Mot à mot

Le sujet de bac blanc proposait un corpus formé de  textes de théâtre : une tragédie classique de Racine, Phèdre  qui nous livre un face à face pathétique entre l’héroïne éponyme , une jeune  reine, nouvelle épouse du roi Thésée , qui durant lalongue absence de son époux, est tombée amoureuse de son beau-fils; Empoisonnée par cette passion funeste et et monstrueuse , troublée , elle ne sait comment alléger son cour et son âme du fardeau de cette culpabilité et elle se livre ici, à de timides aveux, pressée par sa nourrice Oenone qui s’inquiète pour elle ; Le second extrait est tirée d’une comédie amoureuse de Maritaux; pour tester la sincérité des sentiments de leurs promis , deux aristocrates ont l’idée de demander à leurs valets de prendre leur place ; on assiste  alors au moment où Arlequin se sent obligé de révéler sa véritable identité et à sa grande surprise, Lisette , à son tour, avoue qu’elle n’est qu’une femme de chambre; cette double révélation orchestrée par des apartés et des quiproquos va permettre aux deux jeunes gens de s’aimer ; Alors que dans le drame romantique de Hugo, Ruy Blas , nous sommes les témoins d’une révélation douloureuse : celle d’un amour interdit ou tout du moins jugé scandaleux , entre un homme du peuple, obligé de jouer les valets et la plus grande dame du pays: la reine d’Espagne .  Ici le dramaturge exploite la dimension pathétique de l’aveu: le héros prend conscience de son destin tragique et décrit les tourments d’une passion dévorante; Il est encore question d’amour dans la pièce d’Anouilh inspirée de la tragédie antique Antigone : alors qu’elle vit se dernières heures, la princesse écrit à son fiancé pour moi avouer qu’elle l’aime et surtout qu’elle redoute la mort ; cette dimension pathétique des aveux est renforcée par la volte-face de l’héroïne : seul le spectateur connaîtra son secret ; Le personnage du confident ici est un garde qui manifeste une forme d’indifférence, de distance : il écrit sous la dictée et ses hésitations ont une dimension comique qui atteste edu mélange des genres revendiqué par le dramaturge.  La question de synthèse portait sur la manière dont les aveux sont finalement formulés …alors bonne lecture .

Avant de vous propose des pistes pour le corrigé de la question de corpus, n’oublie pas qu quand vous êtes face à une écritute théâtrale, il ne faut pas oublier la dimension spectaculaire et le rôle du spectateur grâce à la double énonciation. Pensez également à utiliser vos connaissances sur les genres ; Le tragique a pour objet d’émouvoir en faisant ressentir de la terreur et de la pitié (pathétique ) pour le héros; le comique naît souvent de la situation proposée (quiproquo, déguisement, faux-semblants) ; Le drame romantique mêle le grotesque et le sublime et Ruy  Blas présente d’ailleurs de nombreux points communs avec Phèdre ; thème de la passion fatale et destructrice, suicide final par empoisonnement; Enfin le théâtre peut aussi être l’objet d’une critique de certains aspects de la société  en présentant les différences de rang social comme des obstacles insurmontables à l’amour ; Hugo définit son héros comme “un ver de terre amoureux d’une étoile “ . Le thème de l’amour était bien un élément fédérateur et chaque personnage avouait à un proche ou à un simple témoin , son penchant pour l’objet de ses désirs.

La question de corpus : éléments de réponse à organiser ..

1. Le rôle de l’interlocuteur dans l’obtention de l’aveu difficile
   

   

• un interlocuteur pressant : 

• dans l’extrait de Phèdre, Oenone, qui tient le rôle traditionnel dans la tragédie classique de la confidente de l’héroïne,  la presse de questions pour obtenir l’aveu (impératifs, stichomythies et répliques brèves qui confèrent à la nourrice un ton péremptoire).
• On retrouve les impératifs et les interrogations dans l’extrait de Marivaux lorsque Lisette veut qu’Arlequin lui dévoile sa véritable identité. Cependant, la situation s’inverse dans cette scène de double aveu dont la dimension comique repose sur des effets de parallélisme entre les deux serviteurs qui avouent l’un après l’autre quel est leur véritable statut (« magot »/ « magotte », « soldat d’antichambre de Monsieur » / « coiffeuse de Madame »)

• un confident involontaire :  dans l’extrait de Ruy Blas, Don César ne cherche pas à obtenir l’aveu. Il est cependant un personnage indispensable sur le plan dramatique pour recevoir cet aveu et sa présence semble déclencher la libération de la parole du héros éponyme : Don César n’a que des répliques de moins d’un alexandrin, parfois d’une seule syllabe (« Ciel ! ») comme s’il était sidéré par l’aveu, tandis que les répliques de Ruy Blas sont de plus en plus longues  
• Un obstacle à l’aveu : dans la pièce d’Anouilh, le garde n’est que le scripteur de la lettre que lui dicte Antigone. Il ne semble pas comprendre ce qu’elle lui dit. L’impossibilité de toute communication suscite le désarroi de la jeune fille qui finit par renoncer à s’expliquer. 

II. Des détours et des dérobades qui retardent l’aveu

• Des personnages qui ne répondent pas directement à leur interlocuteur : 

• Apartés par lesquels le personnage ne répond pas mais commente la stratégie à adopter pour  faire comprendre la vérité  (Texte A, v. 5 ; texte B, l. 8 ou l. 11). 
• Antigone (Texte D) ignore aussi les questions du garde, mais il s’agit plutôt pour elle de continuer à expliquer son geste malgré les interventions peu pertinentes de ce dernier. 
• Digression de Phèdre sur sa lignée maudite qui retarde l’aveu.

• Emploi de périphrases (caractère indicible de la vérité) : « Fils de l’Amazone » pour désigner Hippolyte (Texte A) qui ne sera d’ailleurs pas nommé par Phèdre elle-même mais par Oenone, « soldat d’antichambre de Monsieur » pour évoquer le statut de valet (Texte B), « hydre aux dents de flamme » pour la passion amoureuse (Texte C). 

III. Une amplification de la gravité de l’aveu

• Désarroi des personnages face à une vérité presque impossible à dire

Expression de l’émotion :

• ponctuation expressive (exclamations dans les textes A, B, C)
• Interruptions (points de suspension dans le texte A, tirets qui indiquent un discours décousu  et haletant dans le texte C) 
• Interjection (« Oh ! ») d’Antigone (Texte D)
• Questions (non rhétoriques, elle se demande vraiment comment avouer la vérité) de Phèdre. Idem dans le texte B mais dans un registre comique. 

• Procédés d’amplification

• hyperbole « le comble des horreurs » (Texte A)
• Gradation « quelque chose / D’étrange, d’insensé, d’horrible et d’inouï » (Texte C)

Sujet d’invention : quelques pistes  

Plusieurs critères peuvent être retenus pour évaluer les écritures d’invention . J’ai fait apparaître 3 indicateurs sur les copies ; la qualité de l’écriture et notamment du style ; j’ai pénalisé les copies qui utilisent un style trop familier ou relâché et j’ai comptabilisé dans cette rubrique quelques anachronismes (le stress à Rome chez l’empereur , les finances de Louis XVI qui sont définitivement dans le rouge ..) Deux éléments sont ensuite évalués sur 6 points : la qualité théâtrale de l’écriture du dialogue et le choix de la situation et de la nature dramatique de l’aveu.

Faut-il sanctionner l’absence d’un paratexte ? Il est peut- être préférable de valoriser la présence d’une courte introduction notamment quand elle nomme les personnages, les situe et définit la situation qui va être développée ?

Notons d’abord que les copies se sont le plus souvent inspirées de situations lues ou étudiées en classe 

Les types d’aveux : les meurtres d’abord et souvent passionnels

• une soeur qui tue sa sœur car elle est amoureuse du mari de cette dernière se confie à sa suivante le jour des funérailles (le cadre est intéressant pour les effets de dramatisation)

• un homme qui avoue (à son meilleur ami) qu’il était amoureux de l’épouse de ce dernier et qu’il l’a tuée

• une mère avant de mourir qui avoue (à son fils ) qu’elle a tué son père , sujet de tragédie

• un mari qui avoue (à son épouse ) avoir tué un homme par accident et l’avoir enterré dans une cabane au fond du jardin.

L’amour impossible arrive en tête des situations choisies comme dans les tragédies ..

Au premier rang des interdits, la morale et la famille …nous rencontrons ainsi :

• une femme amoureuse du mari de sa sœur qui l’avoue (à sa servante )

• une princesse amoureuse d’un homme de rang inférieur qui l’insulte pour le faire renoncer à leur amour (double faute en quelque sorte)

• une jeune femme bourgeoise amoureuse d’un homme de rang inférieur qui l’avoue à sa soeur et ensuite à son père (double aveu cette fois )

• un guerrier grec (Ulysse bis ) qui avoue à la femme de l’île sur laquelle il a fait escale qu’il est déjà marié et que son coeur est pris ailleurs . (bigamie criminelle )

• une reine veuve qui tombe amoureuse du mari de sa fille (Phèdre version belle-famille )

• un prince qui tombe amoureux de la mère de sa fiancée et se confie à son meilleur ami (Phèdre revisité )

  

  La scène d’aveu comme l’illustrait le corpus peut appartenir soit au genre tragique soit aux comédies : on notera d’ailleurs que certaines copies mélangent assez habilement parfois les deux registres en créant une dispute en surimpression de leur scène d’aveu . Mais c’était une difficulté supplémentaire et certains ont été maladroits en mixant les registres . Anouilh s’ efforce de créer ce mélange en choisissant un confident pour le moins étrange avec ce garde qui ne semble pas saisir l’importance des révélations d’Antigone ; la pièce , en effet, est construite sur le mélange des genres et le spectateur est ici partagé entre le pathétique des révélations d’Antigone, ici affaiblie à cause de son amour pour Hémon et de sa peur de mourir ; cette fragilité du personnage est dramatisée par le choix de ce confident imposé qui agit « mécaniquement »  mais dont les répliques peuvent également nous faire sourire par leur dimension décalée , inattendue et ce procédé estompe la tonalité pathétique.

Faut-il jouer la carte de l’originalité ?

C’est une question que se posent souvent les candidats qui cherchent ainsi à se démarquer des choix plus convenus de leurs camarades . En effet, le correcteur risque de se lasser de la version 40 de Phèdre ou de la lettre d’aveu mais il faut noter que le corpus sert aussi de référence et qu’il parait judicieux de s’inspirer des situations mises en scène , en tentant de les réécrire.

Parmi les copies qui ont su faire preuve d’inventivité , on trouve :

• une femme qui avoue un rêve (à son époux ) où elle voit son avenir heureux avec un autre homme ( situation originale car elle décide littéralement de le quitter pour réaliser son rêve.)

D’une facture un peu plus classique, on trouve les deux situations suivantes qui oublient juste de mettre l’aveu au centre des préoccupations des personnages

• Un amoureux qui demande de l’aide à une amie pour écrire une lettre d’amour qui lui sera finalement destinée mais sans le lui dire ..imitation de la célèbre scène de la révélation où Cyrano se trahit en lisant la lettre de Christian alors qu’il fait nuit ..exposant ainsi à Roxane son amour et la supercherie dont elle a été la victime

• une femme qui quitte son mari pour rejoindre un autre homme (elle l’avoue d’ailleurs assez sèchement au pauvre mari dépité , qui a bien du mal à comprendre ce qui se passe )

Un élève a été bien inspiré et a pensé à l’aveu d’une faute professionnelle : le ministre incompétent redoute la réaction de son supérieur le roi de France<font face="Times New Roman">; Le monde du travail pouvait offrir un large éventail de choix (supercheries , faux en écriture , s’attribuer le travail d’un autre ..)

Le réservoir des situations tragiques pouvait être largement exploité comme par exemple cette copie où Rodrigue est devenu le fils de Caligula qui avoue ( à sa fiancée ) qu’il va devoir combattre son père en duel à mort dans l’arène (version romaine du Cid de Corneille )

Mais l’amour n’était pas nécessairement un ingrédient indispensable pour fabriquer une scène d’aveu théâtrale . Une copie qui sort des sentiers battus a mis en scène une situation où une jeune femme arrête ses études pour s’occuper de son grand-père désormais seul ; elle fait cet aveu à une amie-qui paraît consternée . On pouvait se demander ce qui a motivé le choix de cette situation qui semble tant heurter la meilleure amie et confidente .

Peu importe l’aveu au fond, les procédés de dramatisation et de retardement ont souvent fait la différence entre des copies qui exploitent une idée et des copies qui s’efforcent de tirer parti théâtralement de la même idée

Comment théâtraliser l’aveu ?

Rappelons ici quelques procédés d’écriture théâtrale

• l’aparté ou adresse au public qui joue sur la double énonciation

• les effets de retardement

• le dialogue de sourd

• les répliques interrompues

• l’arrivée d’un personnage qui interrompt l’échange

• les hésitations, revirements et autres formules préparatoires du type : je ne sais si je puis, je ne saurais vous dire, vous allez me trouver horrible, vous allez sans doute être surpris , il faut que je vous dise

• L’usage des didascalies était important : on pouvait, par exemple, inventer les gestes d’accompagnement de l’aveu  : asseyez-vous, allons plus loin…la fait asseoir, lui prend la main , détourne le regard, fait les cent pas, on pouvait aussi noter des variations du ton : d’une voix peu assurée, tremblante, en toussotant..

 Un dilemme est une situation fréquente au théâtre : il s’agit d’un  choix quasi impossible, extrêmement douloureux face auquel un personnage est placé; Le dilemme devait être résolu c’est à dire que le choix devait être fait au cours de la scène . Votre sujet d’invention consistait à créer et ensuite à  rédiger   ce dilemme qui devait être joué sur scène sous la forme d’un monologue par un acteur . Pour ce fair vous deviez d’abord présenter la situation initiale c’est dir résumer en quelques lignes les enjeux du dilemme. Ensuite, vous deviez écrire un texte destiné à être représenté sur scène ; Donc le point le plus important de ce travail d’invention consistait à préciser les éléments de mise en scène choisis pour mettre ne évidence le caractère angoissant de la situation dans laquelle es trouve plongé le perosnnage. Voyons donc dans l’ordre chacun des points respectivement évalué à hauteur de 4 pts , 6 pts et 10 pts. 

Examinons d’abord les situations inventées 

Mention spéciale aux dilemmes qui mettent en jeu la vie d’un personnage : il peut s’agir de raisons médicales comme par exemple arrêter un traitement ou choisir qui va vivre et qui va mourir quand on ne peut sauver les deux personnes ; Ce sont les choix les plus difficiles et ils engagent la vie d’un individu. En temps de guerre , beaucoup d’hommes ont été confrontés à ces choix comme par exemple les résistants qui ont réussi à trouver le code secret qu’utilisaient les allemands pour communiquer et qui ont du choisir quels bateau ils allaient sauver et quel seraient ceux qui ne seraient pas prévenus des attaques; Ainsi un des mathématiciens a du choisir entre la survie esse généraux indispensables ) la suite des opérations militaires ou la vie de son frère et d’autres soldats blessés qui revenaient du champ de bataille. Excellent choix de situation épineuse. Le contexte de guerre exacerbe les dilemmes : un snipper , par exemple , ou un homme qui s’apprête à commettre un attentat ou à poser une bombe qui risque de tuer des civils , peut être en situation délicate sur le plan moral.William Styron a écrit un roman où un nazi demande à une mère à Auchwitz de choisir lequel de ces deux enfants, une petit fille et un petit garçon, elle va pouvoir sauver. Ce roman porte comme titre Le Choix de Sophie et il va dévaster la vie du personnage ; 

Le dilemme amoureux est également un grand classique de la scène : un personnage doit choisir entre son amour et sa famille ; On peut par exemple imaginer qu’une femme ne souhaite pas quitter ses parents malades pour suivre son ami à des milliers de kilomètres pour son nouveau travail; On peut aussi imaginer qu’un des membres du couple doive choisir entre sa vie de famille et ses obligations professionnelles ; Parfois difficile de concilier les deux comme dans la vie ! Un personnage peut également devoir choisir entre deux prétendants et la pièce peut devenir une tragédie ou une comédie; Un copie a fort justement montrer un dilemme original: un roi qui refuse d’avoir un enfant de peur que ce dernier lui vole un jour son trône mais qui craint de perdre l’amour de la reine. Bien trouvé ! 

 Les questions d’honneur sont à l’origine de nombreux dilemmes : se taire ou dénoncer son bourreau pour les victimes au risque de conséquences pour leurs proches; Menace, chantage sont souvent sur scène les armes des puissants qui souhaitent assujettir leur opposant; Ainsi dans Andromaque,tragédie classique de Racine, Pyrrhus roi grec , dédaigné par sa prisonnière Andromaque, une troyenne veuve du prince Hector, décide de tuer son fils si elle persiste à refuser sa demande en mariage; cette dernière es retrouve donc face à un dilemme: soit elle condamne son fils en restant fidèle à son époux défunt et à sa mémoire, soit elle le sauve mais elle devient l’épouse de son ennemi. Racine et Corneille ont utilisé des personnages confrontés à ces choix douloureux entre l’exercice du pouvoir, la loyauté envers leur patrie, leur camp et l’amour pour un ennemi ou une femme du camp opposé. L’empereur Titus doit ainsi renoncer à Bérénice, reine de Palestine qu’il aime pourtant car le Sénat

romain  lui interdit  ce mariage  dans la tragédie de Racine : Bérénice. 

“Rome, par une loi qui ne se peut changer,
N’admet avec son sang aucun sang étranger,
Et ne reconnaît point les fruits illégitimes
Qui naissent d’un hymen contraire à ses maximes.”   L’empereur  de Rome pour obéir à la raison d’Etat renonce à son projet de mariage et la reine quitte  le pays; Racine a écrit cette pièce pour rendre hommage au sacrifice du roi Louis XIV qui a renoncé à son amour pour Marie Mancini afin d’épouser l’infante d’Espagne pour des raisons politiques; Le devoir triomphe souvent de la passion au théâtre. 

Le dilemme peut également être exploité à des fins comiques : un groupe a ainsi imaginé  une campagne politique digne de House of cards qui voit s’opposer Marine Le Pont et Emmanuel Macrau , rivaux pour l’élection présidentielle, avec un chantage à la photo compromettante..mais la comédie satirique vire à la tragédie quand la candidate s’empoisonne en avalant une boîte de médicaments. Un autre groupe a fait preuve d’originalité en imaginant une infirmière maladroite qui tue un patient alors que la famille se divisait pour savoir s’il fallait ou non le débrancher .  Une situation tout à fait ingénieuse à exploiter sur le plan scénique. La palme du la sophistication du scénario revient à une copie qui a imaginé la responsable d’un accident de voiture mortel  qui s’enfuit et qui n’est autre que la mère de l’inspecteur qui doit mener l’enquête…quel dilemme s’il découvre la culpabilité de sa mère ! 

La qualité des textes , en dehors de la présence de fautes de syntaxe , reposait essentiellement sur la variété des arguments proposés par les intervenants ; en effet, un dilemme doit donner lieu à des interrogations, des questionnements ; Le style de l'argumentation s'apparente le plus souvent au registre délibératif; les personnages pèsent le pour et le contre et échafaudent des hypothèses (si ..ou bien si.. ) en fonction des choix à opérer; Ils envisagent également les conséquences de leurs actes et font part de leurs hésitations. Corneille a , par exemple traduit les hésitations de son héros Le Cid en fabriquant des stances : 

Que je sens de rudes combats ! 

Contre mon propre honneur mon amour s’intéresse: 

Il faut venger un père, et perdre une maîtresse: 

L’un m’anime le coeur, l’autre retient mon bras. 

Réduit au triste choix ou de trahir ma flamme, 

Ou de vivre en infâme, 

Des deux côtés mon mal est infini. 

On mesure ici la paralysie du héros qui , sur scène, exprime son impossibilité à prendre une décision ; Le registre pathétique est également employé dans le monologue célèbre de Hamlet de Shakespeare où ce dernier ne sait s’il doit continuer à vivre ou se laisser mourir . 

La dernière partie du travail d’écriture consistait à indiquer au moyen de didascalies , le travail de mise en scène . C’est un point essentiel dans une écriture destinée à la représentation; c’est ce qui différencie un texte littéraire d’un texte théâtral . Si autrefois les dramaturges donnaient assez peu d’indications dans leurs textes, c’est parce que souvent les didascalies étaient internes ; Aujourd'hui, les textes de théâtre contiennent énormément d'indications destinées à faciliter le travail du metteur en scène  et à guider le passage du texte écrit à la représentation ; C'est un point sur lequel vous devez travailler car la plupart de vos didsacalies sont assez conventionnelles ; vous devez donc préciser les gestes de votre acteur : face à un choix difficile, le personnage va montrer des signes d'agitation ; Il peut tourner en rond, faire les cent pas, se prendre la tête dans les mains, mimer le chagrin, la colère; Il bouillonne à l'intérieur et cette agitation doit se traduire par une gestuelle appropriée. N’oubliez pas non plus les intonations et les expressions . Le trouble peut s’entendre avec la voix, les pauses, les changements de rythme, de volume sonore. 

Bref n’oubliez pas d’inventer et de noter entre parenthèses ou à côté des noms des personnages ,des didascalies variées et nombreuses  dans vos copies si vous devez produire un texte théâtral.

Aujourd’hui , Christophe Cardoni , un journaliste spécialisé dans la critique  des manifestations culturelles, accompagné par l’organisatrice du festival théâtral du Val d’Oise  sont  venus présenter aux élèves de première  les rudiments de l’écriture d’un article de presse qui rend compte d’un spectacle. Il s’agissait  pour eux, en 2016 d’écrire une critique de la pièce de théâtre Les Optimistes . Les élèves ont donc réfléchi durant deux heures  aux problématiques de l’analyse d’une représentation théâtrale. Cette année, ils se préparent à assister à la représentation d’Antigone 82 spectacle écrit pour le plateau à partir du roman de Sorj Chalandon : Le quatrième Mur 

 Tout d’abord, il fallait se poser la question essentielle : quel est au juste  le travail et le but  de la critique ?  S’agit-il simplement de donner son avis sur un spectacle ou le critique doit-il tendre à une certaine forme d’objectivité comme le journaliste? 
 Après une discussion avec la classe, 2 objectifs principaux pour l’écriture d’un article de critique théâtrale ont été mis en évidence  : rendre compte d’un spectacle et produire un avis argumenté; Il fallait maintenant s’intéresser aux différentes images qu’on peut conserver d’une représentation théâtrale donc s’interroger sur son esthétique . 

 Les élèves ont alors tenté de dégager les composantes du spectacle vivant en partant du postulat de base selon lequel toute représentation  est interprétation. 

Les questions relatives au texte et à son adaptation : la dimension visuelle 

 Un spectacle est bien entendu , le plus souvent, composé à partir d’un texte écrit  mais il ne s’agit pas toujours d’ un  texte produit par un seul individu  . Qui écrit le spectacle ? est-ce l’auteur ? est-ce le metteur en scène ? 
 De plus en plus, certains spectacles sont produits à partir d’une écriture collective dite de plateau ; les acteurs participent ainsi à l'écriture du spectacle en mutualisant leurs souvenirs, leur idées, leurs avis .

Quel est le rôle du metteur en scène ? 
Le metteur en scène est-il juste un traducteur ? est-il un véritable créateur même si ce n’est pas lui qui a écrit le texte ? Qu’est-ce qu’un geste de mise en scène ? existe-t-il un rapport de soumission, de hiérarchie entre l’oeuvre originale et l’oeuvre produite par le moteur en scène (quand il n’est pas l’auteur ) 

I L’analyse du spectacle 

1 La dimension esthétique

 Le spectateur qui assiste à une représentation se trouve confronté à une foule d’informations visuelles, auditives et il doit, en même temps, faire face à des sentiments variés, des  impressions qui peuvent changer d’une représentation à l’autre. La dimension esthétique du spectacle regroupe  ainsi ces différents éléments :

• Le décor .  Il a une fonction illustrative mais pas seulement ; il peut être symbolique et son absence correspond également à un choix du metteur en scène ; elle peut être analysée comme un geste de mise en scène. Un décor sommaire peut symboliser le dénouement ou l’ atemporalité .
• Le costume .  Lui aussi a plusieurs fonctions : simple illustration ou symbolique, il peut indiquer une époque historique ou faire référence à l’actualité de la mise en scène. Le roi Lear , le héros tragique d’une pièce de Shakespeare  nu sur scène  peut suggérer l’extrême solitude du personnage qui a tout perdu alors que la nudité de Don Juan pourrait mettre en valeur son pouvoir de séduction ; la nudité d’Antigone pourrait être perçue soit comme un acte de révolte à la manière des Femen , soit comme une preuve de fragilité qui la rendrait encore plus démunie face à Créon. 
• L’éclairage. Il doit être interrogé et on peut proposer là encore des interprétations variables: lumière crue, ou douce, chaude ou froide; On peut imaginer Créon dans le noir et Antigone en pleine lumière ou le contraire ; Cela modifie la perception pour le spectateur de leurs rapports de force. 
• Les moyens techniques sont désormais plus importants et permettent d’intégrer des techniques comme la vidéo qui devient parfois un moyen de faire entrer le hors champ sur le plateau , à la manière des récits des messagers dans le théâtre classique. Des caméras sur scène peuvent également boomer des détails te les projeter au public; On dit alors que le théâtre reprend le langage du cinéma et s’empare de se moyens techniques . 
• Les sons et notamment les bruitages jouent également un rôle important ; de plus le spectateur doit distinguer les différentes  sources des effets sonores; ainsi  la musique  peut avoir plusieurs effets possibles selon qu’il s’agit d’une musique enregistrée ou  d’une musique jouée sur scène par un acteur :  on dit alors qu’elle est réalisée à vue La musique peut aussi créer une ambiance 

2. Les acteurs  et les questions relatives au jeu 

Le jeu des acteurs est un compartiment très important de la représentation et il est difficile de l’analyser sans distinguer le rôle de la direction d’acteur assumée par le metteur en scène.  
 Le spectateur se montre souvent sensible à ce qu’il imagine de la  concordance du jeu avec le rôle : il va ainsi exprimer la qualité du jeu de l’acteur en fonction de ce qu’il imaginait du personnage . 
La direction des acteurs consiste à leur donner des indications de jeu, à leur expliquer comment ils doivent interpréter leurs textes mai également quels gestes ils doivent effectuer, quels déplacements et quelles expressions ils doivent tenter de reproduire . 
 le spectateur peut alors se poser la question de ce qu’il ressent en voynat un acteur jouer sur scène : Parvient -il à dégager de l’émotion ?  Cette émotion  est-elle partagée?. Est-ce que ses émotions sont transmises à l’ensemble de la salle ? Ressent- on tous la même chose face à un spectacle ? Certains spectateurs se sentiront peut être  touchés et d’autres demeureront  indifférents . D’autant que se pose le  problèmes des parasites du spectacle : le bruit d’un portable, le bruit d’un voisin, la fatigue, un mauvais placement..autant des facteurs qui peuvent altérer notre perception du spectacle . 

3. Le travail de mise en scène 

Pour le spectateur , il peut s’agir de juger de la qualité de l’adaptation de ce qu’il voit par rapport à l’oeuvre originale qui peut parfois provenir d’un autre univers comme le roman , par exemple. On qualifiera d‘interventionniste un metteur en scène qui met de la distance entre l’oeuvre et ce qu’il propose comme interprétaion; On évoquera également une interprétation personnelle : plus l’écart est grand entre l’oeuvre de départ et celle fabriquée par le geste de mise en scène, plus on mesurera sa dimension créative. Certains metteurs en scène demeurent extrêmement fidèles à la pièce de départ : ils font par exemple représenter des comédies de Molière avec des costumes d’époque,  un décor qui imite les meubles du siècle de Louis XIV, la prononciation d’autrefois, l’éclairage à la bougie sur scène et l’absence totale de trucages dans la mise en scène.

Mais rendre compte d’un spectacle, c’est aussi adopter une stratégie argumentation efficace 

II La dimension argumentative  

Votre article est écrit pour être lu: il doit donc immédiatement accrocher le lecteur et lui donner envie de lire la suite. 

Le titre : il sera court, avec un seul verbe conjugué et il  pourra comporter un jeu de mots; On peut aussi y mentionner le nom d’un acteur célèbre et le titre de la pièce s’il s’agit d’une oeuvre connue. 

Le chapô

Il donne la couleur de l’article et apparait sous la forme le plus souvent d’une ou deux phrases qui précisent le cadre de la représentation (date, salle )  et la nature de l’objet dont on parle (pièce, film..) Le registre du blâme ou celui de l’éloge seront sans cesse utilisés ; on peut penser aussi aux connotations péjoratives ou mélioratives; Tous les moyens argumentatifs peuvent être employés selon leur efficacité : la question rhétorique, l’énumération, la concession ,le registre polémique  

le corps de l’article: il mêle habilement réception du spectacle (subjectivité ) et description des composantes de rapièce ( notations objectives ) 

La fin de l’article; elle doit avoir une valeur généralisante : Tout simplement superbe … A éviter à tout prix donc

 Quelques interdits : On n’emploie jamais le Je et on respecte le travail qui a été fourni par la troupe même si le spectacle ne nous a pas plus ; il est exclu d’injurier ou de vilipender ; les critiques si elles sont négatives prennent appui sur des élements factuels qui sont décrits avec précision.  La vérité n’existe pas dans le domaine de la critique d’art et cela demeure un domaine de liberté d’expression. 

Alors à vos claviers ..

 Pensez que vous écrivez une  critique de spectacle qui doit comporter 

• un titre 
• Le chapô juste en dessous, va orienter la réception de l’article et préciser le cadre 
• votre argumentaire va s’efforcer de lier les différents éléments du spectacle 
• une touche finale

En mode numérique, efforcez-vous d’atteindre les  1200 signes ou 1/2 page Word. Vous ne pourrez jamais tout dire: ce n’est pas l’objectif ..juste ce que vous avez pu observer et apprécier