Le roman de Madame de Lafayette est un roman d’apprentissage qui retrace l’évolution d’une jeune fille qui découvre la cour et ses nombreux dangers; Premier roman d’analyse psychologique, il tente de nous initier aux subtilités de la peinture des sentiments et représente les dangers de l’amour passion. Mademoiselle de Chartres épouse Monsieur de Clèves non pas parce qu’elle est tombée amoureuse de lui mais parce qu’elle considère, suivant en cela l’avis de sa mère, qu’il constitue pour elle le meilleur des partis et le meilleur des maris . Mais lorsqu’elle va réaliser la nature et la force de ce qu’elle éprouve pour la Duc de Nemours, elle n’ose en parler avec sa mère; Cette dernière a déjà tout deviné et la jeune fille compte beaucoup sur elle et son expérience ; C’est à ce moment que l’auteure choisit de faire disparaître Madame de Chartres , afin de laisser le personnage de la Princesse seule, face au choix de sa ligne de conduite. La mort du personnage de la mère a ici une fonction dramatique essentielle et constitue un motif important de l’intrigue.
Le passage que nous allons étudier retrace les adieux de la mère à sa fille de “Il faut nous quitter ma fille à …pour n’en être pas le témoin ” Il contient donc une dimension pathétique incontestable ( axe de lecture principal ) et permet de mettre le personnage de la Princesse face aux dangers qui la menacent . Nous verrons comment l’écrivaine construit cette scène pathétique qui clôt le premier tome du roman. Examinons tout d’abord la force morale dont fait preuve Madame de Chartres .
La mère, a reçu, en effet , dans les paragraphes qui précèdent notre extrait , l’annonce de son état critique, avec un détachement qui force l’admiration : “ un courage digne de sa vertu et de sa piété;” D’emblée , la mère de l’héroïne est présentée comme une femme exceptionnelle , d’une grandeur d’âme hors du commun. On retrouve ici la dimension hyperbolique et élogieuse qui caractérise chaque portrait de personnage dans ce roman. En effet, le but de Madame de Lafayette n’est pas du tout d’être réaliste mais de donner une image d’un idéal à la fois physique et moral.
La scène des adieux est un face à face entre les deux femmes car Madame de Chartes a demandé à tout le monde de sortir de sa chambre; Elle ne souhaite pas qu’ils puissent entendre ce qu’elle doit dire à sa fille, en privé. : on notera que la Princesse demeure silencieuse . Le discours de la mère repose sur de nombreuses injonctions : “il faut nous quitter.. il faut de grands efforts “ et des tournures impératives réitérées ” songez ce que vous devez…ayez de la force et du courage ” . Ce sont plus que des conseils qu’elle prodigue à sa fille : cela ressemble à des consignes et les paroles prononcées par la mère auront un retentissement important. La manière dont elle s’adresse à la princesse, on, l’a vu, ne souffre pas de réponse ; Madame de Chartres, en effet, fait elle-même les questions et les réponses .
La mère commence par rappeler à sa fille les dangers qui l’entourent et termine son discours par des images effrayantes : le champ lexical du danger apparaît ,dès les premières lignes avec le mot “péril où je vous laisse ” ainsi que le mot peur associé à l’image du précipice un peu plus loin. Il s’agit ici d’un péril souvent mentionné dans les textes religieux; Les pêcheurs sont condamnés à sombrer dans l’abîme qui les mène droit en enfer. On retrouvera cette idée à la fin de la réplique de la mère avec l’expression “tomber “; La mère préfère la mort que de voir sa file devenir une femme adultère; Madame de Chartres peint à sa fille un tableau très noir des malheurs qui attendent ceux qui se laissent aller à des sentiments interdits. Ces injonctions maternelles vont contribuer à façonner la conduite de la princesse qui finira , après l’aveu à son mari, et sa mort, par renoncer définitivement à aimer le Duc de Nemours . Elle souhaitait continuer à jouer un rôle important dans l’éducation de sa fille comme le mentionne l’expression “le besoin que vous avez de moi ” . Avec la disparition de son mentor, Mademoiselle de Chartres se retrouve seule avec ses doutes et sa mère mentionne, d’ailleurs, presque immédiatement, le principal danger qui la menace: “l’inclination pour M de Nemours ” Elle coupe court ensuite à toute protestation éventuelle en spécifiant “ je ne vous demande point de me l’avouer “; On sent bien que le temps presse et qu’il y a des choses plus importantes à dire ; La mère explique qu’elle a remarqué “cette inclination ” depuis déjà un moment : ce qui signifie que la jeune Princesse est incapable de dissimuler publiquement ses sentiments ; elle peut donc facilement être percée à jour : ce qui constitue, à la Cour, un danger supplémentaire . Madame de Chartres nous fait comprendre qu’elle a deviné avant même que sa fille s’en aperçoive, qu’elle était en train de tomber amoureuse; En femme d’expérience, elle a pu observer des changements infimes dans le comportement de sa fille ; Mais le temps est venu de parler car la jeune femme a réalisé ce qui se passait en elle ” Vous ne la connaissez que trop présentement ” ; dans ce roman d’analyse psychologique, on voit que les sentiments évoluent chez les personnages comme c’est le cas dans la vraie vie. La révélation de Madame de Chartres se termine par une sévère mise en garde : elle cherche à effrayer sa fille en lui montrant les dangers de cet amour qui peut la mener jusqu’au “précipice ” .
De plus, la mère ne cesse de mettre en garde la jeune princesse contre elle-même : elle mentionne que de “grands efforts ” et “de grande violence ” seront nécessaires pour la retenir et pour qu’elle demeure sur le droit chemin. Elle mentionne également des solutions pour échapper à cette “inclination” comme par exemple demander au Prince son époux de l’éloigner de la cour et de l’emmener à la campagne, loin des mondanités où elle pourrait rencontrer le Duc. On retrouve ici une forme de pragmatisme que s’efforcera de suivre la Princesse en prétextant, à plusieurs reprises , un besoin d’éloignement et de solitude .
La mère fait des confidences à la princesse et lui avoue , notamment qu’elle a deviné ses véritables sentiments : “il y a longtemps , dit-elle, que je me suis aperçue, de cette inclination”; Il est intéressant de commenter ici le choix éducatif effectué par Madame de Chartres ; cette dernière a souhaité, en effet, avant tout la protéger, en se taisant . Elle pensait ainsi différer la révélation de cet amour éprouvé par sa fille : Elle commence par une modalité assertive qui peut surprendre le lecteur : “vous avez de l’inclination pour Monsieur de Nemours” et qui démontre aussi qu’elle connaît bien sa fille; Elle évoque ensuite son rôle d’éducatrice avec le verbe ‘conduire” ; Elle joue le rôle de celle qui montre la voie à suivre, celle qui guide les pas de la plus jeune en raison de son expérience de la vie . Cette fonction éducative est à la base même de la plupart des portraits de mère en littérature. On y retrouve l’idée d’un modèle à suivre et d’ailleurs Madame de Chartres tente de persuader sa fille en utilisant ses sentiments pour elle ; C’est le cas , par exemple, quand Madame de Lafayette écrit : “si ce malheur devait vous arriver, je reçois la mort avec joie de n’en pas être témoin.” A noter que c’est à cette phrase que la jeune femme réagit le plus violemment et fond en larmes sur la main de sa mère. Elle aura toujours en effet, l’impression de trahir la confiance de cette dernière si elle cède à ses sentiments ; à la fin du roman, elle deviendra très pieuse et suivra la voie de la religion.
Le catholicisme de la seconde moitié du dix-septième siècle est marqué par l’influence du jansénisme. Cette doctrine refuse à l’homme son libre-arbitre et tente de montrer que les hommes sont aveuglés par leurs passions et marqués par le péché; Ils ne peuvent ainsi atteindre la vérité et le bonheur; Madame de La Fayette adhère à cette forme de pessimisme que nous retrouvons dans le roman ; Elle partage les mêmes idées que Blaise Pascal et La Rochefoucauld qui, ne cesse de démontrer dans ses Maximes que l’homme est aveuglé par les passions et notamment l’une des plus dangereuses de toutes, à ses yeux, l’amour-propre.
La mère de la princesse occupe un rôle semblable au destin, au fatum tragique; En effet, c’est elle qui décide de lui donner un mari qu’elle n’aimera pas , laissant ainsi se développer, hors du mariage, un sentiment d’amour inassouvi qui la pousse vers le Duc de Nemours et qui finira par la tuer. mais au moment de la quitter, elle prend place dans son esprit en lui insufflant ses craintes de la voir chuter : ” Son ton se fait tragique : “Pensez que vous allez perdre cette réputation que vous vous êtes acquise et que je vous ai tant souhaitée” : en se déshonorant, la princesse fait rejaillir la honte sur sa mère ; Mais cette dernière lui propose également des moyens d’échapper à cette passion qu’elle ne doit cesser de combattre : ” retirez-vous de la Cour, obligez votre mari de vous emmener ” Les impératifs ici se font catégoriques et ressemblent davantage à des ordres qu’à des conseils. La jeune épouse s’efforcera, dans la suite, d’exécuter les volontés de sa mère ; Mais elle ne la blâme pas ; elle s’efforce de lui insuffler du courage notamment lorsqu’elle affirme “ ne craignez point de prendre des partis trop rudes et trop difficiles “. Les deux adjectifs peuvent paraître redondants mais ils permettent de mesurer la difficulté de l’entreprise et la force qui sera nécessaire à l’héroïne pour échapper à cette passion destructrice.
On voit donc ici que la fonction d’un personnage ne se limite pas à ses apparitions dans le roman; Même si elle quitte le livre à la fin du premier tome, le personnage de Madame de Chartres reste très présent car ses pensées, ses recommandations, son esprit même ne cessent d’accompagner Madame de Clèves . Le ton se fait alors prophétique comme si, sur son lit de mort, elle livrait à sa fille des visions de l’au delà : “quelque affreux qu’ils vous paraissent d’abord, ils seront plus doux dans les suites que les malheurs de la galanterie. Madame de Chartres encourage la fuite de sa fille et y voit son unique chance de salut , face aux progrès de la passion dans son esprit. Elle va employer un dernier argument pour persuader sa fille de suivre ses recommandations . Elle lui demande d’agir selon ses conseils pour ne pas lui causer de la peine ; c’est une forme de chantage affectif qui fonctionne lorsque le lien qui unit deux personnes est fort . Madame de Chartres affirme clairement préférer mourir plutôt que d’assister à la chute de sa fille ; “vous voir tomber comme les autres femmes “ . Une fois de plus, si l’héroïne est capable de résister,alors son destin sera exceptionnel et c’est en cela qu’elle atteindra une dimension héroïque qui la placera au-dessus du commun des mortels.
Pour conclure: en mourant, Madame de Chartres livre ainsi la jeune fille à elle-même et aux désordres de la passion qu’elle s’efforce de réprimer mais qui sèment le trouble en elle. A l’injonction de sa mère : “Songez ce que vous vous devez à vous même” elle répond, un peu plus tard , par une interrogation : ” Veux-je me manquer à moi même ? ” Effrayée par la possibilité que le Duc la trompe un jour si elle cédait à ses avances, elle se réfugiera dans une sorte d’idéalisation de l’amour et renoncera, de ce fait , à toute forme d’amour durant sa vie terrestre . Le dénouement du roman a intrigué beaucoup de lecteurs car on a du mal à comprendre pourquoi la Princesse , veuve,renonce à vivre cet amour . On peut émettre l’hypothèse que le remords d’avoir causé la mort de son époux lui interdit, à tout jamais, d’être heureuse . On peut aussi repenser au rôle déterminant du jansénisme . Mais n’est ce pas aussi par orgueil qu’elle refuse de devenir comme les autres femmes, délaissées et trompées par l’homme qu’elles aiment ? Avec son choix , elle échappe à un destin très commun pour rejoindre celui des héroïnes tragiques
La mort de Madame de Chartres est décrite , ensuite , avec beaucoup de pudeur : elle s’éteint comme une sainte ” : “ne songea plus qu’à se préparer à la mort “ en refusant de revoir sa fille . La fin du passage montre le désespoir de la jeune fille : “affliction extrême “ et elle trouve du réconfort auprès de son époux auquel elle demande immédiatement de l’emmener à la campagne , sous prétexte de “l’éloigner d’ un lieu qui ne faisait qu’aigrir sa douleur;” Le lecteur sait, en fait, qu’il ne s’agit que d’un prétexte et qu’elle fuit, sur les conseils de sa mère défunte, les tourments de la passion. La jeune fille ressent cruellement l’absence de sa mère car elle sait avoir besoin d’elle pour se défendre contre Monsieur de Nemours. La disparition du personnage rend l’héroïne éminemment vulnérable et c’est ce qui renforce la dimension tragique du livre; Cette péripétie est donc très importante et marque un tournant dans l’intrigue en laissant la princesse seule avec elle-même .
L’héroïne du roman de Madame de La Fayette a droit à un portait qui la magnifie qui est situé juste après les portraits des Grands de la Cour : le roi, la reine, Diane de Poitiers et la famille royale; ensuite, comme pour respecter une sorte de hiérarchie naturelle, on trouve les chefs de file des grandes familles notamment l’oncle de l’héroïne, le vidame de Chartres “également distingué dans la guerre et dans la galanterie : beau , de bonne mine, vaillant, hardi, libéral ” et la galerie de portraits se termine par celui du Duc de Nemours ” un chef d’oeuvre de la nature ” “ce qu’il avait de moins admirable, c’était d’être l’homme du monde le mieux fait et le plus beau ” Les portraits ont tous en commun d’être 
Le drame romantique, inventé par Victor Hugo , est un type de spectacle qui tente d’effectuer la synthèse entre des éléments issus de la tragédie , et d’autres issus de la comédie. En 1827 Hugo dans la Préface d’une de ses pièces , définit ce théâtre comme un mélange de sublime te de grotesque. Avec son drame Ruy Blas , en 1838 il mêle une intrigue amoureuse et une trame politique; Un valet, manipulé par son ancien maître chassé de la cour, va révéler progressivement son amour à la reine d’Espagne mais il cache un terrible secret: son identité véritable. Lorsque Don Salluste revient à la Cour et fait éclater la supercherie, il le tue sous les yeux de la reine. Cette dernière est atterrée par ce qu’elle vient d’apprendre et demeure sans voix “immobile te glacée” ; Quel dénouement Hugo a -t-il choisi ? la passion va-t-elle triompher ? On peut en douter . Commençons la lecture linéaire …
Ruy Blas reste à distance comme l’indique la didascalie interne du vers 2 : “je n’approcherai pas “ . Cet aspect solennel est celui de la tragédie classique dans laquelle les personnages s’expriment avec solennité. Le personnage de Ruy Blas tente de se faire pardonner ce qui peut être qualifié de “trahison ” comme on le lit au vers 6 . Il a, en effet, accepté de se faire passer pour un noble alors qu’il est d’origine modeste et a menti sur sa véritable identité, allant même jusqu’à accepter les fonctions de premier ministre en l’absence du roi . On remarque que les alexandrins sont “disloqués ” ainsi que le voulait Hugo qui a tenté de créer ainsi un langage théâtral plus naturel . L’agitation du personnage se traduit également par un bouleversement de la syntaxe et de nombreux enjambements comme aux vers 5 et 6 . Le champ lexical de la faute est très présent au début du passage avec le terme trahison déjà mentionné au vers 6. Ruy Blas se sent fautif mais il tente de se justifier et on le remarque notamment l’atténuation de sa culpabilité avec la 
A partir de ce moment, la tragédie devient un drame et offre aux spectateurs des moments déconcertants . Tout d’abord le changement d’attitude de la reine peut surprendre : elle se précipite vers le héros mourant pour l’entourer de ses bras et d’ailleurs , il donnera d’abord l’impression de mourir dans ses bras : “ l’entourant de ses bras”, tenant la reine embrassée “la reine le soutient dans ses bras ” au vers 45; Hugo reprend ici l’image du Christ avec plusieurs allusions comme l’obtention du pardon qui évoque les dernière paroles du Christ adressées à son père . La reine qui jusque là , était demeurée stoïque, se met alors à vibrer d’une passion qui a pu surprendre ; Elle lui dit qu’elle l’aime et l’appelle dans un premier temps , César, qui était son faux nom avant de lui donner , au dernier vers, sa véritable identité. Mais ce pardon arrive trop tard ! Et c’est aussi ce qui rend ce dénouement particulièrement tragique !
Ce final comporte donc de nombreux éléments tragiques : certains sont habituels et d’autres le sont un peu moins pour le public. La mort du héros est , à la fois prévisible et attendue ; elle vient sceller une passion impossible entre deux personnages qui s’aimaient sincèrement mais qui n’ont pas d’avenir ensemble; Si le dramaturge montre, sur scène, et pour la première fois, la possibilité d’un amour entre un “ver de terre “et une “étoile ” il ne permet pas à ces deux personnages d’être heureux; la mort demeure l’unique issue pour un homme qui a menti sur ce qu’il est et cette femme pourra toujours se reprocher de ne pas avoir choisi l’amour à temps; Le drame romantique tente une synthèse entre un héritage tragique et des préoccupations contemporaines et il est parfois difficile de comprendre ce nouveau genre. La passion amène toujours l’homme à effectuer des choix souvent irréversibles et qui le condamnent à se perdre .
Le roman épistolaire de Laclos, Les liaisons dangereuses paru en 1782, eut un très grand succès et déclencha une polémique autour du libertinage car il est bien difficile de savoir si l’auteur dépeint un couple de libertins pour en dénoncer l’orgueil et le cynisme ou s’il décrit des personnages pour lesquels il éprouve une sorte d’admiration . Composé d’une centaine de lettres échangées entre une dizaine de correspondants, les intrigues amoureuses en sont la trame principale. Les premières lettres dressent des portraits des deux principaux protagonistes ; un ancien couple, la Marquise de Merteuil et le Vicomte de Valmont dont la relation demeure ambigüe , savant mélange de tendresse et de rancune. La Marquise souhaite que le vicomte la venge en séduisant une jeune fille Cécile de Volanges , avant le mariage de cette dernière mais il a d’autres projets : il cherche à conquérir la Présidente de Tourvel, une jeune femme dont la vertu semble inattaquable. Dans cette quatrième lettre du roman, Valmont s’apprête à annoncer à la Marquise , son projet de conquête. Voyons quel portrait du personnage de Valmont , Laclos nous offre-t-il dans cette lettre ?
Laclos emploie, en effet, le champ lexical de l
Le parcours de lecture associé à l’étude des fables propose de réfléchir aux relations entre l’imagination et la pensée; Autrement dit : comment se servir , par exemple de l'imagination pour permettre la pensée . Grâce à l'utilisation des animaux et de la satire, comme dans La Cour du lion ou Les animaux malades de la peste , le fabuliste nous plonge dans un univers imaginaire et fabrique des ressemblances humoristiques avec le monde contemporain; La fable permet ainsi de divertir le lecteur et de le faire réfléchir , grâce notamment à la morale ; Avoir recours à l’imaginaire , c’est d’ailleurs le principe utilisé par la fiction lorsque qu’elle se donne comme objectif d’apporter un regard qui éclaire le monde .Mais on peut également envisager la relation entre pensée et imagination sur un autre mode en se demandant comment l’imagination peut-elle être parfois un obstacle à la création “d’une pensée raisonnable” ; C’est un peu ce qui est à l’oeuvre dans Perrette et le pot au lait : la jeune fermière, emportée par les délices de son imagination, perd le sens des réalités et renverse son lait . Or, c’est la vente de ce lait qui devait lui permettre d’acheter tout ce dont elle a rêvé. Le retour à la réalité est brutal dans son cas . Voyons un peu comment La Fontaine reprend ce schéma dans Le Curé et le mort qui est la fable suivante du livre VII.
Mais son bonheur imaginaire sera de courte durée car, en bon moraliste, La Fontaine, met fin à son existence , et par là même à ses pensées. On peut comparer l’accident du convoi au saut de Perette , sur le chemin qui la mène au marché ; L’action est très rapide : “Au vers 31, c’en est fini du Curé “Voilà Messire Jean Chouart qui du choc de son mort a la tête cassée ” La chute est brutale dans tous les sens du terme. Le comique de la scène transparaît également avec ce que l’on pourrait appeler l’ironie du sort puisque la fin de la fable nous propose un renversement de situation pour le moins inattendu. Alorsque nous avions « un mort » et « un curé », qui marche « à [ses] côté[s] », bien dissociés par l’article indéfini et le point-virgule du deuxième vers, on constate qu’ils partagent désormais le même sort « Tous deux s’en vont de compagnie » à la fin du récit. Le curé meurt et rejoint le mort dans l’au-delà. Le fabuliste montre , de manière comique, que le mort est responsable de la mort du curé : “le paroissien en plomb ” est une périphrase comique qui désigne le défunt et il entraîne son pasteur , dans sa chute justement.L’ironie se fait encore ressentir de façon grinçante avec l’évocation du nom « Chouart » qui rappelle le verbe choir qui signifie tomber en ancien français ; On pense aussi, dès le début, d’ailleurs, à la chute de la laitière au Pot au lait et surtout, à la chute du curé dans la mort. Le comique de la fable permet de rendre plus acceptable la satire du clergé. La morale qui clôt le récit tient en trois vers et nous fait réfléchir aux dangers de l’imagination lorsqu’elle semble nous déborder . La dimension tragique n’est pas absente du dénouement avec l’idée énoncée par La Fontaine, au vers 36 et 37 que notre vie ressemble à ce personnage : nous nous réjouissions, parfois à tort et dissimulons nos véritables pensées aux autres ; Peut être veut-il nous avertir qu’il n’est pas prudent de se réjouir du malheur des autres et de se lancer dans des “projets imaginaires” ! Mieux vaut garder les yeux grand ouverts , les deux pieds sur terre et l’esprit clair !
Dès sa première apparition sur scène, Phèdre veut mourir pour échapper à sa passion dévorante et interdite. Oenone, sa vieille nourrice, qui a peur pour elle, décide de la faire renoncer à ses noirs projets et réussit à la convaincre de la laisser mentir à Thésée . Au début de l’acte IV, Oenone, en brandissant l’épée d”Hippolyte comme preuve accuse ce dernier d’avoir tenté de violer sa belle-mère: Phèdre ne dément pas. Thésée, furieux, accable son fils et demande à Neptune de le punir. Ce dernier est banni et Phèdre, quant à elle, se sent terriblement coupable d’avoir sali la vertu d’un innocent :elle accuse Oenone et la chasse; Cette dernière se suicide en se jetant dans la mer. Hippolyte dans sa fuite mais il meurt, est tué par un monstre marin. le récit de sa mort est relaté par Théramène, son plus fidèle serviteur . C’est en père éploré que Thésée vient annoncer à son épouse la mort de son fils. Phèdre es décide alors à tout lui avouer. 
L’emploi de l’impératif présent : « écoutez-moi » traduit le fait que Phèdre est consciente de l’urgence de la situation; sa mort est proche, et elle ne peut pas perdre du temps : « les moments me sont chers » reprend cette idée d’urgence . Phèdre vient rendre justice à un innocent : Le champ lexical de la justice : « injuste », « innocence », « coupable », « condamné » illustre ce point . Avant d’expirer, Phèdre veut rétablir la vérité. On assiste à une sorte de plaidoirie et elle se désigne comme la principale coupable avec une forme emphatique : “ c’est moi qui “qui semble faire peser tout le poids de la culpabilité sur le personnage ; L’objet est séparé du verbe comme pour accentuer l’horreur de son crime “jeter un oeil profane, incestueux. L’adjectif profane rappelle ici qu’elle n’a pas respecté les liens sacrés de la famille : elle a donc offensé les Dieux et son crime s’apparente à une forme de sacrilège. Le contraste est alors maximal entre les deux personnages : l’innocent mort injustement et la coupable dont la vie paraît injuste. L’idée est peut -être de faire davantage accepter cette mort par le public en la justifiant ici de manière naturelle.Ce n’est plus seulement l’héroïne qui cherche à échapper à sa passion en se donnant la mort, c’est une femme criminelle qui mérite de mourir pour le mal qu’elle a fait. Phèdre reprend alors l’enchainement dse faits qui ont mené à la tragique mort d’un innocent : au vers 1625 : « le ciel mit dans mon sein » : les deux métonymies rappellent l’origine de sa funeste passion, cette malédiction dont elle fut ma victime . C’est une manière de rejeter en partie sa culpabilité car elle est seulement en position d’objet : « dans mon sein ». Elle se présente,une fois de plus , victime de cette cruauté des Dieux qui s’acharnent à punir son sang pour une faute commise par les ses ancêtres ( le Soleil, son grand-père qui a dénoncé les amours secrètes de Mars et Vénus ) . Ensuite, dans un second temps, le personnage dresse un véritable réquisitoire contre Oenone qu’elle qualifie, au moyen d’ un vocabulaire dépréciatif: de «détestable», au vers 1628 et de « perfide » au vers 1630. – Elle l’accuse d’avoir “conduit ” la trahison et même d’avoir abusé de la situation car elle se trouvait dans une “faiblesse extrême ” v 1629 . Le dramaturge rappelle une dernière fois les circosntances qui ont mené à cet enchaînement tragique : l’aveu de l’amour de Phèdre s’est déroulé alors qu’elle croyait son époux mort et le retour de Thésée a modifié la donne ; le danger , c’est désormais que le jeune homme confie à son père, à son arrivée, les révélations de sa belle-mère; c’est pour prévenir ce danger que la nourrice a alors l’idée d’accuser Hippolyte; Phèdre peut-elle vraiment passer pour une victime de la fidélité poussée à l’extrême d’Oenone ? Elle apparaît en position d’objet, comme si elle subissait la volonté de la vieille femme: « abusant de ma faiblesse » tandis qu’Oenone est le sujet de tous les verbes d’action : « a conduit », « a craint », « s’est hâtée »
Si on se réfère aux règles du théâtre classique et notamment à la règle dite de bienséance, les personnages ne devaient pas offrir leur mort , à la vue du public: : « Elle expire, seigneur » :ces quelques mots peuvent laisser penser que Phèdre meurt bien sur scène : cela accentue le pathétique mais aussi le tragique . Cette mort agit presque comme une fin moralisatrice : la passion conduit à la perte, à la destruction et à la mort. Les spectateurs doivent alors se purger de cette émotion. 
La tragédie racinienne libère la parole amoureuse qui marque souvent une forme de transgression : Hippolyte avoue, dès la première scène, un amour interdit pour Aricie et cet aveu est suivi de très près par les confidences de Phèdre à sa nourrice Oenone; cette dernière recueille la parole de la reine malade, qui brûle d’une passion dévorante pour le fils de Thésée, son mari; fils que ce dernier a conçu avec la reine des Amazones, la fière te farouche Antiope; Le dramaturge, construit ainsi en parallèle deux parcours amoureux qui vont s’entrecroiser lorsque Phèdre fait l’aveu, malgré elle, de sa passion face à Hippolyte. Au moment où elle sort de sa chambre , elle croise celui-ci qui s’apprête à quitter le palais pour partir à la recherche de son père . La tirade de Phèdre commence par une déclaration d’amour à Thésée qui , par glissements successifs, finit par révéler , une passion pour le “charmant” Hippolyte. Le jeune homme , honteux , pense tout d’abord qu’il s’est mépris et qu’il a accusé , à tort sa belle-mère d’être amoureuse de lui . Alors qu’il souhaite se retirer , Phèdre entreprend alors de le détromper et avoue, cette fois sans détour, son amour .
Phèdre se présente donc , avant tout, comme une victime de la malédiction de Vénus, lancée contre toute sa lignée. Le terme « dieux » revient par trois fois, renforcé par la métaphore « vengeances célestes » et la métonymie «contre tout mon sang ». – Pour insister sur le caractère odieux de la machination dont elle est victime, elle se qualifie de « faible mortelle », sorte d’antithèse qui vient en contrepoint de « dieux » et qui démontre son impuissance ; le registre pathétique est déployé pour faciliter la compassion du spectateur, ressort essentiel du spectacle tragique. Il est en effet, important que le spectateur puisse, sous certains aspects, considérer l’héroïne tragique comme une victime d’une fatalité qui la dépasse. Phèdre évoque d’ailleurs la cruauté des Dieux et cette cruauté fait écho à celle manifestée par le personnage d’Hippolyte qui ne partage pas les sentiments de Phèdre. Le personnage explique donc l’origine de cette passion incontrôlable , pour mieux tenter de se justifier aux yeux du spectateur et présente cet amour qui lui fait horreur comme le montre l’acmé de ce premier mouvement : « Je m’abhorre encore plus que tu ne me détestes » : formule frappante où on note , à la fois une gradation descendante et des effets d’ hyperbole. le verbe abhorrer signifiant un rejet très fort d’elle-même : elle se juge elle même coupable et se dégoûte.
En conclusion : Phèdre, en se déclarant à Hippolyte, vient de franchir un point de non-retour. Déclenchant , à plusieurs reprises , la pitié du spectateur elle s’inscrit dans cet aveu monstrueux comme une véritable héroïne tragique, victime de la fatalité et de l’hybris. A la fois victime et se jugeant coupable, elle fait corps avec ses sentiments et envisage la mort comme remède à ses tourments. La réaction d’Hippolyte ne es fait pas attendre : un mélange de honte et de dégoût. Phèdre cherche alors à flatter son orgueil pour qu’il devienne son bourreau mais cette dernière a pris soin de lui arracher l’épée avec laquelle elle l’enjoignait de la tuer. Cette épée va ensuite jouer un rôle crucial dans la tragédie car elle va servir de preuve à la tentative de viol dont Oenone va accuser Hippolyte . ‘III 3 : elle demande à Phèdre d’accuser Hippolyte la première et évoque ” son épée en vos mains heureusement laissée” . Le quatrième acte s’ouvre avec l’entrevue Thésée/ Oenone et les fausses accusations d’Oenone : le roi reconnait l’épée de son fils entre les mains de la nourrice ” j’ai reconnu le fer, instrument de sa rage/ ce fer dont je l’armai pour un plus noble usage .” ( vers 1009/1010 ) Thésée va alors convoquer son fils et convaincu de sa culpabilité , il lui lance ” il fallait en fuyant ne pas abandonner le fer , qui dans ses mains aide à te condamner . ( ” IV, 2 v 1084)La tragédie est en marche, et rien ne pourra plus l’arrêter. Cette épée est devenue l’agent du destin d’Hippolyte et signe son arrêt de mort.
L’Horloge de Baudelaire : l’image du Temps
Lorsque Baudelaire publie son recueil Les Fleurs Du Mal en 1857, il se situe encore au carrefour de trois influences majeures pour la poésie au dix-neuvième siècle : le romantisme qui privilégie l’expression personnelle des sentiments, le symbolisme qui s’efforce de révéler le sens caché des choses au moyen des symboles ; l’expression des sentiments devient alors indirecte; et le Parnasse qui accorde une attention particulière à la forme et refuse l’engagement de l’Art ainsi que le préconise Théophile Gautier, son chef de file, dans une formule originale : “il n’y a de vraiment beau que ce qui ne peut servir à rien”
L’Horloge clôt la section du recueil intitulée “Spleen et Idéal” et il a pour thème principal le Temps . Comment le poète a-t-il choisi de représenter le Temps qui passe ? Plus »