Mot à mot

Commenter un texte consiste surtout à proposer à partir d’observations et de citations, des interprétations sur le sens de ce qui est écrit ; pour que l’exercice soit réussi, plusieurs facteurs entrent en compte dans des proportions variables. Le barème d’évaluation le jour de l’examen sanctionne essentiellement les erreurs de compréhension du texte appelées contresens . Sur les 16 points à attribuer, 3 ou 4 sont consacrés traditionnellement à la construction du devoir et 3 environ à l’expression ; Les 9 ou 10 points qui restent sont répartis entre  qualité et variété des observations, utilisation des citations et surtout présence d’interprétations. 

• la qualité des observations est primordiale
• le choix des citations et leur insertion dans les phrases est un point important 
• la profondeur des interprétations (qui sont des hypothèses de lecture, des suppositions ) fait la différence entre les copies
• la rigueur et l’efficacité de la démonstration est un atout non négligeable mais attention un plan vide ou un commentaire qui n’est composé que d’une grosse introduction et d’une conclusion ne vous rapportera guère plus de 6/7 points sur 20; chacune des 2 ou 3  parties doit comporter au moins deux sous-parties et leur longueur doit largement dépasser la taille d’une introduction !  

Les erreurs les plus fréquentes

• consulter un corrigé et vouloir le résumer en ôtant soit les passages essentiels soit les éléments de construction du commentaire : c’est un signe que l’exercice n’est pas maitrisé ; Tous les corrigés ont une logique et si vous mixez des corrigés, vous devez en tenir compte dans l’architecture de votre devoir.
• annoncer un plan et ne pas le suivre 
• se focaliser sur des détails sans grand intérêt
• commenter un texte qui n’est pas celui qui a été donné sous prétexte que les corrigés étudient l’intégralité du prologue 🙂 
• dire qu’on va comparer deux textes : un commentaire ne prend appui que sur un texte et éventuellement des connaissances générales du théâtre par exemple mais on ne pouvait pas dire qu’on allait dans une troisième partie comparer ce prologue avec celui de Sophocle 
• se méfier de la notion d’originalité; en effet prétendre qu'un texte est original nécessite qu’on soit capable de dire ce qu’il a de différent par rapport aux autres manières de commencer une pièce de théâtre ; autrement dit cela revient à connaître les grands principes de l’exposition au théâtre et  à expliquer pourquoi effectivement cette scène est différente de la plupart des autres expositions 
  

  

   

Essayons d’y voir plus clair : il fallait commenter un prologue au théâtre ; 

D’abord partir de ses connaissances …..

ce que je sais : je connais la pièce , je sais que cette tragédie est une réécriture d’un mythe antique , je sais qu’au théâtre l’exposition a trois fonctions essentielles : présenter les personnages, le cadre et l’action c’est à dire permettre au public de comprendre ce qui va se passer (lire  par exemple l’article consacré à l’analyse de l’exposition d’une pièce de Giraudoux , elle aussi réécriture d’un mythe antique ) 

Ensuite :penser que c’est un texte de théâtre donc consacrer une partie de ses explications à la représentation ; Pour cela , un truc simple consiste à se mettre à la place d’un spectateur ; quel effet éprouve un spectateur qui entend parler d’un personnage qu’il voit en même temps? les acteurs tous présents  sur scène vont-ils exécuter les gestes que récite le prologue? 

La question essentielle qui est aussi la meilleur problématique parce qu’elle permet de cerner tous les enjeux du texte  : comment Anouilh met- il en scène cette réécriture d’une tragédie antique ? Un peu mieux que : quel est le rôle de ce prologue ? mais on pouvait parvenir au même résultat en faisant attention à ne pas oublier la dimension scénique du texte ; Aujourd’hui, on exige d’un élève qu’il envisage le texte de théâtre en vue de sa représentation; C’est pourquoi l’objet d’étude du bac de français  a changé et s’intitule désormais texte de théâtre et représentation; La plupart des corrigés proposés sur internet ne tiennent  pas compte de cette obligation et sont donc incomplets de ce point de vue. Du coup, rares sont les élèves qui y ont pensé 🙂  

Un  plans possible assez complet … du moins intéressant au plus intéressant , du plus évident au plus subtil

 1 Le prologue joue un rôle informatif 

a) expose pour le spectateur les liens entre les personnages qui par nature ne vont pas évoluer 

b) expose le cadre de la pièce 

c) expose les enjeux 

2. Un prologue sous le signe de la fatalité : comment Anouilh réécrit et modernise une tragédie antique 

a) les indices de la tragédie antique

b) la mort annoncée

c) la reprise du prologue antique 

3. Un prologue  qui modernise le théâtre : 

a) la  mise en abîme : la création d’un nouveau personnage

b) une mise en scène qui fait des spectateurs des cibles : destruction du quatrième mur ?

c) les références à l’actualité brûlante 

CCL :la première partie d’une conclusion reprend les conclusions de chaque partie du plan 

Anouilh réinvestit les codes du théâtre antique et classique une fabriquant une exposition conforme par certains points à ce qu’on exige d’une première scène au théâtre, c’est à dire la délivrances des informations essentielles (ma partie 1 )  mais il fait preuve d’une réelle  originalité à la fois par sa mise en scène très surprenante  et  ses adresses au spectateur par l’intermédiaire du personnage du prologue; En jouant avec la reprise des poncifs de la tragédie antique (ma partie 2) , le dramaturge redonne au mythe une force qui tient à ses liens avec l’actualité douloureuse de la première représentation au théâtre de l’Atelier en 1944. (ma partie 3) ; D’ailleurs le public, touché par cette héroïne et son parcours,  réserva un très bon accueil à cette pièce . 

 Idée d’ouverture thématique : A cette époque, Jean-Paul Sartre avec Les Mouches et Jean Giraudoux avec La guerre de Troie n’aura pas lieu reprennent eux aussi, sur scène, les mythes antiques en leur injectant la part de tragédie liée à la nouvelle guerre mondiale qui se joue sous les yeux des spectateurs ; Le public est ainsi amené à devenir lui aussi acteur de sa propre vie et la guerre fait résonner étrangement les combats de la révolte face la loi, du pacifisme et du bellicisme et nous amène à nous interroger sur la notion même de fatalité. 

Je vous joins des commentaires trouvés sur internet et commentés par mes soins …

Pour progresser : réfléchir à la nature du texte et à ses enjeux ; soyez plus curieux, plus observateurs et utilisez des termes techniques précis ; Ne vous focalisez par sur un plan avant 1 h 30 de travail d’observations …ayez en tête des plans possibles pour des types de textes (un combat, une exposition, une rencontre, un dénouement, des aveux ) Posez -vous des questions et votre plan tentera d’y répondre ! qu’apprend-t-on dans cet extrait ? ; quels sont les registres dominants? que voit-on ? que cherche-t-on à nous montrer ? Partez de vos connaissances sur des objets d’étude : l’histoire de la poésie, l’évolution de la figure du héros, l’évolution du théâtre …

Une devise qui vous aidera : ramenez l’étranger à ce qui vous est familier et l’inconnu à ce que vous connaissez déjà 

Christophe Cardoni, journaliste, est revenu nous aider à évoquer quelques pistes d’interprétation pour travailler à la rédaction des articles de presse  qui feront écho à la représentation d’Antigone 82 de Jean-Paul Wenzel à l’ Orange Bleue, théâtre d’Eaubonne . Tout d’abord , le scénographe et metteur en scène a choisi de ne pas reprendre le titre du roman de Sorj Chalandon :Le quatrième Mur; Une partie de son geste artistique consiste, en effet, à abolir ce mur imaginaire, cette frontière  théorisée par Diderot , entre le public et l’espace scénique. Cette abolition tente de faire du théâtre un véritable lieu de rassemblement qui permet de se retrouver ensemble et d’échanger librement. 

Tout d’abord la disposition trifrontale peut marquer l’absence de frontière justement comme pour suggérer que les échanges se font librement, Dans le roman comme dans la pièce , le héros passe d’un espace à un autre avec beaucoup de difficultés et l’un des enjeux de la scénographie consisterait à  abolir symboliquement ces barrières , ces séparations ; C’est pourquoi les musiciens jouent à vue, les acteurs se changent à vue également et la caméra restitue une direct les images tournées derrière le rideau de cinéma qui matérialise le fond de scène; Le geste artistique du metteur en scène consiste à faire du théâtre ce lieu de rassemblement  qui force les personnages à sortir de leur enfermement; une tentative de rétablir la communication entre les différents protagonistes de la pièce.

Le rideau de scène a retenu notre attention: d’abord les élèves ont remarqué qu’il portait les stigmates de la guerre ;Il est brûlé à certains endroits et semble déchiré ; Ensuite il peut évoquer le lieu de répétition du roman: cet ancien cinéma abandonné au coeur de Beyrouth. Un lieu de passage et de transmission au coeur d’un espace en guerre et que la guerre justement va finir par détruire. 

La musique peut également être considérée comme un lien entre les cultures ; d’abord la culture orientale : le oud étant un instrument traditionnel de la musique folklorique arabe et la guitare électrique qui représente l’occident et les années 80; les deux mini- scènes musicales sont installées de part et d’autre de la scène et les musiciens font également partie des acteurs ; Ils interprètent chacun différents personnages et ne sont pas simplement des musiciens. 

 Tous les acteurs endossent plusieurs rôles et parlent plusieurs langues; Il est intéressant de voir notamment combien de personnages peut interpréter un même acteur ; il devient tour à tour figurant et personnage principal dans d’autres scènes; 

Le mélange des genres est également bien respecté : certains passages comiques, comme dans le roman d’ailleurs, atténuent la portée dramatique de la pièce; On peut citer les barbes postiches des chiites lors des représentations, les concessions faites par Georges aux impératifs religieux pour pouvoir maintenir la représentation de la pièce; Le geste de théâtre montre la dimension confessionnelle du conflit en la rendant ostensible comme le tatouage de la croix sur le bras de Joseph-Boutres, sniper phalangiste,  qui fait écho à la kippa de Samuel et au keffieh porté par Imane et son frère , symbole des combattants palestiniens. 

Avec une certaine économie de moyens, Jean-Paul Wenzel a réussi à faire naître l’émotion du public: la distribution est réussie et lui-même, qui a du s’improviser acteur, fait un Marwan convaincant, vibrant d’humanité lors la scène très touchante de l’accolade avec Georges. 

Au final, on peut se demander si le théâtre atténue la représentation des réalités de la guerre ou les amplifie par rapport au roman ? 

Pour préparer l’entretien oral qui suit l’exposé, vous devez réunir des connaissances à la fois sur l’oeuvre étudiée mais également sur l‘histoire et l’évolution du genre théâtral. Les questions de l’examinateur sont variées mais elles visent à tester vos connaissances autour d’un objet d’étude . Le parcours de lecture proposé a pour objectif de vous préparer à cette seconde partie de l’oral du bac qu’on nomme l’entretien et qui dure environ 10 minutes;  Il est conseillé de vous entrainer régulièrement sur les séries de questions données durant l’année et de préparer des fiches qui résument l’histoire littéraire de la poésie, du roman , du théâtre ainsi que les principales formes argumentatives . Reprenons quelques points autour de la pièce d’Anouilh , Antigone . 

1. Il s’agit de présenter le mythe d’Oedipe et de connaître les noms de la famille proche et élargie autour d’Antigone ; n’oubliez pas le rôle de fille modèle et de guide pour son père. 

2 Définir son portrait peut être complexe mais efforcez vous de reprendre ses qualités et ses défauts;Surtout citez des éléments de la pièce  et essayez de vous souvenir des passages qui la caractérisent "la petite maigre, noiraude et renfermée, yeux graves , elle pense qu’elle va mourir et qu’elle est jeune (le prologue )  tu es l’orgueil d’Oedipe, ton sale caractère (Créon )  tu es folle …menteuse, ma colombe, file de roi, princesse (la nounou ) . Je ne suis pas aussi courageuse que toi , te voilà lancée sans écouter personne, ma petite soeur, c’est bon pour les hommes de croire aux idées et de mourir pour elles ) Piochez parmi les adjectifs suivants : têtue, orgueilleuse, déterminée, libre, négative, butée, obstinée, courageuse, suicidaire …..”elle a préféré sa folie et la mort” dira Créon à son fils  Hémon. 

3. Anouilh dresse de la royauté un portrait original: Créon est défini comme un homme robuste aux cheveux blancs, avec des rides et fatigué; il se demande s’il n’est pas vain de conduire les hommes mais au matin, il se lève et se retrousse les manches; il a renoncé à ses plaisir personnels pour gouverner; il entend devenir un prince sans histoire et fait souvent référence à son beau-frère Oedipe dont il entend se démarquer : “moi j’ai les deux pieds sur terre et j’ai résolu de m’employer tout simplement à rendre l’orde de ce monde un peu moins absurde, si c’est possible “. C’est un métier; les rois ont autre chose à faire que du pathétique personnel “ j’ai le mauvais rôle , précise-t-il à Antigone..il affirme prendre le temps qu’il faudra pour la sauver en dépit des urgences du royaume: “Au lendemain d’une révolution ratée, il y  a du pain sur la planche, je te jure ” un matin je me suis réveillé roi, avoue-t-il et je me suis senti comme un ouvrier qui refusait un ouvrage. Il prétend aussi être un roi dont l’autorité est bafouée par les refus d’Antigone ; il n’a pas été assez fort pour l’empêcher de mourir .

4 et 17 et 22 . Anouilh construit sa pièce en imitant certains aspects des tragédies grecques dont il reprend d’ailleurs un sujet ; il place ainsi un prologue joué par un acteur (le même que celui qui interprétera le rôle du choeur ) au début de sa pièce; Ce prologue ,conformément à la tradition, annonce le sujet présente l’histoire et décrit les personnages ainsi que le dénouement .  

Le choeur lui aussi interviendra dans la tragédie à plusieurs reprises ; juste après l’annonce par les gardes de la découverte de la profanation (et voilà maintenant le ressort est bandé..lecture analytique 1 ) ; il s’adresse plutôt au public ; il s’adresse ensuite à Créon à la fin de la pièce pour lui demander de ne pas faire mourir Antigone et pour souligner sa folie ; Cette fois , il s’agit d’un échange avec le roi et le choeur rappelle qu’Antigone n’est qu’une enfant . Le choeur réapparaît lors du départ précipité d’Hémon ; Il semble inquiet et s’adresse une fois encore au roi: “Créon il faut faire quelque chose ” Il entrera sur scène pour annoncer après la sortie d’Antigone emmenée par les gardes ; “là, c’est fini pour Antigone “; Il dialogue avec le messager; ensuite avec Créon et  et reste sur scène jusqu’au baisser de rideau et prononce les dernier mots de la pièce ; Ce passage se nomme l’exodos dans la tragédie classique (la sortie du choeur qui marque la fin de la pièce ) . Anouilh a choisi un final pour le moins inattendu en partie” Il ne reste plus que les gardes; Eux tout ça, cela leur est égal; c’est pas leurs oignons. Ils continuent à jouer aux cartes. 

5.Pour résumer la différence entre les deux pièces, on peut évoquer la toute puissance de la religion à laquelle obéit l’héroïne grecque  de Sophocle alors que dans la pièce d’Anouilh, elle semble avant tout agir pour elle et invoque sa liberté de dire non.

6. 7 et 8  Antigone entre en scène sans faire de bruit, à l’aube, ses chaussures à la main pour ne réveiller personne ; Elle vient de jeter une poignée de terre sur la dépouille de son frère Polynice et donc d’enfreindre la loi. Elle se fait surprendre par sa nounou qui pense qu’elle est allée rejoindre un garçon; Le drame s’ouvre donc sur un quiproquo comique . La nourrice la gronde et l’interroge et les réponses de la jeune fille ne sont pas comprises réellement. On notera le ton poétique avec lequel Anouilh décrit cette nuit là ..

9,10. La relation entre les deux soeurs est basée sur un contraste : Ismène,l’aînée se montre à la fois protectrice et raisonnable “moi je suis plus pondérée” ; elle tente de convaincre Antigone d'être sage et de renoncer à sa folie de s'occuper de la sépulture de leur frère; il y a un effet d’ironie tragique dans les paroles d’Ismène car c’est déjà trop tard ; deux échanges ont lieu dans la pièce entre les soeurs; Le premier juste après l’arrivée d’Antigone résume la jalousie de cette dernière , qui a longtemps été malheureuse à cause de la beauté de sa soeur . La seconde apparition d’Ismène suit la sortie d’Hémon ; Antigone est en pleurs et elle avoue à sa soeur ce qu’elle vient de faire; Ismène quitte la scène sur un cri. A la fin de la pièce au moment où les gardes vont l’emmener , Antigone refuse qu’elles pleurnichent toutes les deux ensemble et Ismène tente de la convaincre; C’est peine perdue..Ismène retourne alors se coucher et ne réapparaît qu’à la fin de la pièce elle fait son entrée en scène dans un cri  et demande pardon à sa soeur ..elle souhaite mourir avec elle mais Antigone refuse. Elle paraît donc n’avoir aucune influence sur sa jeune soeur ; Sa seconde entrée en scène est pathétique : “Je ne veux pas vivre si tu meurs,je ne veux pas rester sans toi ” crie-t-elle et Antigone semble alors plus pressée que les gardes l’emmènent comme si elle se refusait de céder à l’émotion . D’ailleurs on peut noter qu’elle s’ adresse assez durement à Ismène: “laisse-moi maintenant avec tes jérémiades” . Et elle lui reproche de ne pas être allée  elle aussi sur  la tombe de Polynice . Ismène promet de s’y rendre dès le lendemain. 

11. 12  Antigone est une véritable héroïne tragique notamment parce que sa mort est inscrite dans le texte; Dès le début de la pièce et bien avant que son forfait soit découvert, elle s’exprime comme si elle allait mourir;Le dramaturge emploie fréquemment le  conditionnel passé notamment et évoque la vie future sans elle , la tristesse de sa chienne qu’elle suggère da’illeurs étrangement de faire piquer , la suite de la vie d’Hémon . Autant de petits détails qui révèlent qu’elle se comporte comme si elle savait d’ ores et déjà que ses jours sont comptés. “Nounou tu ne devrais pas être trop méchante ce matin …moi aussi j’aurais bien voulu ne pas mourir..”  Elle demande d’ailleurs à sa nounou de la consoler comme quand elle  était petite et lui avoue qu’elle seule doit savoir que justement elle se sent un “peu petite” pour ce qui l’attend. Antigone apparaît fragile dans cette scène et cherche une aide auprès de sa nourrice. 

13. Cette scène pathétique précède l’arrivée d’Hémon , le fiancé de la jeune fille et son amoureux également. Antigone lui avoue alors qu’elle s’était faite belle  la veille pour se donner à lui mais il a ri en la voyant si belle avec la robe d’Ismène et  maquillée ; alors Antigone s’est sentie vexée et elle s’est enfuie. Elle révèle à Hémon qu’elle ne l’épousera jamais et lui demande de sortir sans la regarder. 

14. Les entrées des personnages rythment la pièce comme souvent au théâtre; Une fois Hémon sorti, Ismène revient pour implorer sa petite soeur de ne pas commettre l’irréparable mais cet échange est interrompu tragiquement par l’arrivée du garde qui vient justement prévenir le roi Créon que le cadavre de Polynice a été recouvert par un peu de terre “juste assez pour le cacher aux vautours ” ; Le crime vient donc d’être découvert ce qui va précipiter l’enchainement inéluctable des faits comme le suggère la tirade du choeur (notre extrait 1 ) 

15. Les gardes constituent un contrepoint comique dans la pièce ; Leur fonction principale est de dédramatiser l’action et leur bêtise ainsi que le caractère obtus, leurs querelles , distraient le spectateur . Le prologue les présente comme “trois hommes rougeauds qui jouent aux cartes; Ce ne sont pas des mauvais  bougres précise-t-il. Ils ont des femmes et des enfants des petits ennuis aussi comme tout le monde mais ils vous empoigneront les accusés le plus tranquillement du monde tout à l’heure . Ils sentent l’ail le cuir et le vin rouge .  Ils sont dépourvus d’imagination. Ce sont les auxiliaires toujours innocents  et toujours satisfait d’eux-mêmes ,de la justice de Créon. Ils entrent en scène pour avertir le roi dont ils craignent la réaction. Ce dernier leur demande de garder le silence et les accuse de négligence; Il les menace de mort s’ils ébruitent l’affaire . Ils reviennent après avoir arrêté Antigone qui a recommencé à gratter la terre de la tombe de son frère mais apparemment ils ne savent pas qui elle est et surtout  ils ne la croient pas quand elle se présente comme la fille d’Oedipe .Ils  s’expriment familièrement et entendent bien profiter de leur solde pour aller au restaurant . Ils donnent leur version des faits à Créon et quittent la scène; Ce dernier les fera revenir sur scène quand il aura pris enfin la décision de faire exécuter sa nièce ; Antigone va alors tenter de dicter une dernière lettre d’adieu à son fiancé et le garde qui la surveille maintient volontairement ses distances avec elle même s’il accepte d’écrire la lettre qu’elle lui dicte. A l’arrivée de ses camarades, il glisse l'”anneau que lui a remis la jeune fille dans sa poche et range le carnet sur lequel il écrivait .. et “gueule pour se donner une contenance ” Allez! pas d’histoires !  Lorsque le rideau se baisse , on indique que les gardes sont en train de jouer aux cartes. 

16. et 18 . La pièce résume assez brièvement les éléments de l’enquête qui conduit à l’arrestation d’Antigone; Le premier indice c’est la terre qui  a bougé,; on pourrait soupçonner un animal mais “la terre était jetée sur lui selon les rites ” ensuite les traces de pas d’oiseau autour de la tombe, des petits pieds d’enfant, une petite  pelle d’enfant toute vieille et toute rouillée  avec le nom de Polynice et enfin,Antigone se fait prendre une flagrant délit en train de gratter la terre. “comme une petite hyène” ;Elle a de la terre sous les ongles et ne cherche nullement à nier les faits .

19. 20 et 23  La partie centrale de la tragédie est un long face à face entre Créon et sa nièce; Ils s’opposent âprement et le roi tente , à plusieurs reprises de justifier ses décisions et d’expliquer les contraintes de l’exercice du pouvoir. Les grecs appelaient ces affrontements des duels oratoires ou agon. La première étape consiste pour l’oncle à interroger sa nièce et à lui rappeler qu’elle a enfreint ses ordres; elle reconnait immédiatement ses torts “j’étais certaine que vous me feriez mourir ” dit elle. Le roi lui rappelle ensuite l’histoire de sa famille, le destin funeste de son père et tente de lui faire peur; Il pense que cela va suffire à lui faire entendre raison mais elle demeure sur ses positions, déterminée à y retourner : “Il faut que j’aille enterrer mon frère ”  Elle fait ce geste pour elle et prétend qu’il ne peut la sauver en dépit de son pouvoir de roi: “ni me sauver ni me contraindre.. vous pouvez seulement me faire mourir.”  Créon invoque ensuite les raisons d’Etat : l’exposition du cadavre du régicide est nécessaire selon lui pour que  les brutes qu’il gouvernent comprennent . “il faut pourtant qu’il y en ait qui disent oui” explique-t-il à sa nièce dans une longue tirade sur les difficultés de exercice du pouvoir . Mais Antigone demeure murée dans une sorte de mépris alors il tente de lui raconter qui était vraiment son frère et le mal qu’il a fait endurer à leur famille. Après ces révélations, Antigone semble touchée et affaiblie mais elle le provoque dans un dernier sursaut d’orgueil  en le traitant de “cuisinier” et il tente désespèrement de la faire taire. Il appelle alors les gardes pendant qu’Ismène lui lance qu’elle se rendra elle aussi le lendemain sur la tombe de leur frère. Le geste d’Antigone aurait-il fait des émules ? 

21 Le refus du bonheur : alors que son oncle essaie de la convaincre qu’elle doit croire au bonheur, Antigone remet en question ce mot ; “quel sera-t-il mon bonheur ? ” elle affirme ne jamais pouvoir être heureuse si elle doit mentir, se vendre et laisser mourir en détournant le regard . Elle maintient son  choix; “vous me dégoûtez tous avec votre bonheur; avec votre vie qu’il faut aimer coûte que coûte. On dirait des chiens qui lèchent tout ce qu’ils trouvent. ” 

25. Il est difficile de se prononcer  au final sur l’attitude de la jeune fille  et les avis seront surement partagés; que vous la trouviez courageuse, idéaliste et admirable ou au contraire butée, orgueilleuse et égoïste, il vous faudra justifier votre avis en vous servant d’éléments précis dans la pièce et notamment de citations. 

26. En 1944 dans la France occupée, il est difficile de faire entendre publiquement ses divergences avec le gouvernement provisoire de Vichy, sous les ordres des allemands ; Le pays est occupé et la guerre fait rage; des français de plus en plus nombreux combattent dans la Résistance et d’autres ne savent pas très bien dans quel camp se situer. Anouilh a utilisé un mythe mais on peut penser qu’Antigone représente la position de certains résistants décidés à donner leur vie pour leur idéologie ( destruction du nazisme et du Reich) ; la pièce a été applaudie longuement et a connu un triomphe . 

27. Le public a été enthousiaste . Dans le roman de Chalandon, il résume notamment l’ambiance lors de la première représentation. 

28. La notion de mélange des genres désigne le fait de passer dans une même pièce de passages tragiques et pathétiques à des scènes plus légères qui comportent des élément comiques ; C’est la fin de la séparation des deux principaux genres que sont la comédie et la tragédie; Ensuite c’est plutôt une question de proportion entre les éléments comiques et les éléments tragiques .

Analyser le dénouement d’une oeuvre suppose de connaître quels types de dénouements sont attendus , possibles, conventionnels et de s’interroger sur la relation entre  le début de la pièce et sa fin. Dans le cas d’Antigone le dénouement tragique est conforme aux attentes et aux craintes du spectateur car la mort de l’héroïne ne fait aucun doute mais il est intéressant de montrer comment le dénouement est mis en scène et particulièrement quel sont les éléments de mise en scène qui peuvent renforcer la dimension tragique de cette fin attendue ? à la fois dans le texte et dans la version scénique proposée par l’adaptation de Nicolas Briançon . 

Le dénouement est marqué par l’arrivée en scène d’un nouveau personnage , traditionnel : le messager; En effet, dans le théâtre classique, le récit du messager permet au dramaturge de donner à entendre aux spectateurs ce qu’il ne peuvent voir demeures yeux, soit pour des raison de bienséance ou ne relation avec la règle des unités qui interdit les changements de lieux sur el plateau et a donc comme conséquence qu’on ne peut représenter sur scène ce qui es déroule ne dehors de l’espace délimité par le décor du plateau; Autrement dit la mort d’Antigone n’est pas représentée sur scène : elle est donnée à entendre .

Le récit du messager s’articule en plusieurs étapes: d’abord la révélation ; " une terrible nouvelle ” Le registre est pathétique ; La présence du style direct matérialise les paroles du roi, fou de désespoir quand il entend la voix dont l'identité va être différée pour le spectateur . La souffrance est omniprésente avec "plaintes qui sortent du tombeau ” ; les mains du roi qui saignent tant il creuse rappellent les ongles plein de terre d’ Antigone: chacun des deux personnages remue la terre pour quelqu’un qu’il aime ; Le messager raconte d’abord la vision du corps d’Antigone pendue : on peur ici établir un parallèle avec la mort de sa mère Jocaste qui elle aussi se pend avec la ceinture de sa robe lorsqu’elle découvre l’inceste qu’elle a commis avec son fils ; le choix de cette mort évoque donc la  poursuite de la tragédie familiale; Antigone paraît fortement attachée également  à son père dont elle est l’orgueil et à sa mère par la manière dont elle choisit de mourir . Le détail de la couleur des fils introduit une touche de poésie dans cette ambiance morbide et rappelle la dimension enfantine du personnage ; En effet dans toute la pièce Antigone représente l’enfance et la démesure, le sens de l’absolu et l’absence d’accommodements  qui combat le principe de réalité incarné par un pouvoir adulte et raisonnable ; Elle meurt donc avec ce collier d’enfant autour du cou comme pour rappeler sa jeunesse et pour certains peut- être, son immaturité ou son idéalisme . 

La vision est pathétique et la douleur d’Hémon fait peine à imaginer : il est à genoux, gémit et a le visage enfoui dans la robe de sa fiancée; ces notations visuelles permettent au spectateur de s’imaginer la scène; le sacrifice d’Antigone n’en paraît que plus grand car dans la pièce elle refuse l’amour passionné que lui offre Créon et qui anime ce personnage d’éternel fiancé; De plus le roi va  perdre son fils adoré et c’est un facteur aggravant pour sa douleur; La suite du récit illustre les effort vains d’un père pour garder son fils en vie; Hémon paraît déjà au delà de lui-même; “Il se dresse, les yeux noirs, et il n’a jamais autant ressemblé au petit garçon d’autrefois” “ses yeux sont ceux d’un enfant, lourds de mépris ”  Ce nouveau rappel à l’enfance marque comme pour Antigone la dimension absolue de leurs gestes: aucun argument logique ne peut les atteindre ; ils ne sont nullement sensibles au raisonnement et paraissent inflexibles.

 Dans ce final, les gestes sont lourds de sens : Hémon crache au visage de son père et son regard est comme la lame ; les mots sont autant d’indications de gestes scéniques : nulle place ici pour l’expression de la pensée des personnages ; Nous sommes au théâtre et le langage des mots va se transformer en geste. Le suicide d’Hémon est décrit de manière sobre et l’immense flaque rouge est la preuve visible de cet amour absolu au– delà de la mort des corps  car il s’étend contre Antigone, l’embrassant “dans une immense flaque rouge;" Le deux amoureux semblent ainsi réunis . 

L’entrée en scène de Créon marque la seconde étape de ce dénouement : le roi d’ailleurs reprend cette idée d’union des deux amants en indiquant “je les ai fait coucher l’un près de l’autre, enfin ! comme pour rappeler à la fois qu’il n’étaient pas encore amants , simplement promis l’ un à l’autre te leur mot est présentée comme une sort d’achèvement : ils ont fini, eux,; Ce qui peut sous-entendre que pour Créon, cela continue  et c’est d’ailleurs ce que suggère  explicitement la première réplique du choeur : pas toi Créon ; Il te reste encore quelque chose à apprendre . 

La parole du choeur : 

Assister à une représentation théâtrale, c’est  d’abord être spectateur d’une intention ; chaque metteur en scène s’approprie , en partie l’oeuvre qu’il recrée à sa manière même sans changer une virgule du texte original; En effet, le metteur en scène est confronté à des choix : décor, scénographie, jeu des acteurs, casting, accessoires, lumières; Son langage est avant tout visuel même si le spectateur est aussi un auditeur attentif; A sa sortie en 2003, la version proposée par Nicolas Briançon, de la pièce d’Anouilh, créée en pleine période d’occupation allemande à Paris, ne fit pas l’unanimité. Voici un illustration d’une critique de la pièce , parue en 2008 sur le blog d’un journaliste ; A votre tour, essayez de jouer les critiques   après avoir visionné la pièce …et répondez au QCM  après avoir lu l’article ….

Celle qui a dit non 

Tout le monde connaît le nom (et le non) d’Antigone. Antigone la rebelle, Antigone la révoltée mais aussi Antigone l’amoureuse, Antigone la passionnée ! Et dans cette pièce Barbara Schultz n’exprime que trop bien cette volonté de vivre, elle qui n’est pourtant là que pour refuser… et mourir ! 

On attend beaucoup de Robert Hossein et de Barbara Schultz et on est pourtant déçu. A commencer par l’affiche même de la pièce : d’emblée la position du metteur en scène est affirmée, Nicolas Briançon va insister sur l’opposition d’Antigone, la maigre, la noiraude face à Créon le fort, le puissant.

Ainsi sur l’affiche Créon apparaît immense, démesuré même, habillé tout de noir ( pour nous rappeler que Créon est le « mauvais » dans la pièce ? ) à la façon d’un nazi ( bottes, képi et long manteau ), il fait face, dans un contre-jour exagéré à Antigone, faible enfant toute vêtue de blanc ( Antigone est donc la « victime » de la pièce ? ) qui semble faire un geste de refus, ou bien ne cherche-t-elle qu’à se protéger de la tyrannie de son oncle ? Et c’est bien là le seul détail intéressant dans cette affiche qui soulève le caractère ambigu de la jeune Antigone qui à la fois se dresse contre l’autorité de son oncle et à la fois apparaît faible face à son pouvoir. On attend donc plus de cette adaptation qu’une simple opposition purement manichéenne entre Antigone la victime et Créon le mauvais. 

Barbara Schultz est tout de même magnifique dans son rôle : ses regards, son attitude, son allure et sa voix sont l’exacte représentation qu’on se fait du personnage d’Antigone. Fidèle au texte d’Anouilh, Ismène est tout son contraire. Briançon pousse son caractère superficiel à l’extrême : pyjama de soie lorsqu’elle va trouver sa sœur dans sa chambre (et toute la futilité de sa personne apparaît dans cette première scène), robe rouge, collier d’or et énormes bracelets qui alourdissent encore plus son personnage, cheveux soyeux et souple, boucles blondes, corps parfait et allure de reine, Briançon aime décidément mettre l’accent sur les oppositions entre les personnages. Le moment où le texte d’Anouilh est légèrement détourné correspond à l’apparition de Créon et de ses gardes. Il est évident qu’on ne peut parler de l’Antigone d’Anouilh sans parler de modernisation puisque la raison même de la pièce d’Anouilh est de nous présenter une Antigone d’actualité. C’est ainsi que, dans un Paris occupé par les Allemands, les personnages furent les symboles même de la résistance (Antigone) et de l’occupation (Créon). Seulement voilà, Briançon ne semble pas savoir se décider entre une adaptation ayant pour contexte l’occupation des Allemands à Paris pendant la Seconde Guerre Mondiale ou une version plus moderne encore, se rapportant à nos jours. C’est ainsi que Créon est vêtu comme un nazi et que ses gardes, à la surprise générale, sont vêtus d’un costume sombre, d’un écouteur placé dans l’oreille, de lunettes noires, et, les bras croisés, ils sont l’image même des agents de sécurité que l’on trouve à l’entrée des casinos. 

Il reste deux choix d’interprétation qui dérangent un peu dans l’adaptation de Briançon : tout d’abord la violence de Créon. Certes il est le symbole de tous pouvoirs autoritaires et de la tyrannie (ce qui justifie son vêtement) mais Briançon fait de lui un véritable nazi, violent et impulsif. C’est ainsi que son entretien avec Antigone frôle parfois la séance de tortures qu’enduraient les résistants (il ne cesse par exemple de prendre violemment Antigone par les cheveux ou de tordre son bras et de la jeter ensuite par terre)! Bien sur, il faut resituer la pièce d’Anouilh dans un contexte de guerre et d’occupation mais le Créon d’Anouilh n’est pas un nazi, le Créon d’Anouilh a bien été plus souvent associé à Pétain, le collaborateur, et cette association est largement plus justifiée dans la pièce d’Anouilh que ne le serait celle du nazi, car qui est Créon, sinon un vieillard fatigué et las de la guerre, qui ne veut pour son peuple que la paix de Thèbes, qui tente désespérément et malgré elle de sauver sa nièce Antigone, qui a fait « don de sa personne » parce que “le sale boulot il fallait bien que quelqu’un le fasse ?” Tout le coté vieillard aimant et sagesse de l’adulte qui a dit « oui » depuis longtemps est ici évanoui. Briançon privilégie un Créon dur et cruel et son fils, Hémon, subit les mêmes transformations : ce n’est plus le Hémon faible (car fou amoureux d’Antigone) et sensible de la pièce d’Anouilh, c’est un Hémon qu’on sent aller irrévocablement sur les traces de son père, qui apparaît dur et moins sensible au charme un peu sauvage d’Antigone. La mise en scène présente cependant quelques trouvailles intéressantes. Ainsi, Briançon semble avoir retenu un petit détail pour sa mise en scène dans une des (nombreuses) tirades d’Antigone. Dans la première scène en effet où Ismène et Antigone se retrouvent, cette dernière, dans un élan passionné contre le mot « comprendre » du monde des adultes, rétorque violemment que toute son enfance a été gâchée par ce mot si laid : courir dans le vent, se rouler dans l’herbe, jouer avec la terre et avec l’eau des fontaines, tout cela lui était interdit ! L’eau de la fontaine. « La belle eau fuyante et clair qu’on ne doit pas toucher parce que ça mouille les dalles ! ». On la retrouve cette fontaine, sur scène, au beau milieu du plateau parmi le décor simple et les comédiens. Et souvent, quand elle se sent un peu trop faible, un peu trop petite pour tant d’histoires de grands, Antigone aime s’y asseoir, les genoux repliés et le visage caché par ses cheveux noirs et mal peignés. Et lorsqu’Antigone a grandi, lorsqu’elle a compris combien elle aurait aimé vivre elle aussi, lorsque les bleus que lui ont fait les gardes à ses bras ne lui font même plus mal, lorsque celle-ci se trouve dans « l’anti-chambre » de la mort, alors elle ne s’assoit pas comme elle le fait d’habitude mais elle y met un pied, puis les deux, et pendant toute l’attente avec le garde elle patauge doucement dans l’eau claire, car maintenant qu’elle a dit non, maintenant qu’elle va mourir, elle peut bien ne pas « comprendre » et vivre enfin d’une façon  passionnée car c’est ainsi qu’elle vit et qu’elle aime la petite Antigone : avec passion ! 

L’adaptation de Briançon est remarquable par le talent de ses comédiens mais on en sort brutalisé et c’est la volonté même de cette interprétation (les projecteurs eux-mêmes, lorsque la pièce commence, s’éteignent de façon très brutale et très violente). Mais les bottes de Créon, son képi, son long manteau noir et la brutalité de ses gestes, n’est-ce pas trop pour une toute petite Antigone maigrichonne ? Où est donc passée l’ambiguïté du personnage de Créon qui fait mourir sa nièce tout en ayant tout fait avant pour tenter de la sauver ? Et l’ambiguïté d’Antigone, à la fois faible et courageuse, à la fois aimante et orgueilleuse ? N’y a t-il qu’un couple dans cette pièce ? Celui de la brute et de la victime ? Déception donc pour tous ceux qui aimaient dans la pièce d’Anouilh le coté humain de Créon et la mise en scène du terrible dilemme d’un homme qui lui a dit “oui” depuis longtemps.