  roi car son règne dure depuis l ‘éternité , image de son pouvoir sans limite; un roi puissant et tyrannique donc qui impose sa loi aux hommes et qui les dévore; On retrouve , en effet, dans ce poème, la trace d’une dévoration avec le verbe “nourrit sa chair ” qui désigne le Temps comme une créature qui absorbe les hommes ; C’est le dernier vers qui révèle un des paradoxes les  plus intéressants de ce poème ; l’ogre a un visage de fée donc il trompe l’homme doublement: d’une part, en lui cachant sa véritable nature et d’autre part, en en lui montrant des atours séducteurs et magiques . 

Cette première piste  peut être complétée par le retour du symbolisme de l’alternance jour/nuit qui est une des unités de mesure du temps; en effet, le Temps est une sorte de couturière qui “attache ” la nuit au jour et qui “ourle” le matin avec un “galon”; ce champ lexical de la couture complété par le mot écheveau présente la continuité du temps comme inattaquable : aucune faille ne peut avoir lieu dans ce déroulement qui mène inexorablement à la mort:cette figure énigmatique de la porte , l’huis médiéval , représente peut être l’idée chrétienne d’une vie après la mort , d’un passage vers l’au-delà. A la rime avec huis, on note la présence du symbole du puits qui représente  le gouffre avec toute son étrangeté ; l’idée est celle d’un temps qui renforce le silence ; d’une part à cause de l’oubli et du non dit mais également l’idée que seul temps qui passe permet d’oublier ce qui a blessé ou ce qui a pu causer de la douleur; la référence aux étrivières qui sont les parements en cuir qui relient la selle aux étriers , évoque une forme du cinglage, un peu comme si on fouettait un cheval.

Dans le premier tercet, le Temps est représenté à l’échelle de l’univers et on pense à la formation du monde avec des mots aux connotations philosophiques comme néant, gouffres d’univers et étoiles à naître; Ce feu des origines  peut faire  penser au magma de la naissance du monde et ce Temps se mesurerait à l'échelle géologique.  Il s'agirait d'y lire le Temps de la Création, celui du début des Temps.

Les dernières images du second tercet demeurent énigmatiques : ce temps  nourrit sa chair (alors qu’on attendrait se nourrit de chair )  de la soif de nos yeux; Si , dans un premier temps, on pense aux larmes à cause de l’association automatique entre le liquide (la soif) et les yeux , on peut toutefois se demander s’il n s’agit pas plutôt d’ une désignation de l’envie de vivre, de notre instinct de vie. Le poète penserait ici à ceux qui profitent de leur temps , qui ne le laissent pas passer sans essayer d’en tirer parti. D’un certain point revue, plus on lui accorde de l’importance et du crédit et plus il nous fait mesurer notre condition mortelle. 

Des associations sont parfois difficiles à comprendre comme l’or des temps qui peut évoquer le soleil selon le symbolisme des saisons ; l’éclat de la lumière présent dans les connotations du mot or se double de référence à quelque chose de précieux .

Alors à vos idées pour la suite et l’organisation ….

Le plan proposé :

On rappelle la problématique : comment le poète représente-t-il le Temps ?

Consigne 1 : les titres des parties répondent à la question posée

I Le double visage du Temps

1. Un temps vu comme un monstre

ogre,chair, griffes, aiguisées

2. Le temps magique comme la Fée

ourle, galon, attache,visage de fée, or , étoiles

3. L’ambivalence du temps

 l’alternance du Jour et de la Nuit : cache une cruauté sous un aspect fééerique , finit par nous dévorer donc indice d’une victoire du temps .(paradoxe)

II L’homme face au Temps ou la victoire finale ou le combat de l’homme

1. La puissance du temps

son règne dure éternité, gouffres d’univers, Néant,

2. La présence de la mort

cimetière, coule, huis (image énigmatique) , éteins la flamme

3. Une victoire finale

les silences , enfouir, les étrivières  l’au delà demeure une croyance